Vous le savez, puisque vous êtes en train de déguster ces nouvelles lignes, « La lumière vient du fond » c’est l’assurance toujours renouvelée d’un décryptage indépendant des productions cinématographiques aussi diverses soient-elles. L’abonnement est gratuit et illimité. Mouais… Faut avoir de bons yeux quand même ! Dès le début, j’ai conçu chaque « lumière » comme un fragment intemporel s’opposant aux vulgaires critiques cinématographiques qui n’ont pour durée de vie que celle des films qu’elles exploitent. Ici, vous pouvez lire au hasard et n’avez pas besoin d’être assujettis à l’actualité. En plus de faire le jour sur les différents savoir-faire (ce qui nous différencie de la critique officielle, puisqu’elle ne parle jamais de mise en scène), nous avons à cœur de révéler les éléments peroxydés qui émaillent toutes les étapes de conception d’un film. Aujourd’hui, nous innovons une fois de plus. A partir de maintenant « La lumière vient du fond » vous rapporte de l’argent. Une visite en nos aimables contrées peut vous éviter de perdre 14 millions d’euros, comme cela vient d’arriver récemment à Studio Canal. Manifestement, ses dirigeants ne viennent pas fureter par ici, sans quoi nous aurions été honorés de pouvoir leur apprendre leur métier. Ce n’est pourtant pas faute d’avoir rabâché que Jean-Jacques Annaud est l’un des chefs de file du Consortium des Laxatifs du Cinéma. Nous, nous le savons bien qu’il s’agit d’un réalisateur extrêmement surfait. Braquage médiatique en vue pour chacun de ses nouveaux opus. Cela remonte aux films événements qui ont focalisé (pour de mauvaises raisons) toute l’attention sur lui. Lorsqu’il sortit de cette recette miracle, sa véritable nature prit enfin le dessus avec les immondes SEVEN YEARS IN TIBET, ENEMY AT THE GATES et surtout DEUX FRERES. Ce qui fut avéré avec COUP DE TETE, ne s’est jamais concrétisé. Il n’est pas sûr que ce qui est avéré soit le dénominateur commun aux germes du futur. Toute logique peut acquérir un détournement de sa viabilité avec le temps.

Cette fois-ci, notre Ridley Scott français a eu une idée (ce qui change de ses films habituels). L’embêtant c’est qu’elle s’ennuie un peu toute seule. SA MAJESTE MINOR est déprimant de vacuités polyvalentes. Il trouve son point d’ancrage dans un scénario qui mise sur des temps pré-Homériques propices aux bouffonneries et autres pérégrinations aux accents fortement sexuels. Une truculence de propos malhabile puisque jamais drôle. Elle ne trouve sa genèse que dans un concept marketing primaire et racoleur. Cet aspect est entièrement dévoilé dans la bande-annonce et ne dévoile rien de plus tout au long du film. Et là où nous lui en voulons encore plus c’est qu’il ne sert pas l’histoire. C’était donc ça ! Le dernier film de Jean-Jacques Annaud n’est rien d’autre qu’une œuvre amplement bourgeoise, pour un public qui cherche à se sentir moins coincé en riant à toute connotation verbalement fleurie.

Pour le reste, SA MAJESTE MINOR s’avère fainéant et scurrile. Pour garder l’attention de son public, le film adopte dès le début un rythme assez plaisant et ce jusqu’à la fin du jugement de Minor. Ensuite, un phénomène d’effervescence dilue à la fois les véritables enjeux et le tempo de chaque scène. Le scénario se perd en langueurs neurasthéniques et en relances narratives inexistantes. Le tout est enrobé dans un ensemble très laid. Mauvais raccords, costumes d’amateurs, coiffures approximatives, lumières hideuses et une absence de cadrages qui annihile tout lyrisme susceptible de se dégager. Les rares moments de poésie que Jean-Jacques Annaud semble se faire une douleur de procréer (les fleurs qui éclosent, la pellicule qui se pare de couleurs) n’existent que de manière illustrative, comme une composante essentielle à respecter dans le cahier des charges qu’il s’est imposé.

Quelques César à distribuer aux comédiens. Passent en premier Claude Brasseur, Rufus et Mélanie Bernier, horriblement théâtraux (c’est très nettement le parti pris de la direction d’acteurs : expressions outrancières, cabotinage suppléant la verdeur du texte, acteurs qui jouent les mots etc. Beurk ! Moi qui croyais que l’on avait arrêté de jouer comme cela depuis l’après-guerre !). Bizarrement, j’ai trouvé que c’est Vincent Cassel qui s’en sortait le mieux, c’est vous dire ! Cela peut néanmoins s’expliquer par le fait que son personnage est sûrement le moins ingrat.

SA MAJESTE MINOR a coûté 30,4 millions d’euros, dont 14 injectés par Studio Canal. « La lumière vient du fond » est plus que jamais d’utilité publique.

            Des nouvelles de la critique qui ne fait pas son travail.

            On n’avait pas interdit les pléonasmes ? Selon notre théorie de la pédanterie fictive, beaucoup trop de films sont démolis par des critiques qui jugent selon un dossier de presse, les avis échangés avec leurs collègues de travail et les préjugés qu’ils ont sur les différentes personnes ayant pris part à l’œuvre. C’est ce qui semble être le cas de MR. BROOKS de Bruce A. Evans. Sorti chez nous le 29 août 2007, le film a été victime d’un véritable lynchage en règle. Evidemment, pour un critique officiel (je ne dirai pas professionnel puisque j’en connais sur la Toile qui mériteraient bien plus cette appellation), aller voir un film au scénario entartré et propice aux poncifs du genre, vendu sur deux anciens will be en jachère cinématographique (Kevin Costner et Demi Moore) et réalisé par un quasi-inconnu (même s’il a déjà réalisé un film en 1992, je doute qu’une majorité de ces critiques l’aient vu. Ce constant manque de culture n’étant pas tellement grave puisqu’il peut être comblé), relève plus de la sinécure que de la satisfaction du devoir accompli. Or, MR. BROOKS mérite mieux qu’un article rédigé de bon matin entre deux croissants et un bol de Rice Krispies.

Un des grands atouts du film est la division de Mr. Brooks en deux personnages. Encore une fois, les critiques ont repris cette information d’une version contemporaine de « Docteur Jekyll et Mister Hyde ». Ce n’est pas tout à fait exact. Dans l’histoire originelle, un personnage se substitue à l’autre. Le jour pour le premier, la nuit pour le second. Dans MR. BROOKS, la double personnalité est active de jour comme de nuit. S’il est vrai que Kevin Costner ne tue qu’en mode nocturne (mais qu’en est-il exactement de tous les meurtres qu’il a commis avant que le film ne débute ?), il est tout de même très conscient de William Hurt à certains moments de la journée. La plus belle idée de mise en scène exploite la relation entre ces deux acteurs. Bruce A. Evans les fait communiquer en présence des autres personnages. Bien entendu, ceux-là n’entendent rien puisque William Hurt n’existe pas. Il n’empêche que Kevin Costner converse avec lui comme si sa présence était normale et venait compléter les échanges des personnes en jeu. Pour ne pas trop brouiller la différence entre ce personnage imaginaire et la réalité, Bruce A. Evans limite au maximum la présence de William Hurt dans le même champ et le réduit souvent à des espace délimités (dans le rétroviseur, derrière quelqu’un ou un objet, découpage qui l’exclut etc.) En fait, la question de savoir qui est exactement William Hurt par rapport à Kevin Costner n’a pas vraiment d’importance. Evidemment, le lien l’établit comme une sorte de petit diable, de déploiement de sa maladie mentale, sa part d’ombre ou plus prosaïquement le côté obscur de la Force comme on dit quand on n’a rien à dire. L’important c’est la manière dont Kevin Costner cherche à le dissocier de sa vision des choses. Parce que MR. BROOKS débute au moment où ce mass murderer n’aspire plus qu’à la tranquillité de la vie qu’il s’est forgée. C’est là un bien joli thème qu’explore le scénario du film. Un homme qui éprouve du plaisir à tuer, qui est parvenu jusqu’à une addiction qu’il a maîtrisée pendant deux années et le voici qui replonge. Les deux heures du film vont s’ingénier à suivre cette nouvelle série de meurtres sonnant le terme de son activité cachée. Mais comme il n’aura tenu que deux années, rien ne nous dit que sa volonté soit suffisamment tenace. Ce qui est paradoxal, donc comique, c’est la méticulosité avec laquelle il conçoit ses divers plans en vue de raccrocher définitivement. D’ailleurs, vers la fin, William Hurt ne croit pas du tout à sa retraite. C’est là où l’opposition de ce double personnage prend tout son sens. Car la vérité apposée à moment donnée par Kevin Costner ne sera pas forcément celle qui prendra acte dans la réalité de son entourage. Lui s’invente une vérité, tout comme William Hurt en a une autre. Mais rien n’est totalement tangible. C’est ce que nous dit le film. C’est particulièrement clair à travers sa fille, jouée par Danielle Panabaker. Ce qui était formulé comme vrai l’instant d’avant ne l’est plus l’instant d’après selon une autre formulation. Mais peut-être qu’il s’agit encore d’une autre dimension de logique et de vérité. Car rien ne dit que Danielle Panabaker est coupable du premier meurtre à la hachette. Ce n’est qu’une déduction de l’esprit malade de Kevin Costner. Les flics n’ont aucune preuve. Certes, l’histoire de la BMW déroute considérablement. A-t-elle menti à son père ? Si le réalisateur nous montre une part de vérité inamovible, alors il n’y a aucune raison qu’il ne nous fasse pas part de sa culpabilité ou de son innocence. Le flou qui persiste provient du fait que toute déclaration est perçue par le prisme du fonctionnement cérébral de Kevin Costner. Un esprit qui s’enfonce un peu plus dans la névrose, puisqu’il parvient à élaborer une théorie fumeuse selon laquelle les gènes meurtriers seraient transmissibles. Il n’y a qu’à partir de ce moment que l’on peut nettement se situer par rapport à sa logique.

L’entrée dans cet esprit malade (et pourtant très ordonné) est encore mise en relief par les différences avec lesquelles Kevin Costner (très méticuleux) et Matt Schulze (très rentre-dedans, manifestement peu calculateur) opèrent. Le soin avec lequel il programme chacun de ses meurtres ajoute énormément à son altération psychique. Et puis, il ne faut pas oublier Demi Moore qui campe un agent de police qui semble ne servir à rien en apparence, puisqu’elle ne capture pas Kevin Costner, et dont les histoires d’arrière-plan paraissent bien secondaires. Là encore, le personnage vient contrebalancer celui du tueur. Il s’avère que leurs vies sont calquées sur un négatif troublant. L’un a réussi sa vie professionnelle, sentimentale et familiale mais est en lutte avec des pulsions qu’il ne peut réprimer, l’autre cherche toujours une reconnaissance dans son travail (par des méthodes un peu déviantes, alors que Kevin Costner est on ne peut plus dans le consensuel puisqu’il vient d’être élu « homme de l’année »), peine dans sa vie privée mais connaît les limites à ses pensées les plus négatives car elle leur trouve toujours un substitut (c’est le cas lorsqu’elle dit à son mari qu’elle aimerait le voir écrasé par un 38 tonnes, ce qui fait toujours autant de bien mais diffère quelque peu d’un meurtre, vous en conviendrez).

Il a raison et tous les autres sont des ignares crépusculaires, si je comprends bien… Pas tout à fait. Il n’y a pas de fumée sans feu au cul, comme dirait la jeune mariée. En fait, pour comprendre où le bât blesse, le premier film de Bruce A. Evans va nous être d’une grande utilité. KUFFS n’est rien d’autre qu’un petit ersatz de film policier, où il n’y a rien à sauver, même pas la prestation de Christian Slater. Mais le film cherchait à se démarquer par ce comédien s’adressant constamment au spectateur, face caméra. Procédé intéressant s’il n’avait pas été laissé pour compte au milieu de cette tragédie impériale. Il faut dire que Bruce A. Evans bâcle très souvent les scènes qu’il ne considère pas comme les véritables enjeux du film. C’est souvent le cas pour les scènes d’exposition. Dans MR. BROOKS c’est filmé d’une manière assez plate, avec des champs/contrechamps assez balourds et un manque d’idées flagrant. Etrangement, cela n’apparaît plus lorsque qu’il se prend d’affection pour les scènes où une idée lui est venue. Un peu plus de charisme transcende l’affaire. Et même au niveau des compositions visuelles. MR. BROOKS alterne des séquences sans relief à l’intérieur des cadres, avec des jeux de lumière vraiment chouettes (dans l’avion, lorsque Kevin Costner s’éclaire avec sa torche…) et des cadres qui ont revêtu le costard.

MR. BROOKS c’est comme un terrain vague plein de mauvaises herbes qu’il suffit d’arracher pour découvrir un film plus travaillé qu’il n’y paraît. C’est ainsi que nous apparaît au détour d’un passage scénaristique qui pouvait sembler quelconque sur le papier, la plus belle scène du film lorsque Demi Moore se fait tirer dessus dans le couloir. Regardez où le cadre décide de s’attarder lorsqu’elle se met à l’abri. La virtuosité s’allie à un ralenti qui n’a qu’un seul but : transcender le rythme lorsque la bande défilera à nouveau au rythme normal. Qui plus est, le réalisateur a choisi d’effacer la piste sonore pour ne laisser la place qu’à la musique. Le reste c’est du montage. Et alors là, ça sort les kalaschs. C’est brut, bien massif. Image et musique en complète symbiose. Que du bonheur !

Retrouver Demi Moore et Kevin Costner nous plonge en plein syndrome Kad Merad. Vous savez, le comédien à qui l’on donne un César parce qu’il sait faire autre chose que du comique. Dites-donc, ce n'est pas juste un peu son métier ? Pour la même raison nos deux stars américaines seraient en droit de mériter récompenses et lauriers. Mais si nous regardons MR. BROOKS un peu plus attentivement, nous repèrerons que Kevin Costner ne retrouve pas enfin un rôle à la mesure de son talent. Certes, ce n’est pas un acteur que je déteste mais j’ai toujours trouvé que sa présence imposait plus que son jeu qui manque de variété et de profondeur. Et puis, ce film n’est pas à part dans sa carrière. Il a toujours jonglé entre succès et cataclysmes monstrueux, rôles insipides et personnages plus dessinés. Demi Moore, elle, n’a que très peu dévié du personnage autoritaire, castrateur et peu féminin qu’elle a véhiculé dans des films tels que G.I. JANE, A FEW GOOD MEN, ST ELMO’S FIRE et DISCLOSURE. MORTAL THOUGHTS est peut-être la seule fois où elle m’est apparue plus contrastée. Ici, elle continue sur la même pente sablonneuse. La froideur de son personnage (certainement pas moins bien écrit que celui de Kevin Costner, preuve en est la masse d’informations qui nous parviennent tout au long du film) empêche toute expression de ce qui se joue chez elle. C’est un de ces ingénieux artifices des comédiens qui lui permet de masquer ses difficultés à jouer dans la finesse et la multiplicité. Elle expose tout sur un seul registre et son grand charisme lui permet d’affirmer l’essentiel à la caméra.

Tout cela n’aurait pas été possible sans la baguette du chef d’orchestre Bruce A. Evans. Que nous éviterons d’appeler maestro. Sa véritable intelligence découle de son aptitude à désherber les mauvaises pousses. En cadenassant leur jeu, il leur a permis de ne pas verser dans le grand guignol, dans les travers de comédiens qui ont tendance à trop en faire pour prouver qu’ils savent jouer. Il leur a donc demandé d’en faire le minimum, de jouer avec parcimonie, de penser à s’orienter vers une sobriété maîtrisée. Et c’est ce qu’ils ont réussi à faire, parce que ce sont des indications simples. Se laisser photographier et parler juste. La France en est le premier éleveur. Avec notre grande championne agricole : Virginie Ledoyen ! En plus, nous donnons des récompenses aux personnes qui savent réprimer leur cabotinage. Une race de comédiens qui savent aussi jouer sur un autre registre. A quel moment de la journée ? Quand ils dorment !!! Voilà bien à quoi ce genre de direction d’acteurs aboutit : à des comédiens endormis. Kevin Costner et Demi Moore dorment d’un œil, c’est déjà ça de pris.

            Des nouvelles de la critique qui fait bien son travail.

            C’est dans quel pays, ça ? France. 2007. PARANOID PARK. Gus Van Sant. Evidemment, c’est plus facile à juger quand il s’agit d’une personne récemment couronnée à Cannes et qui rentre dans les cases de la politique des auteurs ! Cinéaste dont nous suivons le parcours sans cautionner toutes ses prises de risques (GERRY), Van Sant nous fascine par son aisance à jongler entre impératifs commerciaux et profondes recherches artistiques. Avec son dernier opus il réussit à nous éblouir avec un film couillu à cent lieues du glamour hollywoodien et de ses parures qui vous excitent l’œil. A la fois extrêmement simple dans son langage cinématographique et structurellement pétillant d’ingéniosité, PARANOID PARK démontre que le cinéma est aussi affaire de sensualité et avant tout d’impressions non littérales.

Gus Van Sant nous conte l’histoire d’un jeune adolescent américain qui a commis un homicide involontaire et qui se trouve désormais désarmé face au silence dans lequel il choisit d’enfouir son acte. Pour bien comprendre que ce film n’est pas un simple jeu du chat et de la souris avec un policier qui cherche à faire le jour sur ce fait divers, ou juste l’histoire d’un adolescent mal dans sa peau qui flirte avec les embrouilles, il faut comprendre les précédentes démarches filmiques du réalisateur et les points de repère qu’il impose ici.

Gus Van Sant a beaucoup filmé les errements de personnages cotonneux, emportés par le moelleux du brouillard qui les entoure et les déconnecte des références que la société impose. Il poursuit cette aventure aux côtés de Gabe Nevins, ne cherchant jamais à extirper son intimité mais plutôt à écouter son rythme de vie. C’est un cinéaste qui travaille sur la notion d’affleurement de l’inconscient, de prise en charge de la réalité, de lutte métaphysique entre un monde que l’on perçoit et dont on n’arrive pas à se convaincre que l’on en fait partie. Toute son œuvre est basée sur la perception de soi. C’est indubitable et sans ambages dans GOOD WILL HUNTING, perspicace dans LAST DAYS, téméraire dans MY OWN PRIVATE IDAHO et ainsi de suite pour tous ses autres films. C’est très clair par l’emploi qu’il fait des inserts en 8mm où nous voyons des jeunes faire du skate. Il les dissémine à des endroits clés du film, de sorte qu’ils apportent aération narrative et recentrage de la problématique première. N’oublions pas qu’ils closent le film en annonçant peut-être pas la totale résolution des tourments du jeune homme mais, du moins, la stabilité que lui confèrent les rails retrouvés (nous allons y revenir). Ces intervalles ne sont pas innocents et je suis surpris qu’aucune critique n’ait relevé leur dissémination stratégique. Le skate c’est d’abord un sport pour funambules de la vitesse, moins suicidaires que ceux du vide. A nouveau la perception de soi. C’est aussi l’élément d’identification de ces jeunes, un des éléments qu’il faut avoir coché sur sa check-list pour être accepté populairement et intégrer la norme. Avoir une jolie copine aussi. Baiser surtout, car baiser vaut toujours mieux que ne pas baiser, entendra-t-on dire (remarquez qu’au travers d’un film aussi peu bavard, les moindres phrases sont travaillées et si elles semblent dépourvues d’éloquence littéraire et tellement quotidiennes c’est parce qu’avant tout elles cherchent à ressembler à ceux qui les prononcent). Pourtant, cela ne satisfait pas pleinement Gabe Nevins. Bienvenue dans le monde de ceux dont le prénom ne figure pas dans le calendrier. Faire l’amour avec sa copine n’est qu’un processus d’identification à ceux qui se préoccupent de leur sexualité, donc de leur normalité. C’est pour cela que Taylor Momsen se précipite sur le téléphone (la scène est envenimée par un humour jaune de très haut vol !) pour raconter à son amie qu’elle l’a fait avec Gabe Nevins. Qu’elle a fait quoi ? Cette relation n’est pas suivie dans son intimité, dans sa tendresse, dans son infini prolongement de soi-même. Qu’elle a fait quoi ? Surtout parce que Taylor Momsen est une jeune fille qui ne s’intéresse qu’à elle-même et à se faire valoir auprès de ses copines. Mais qu’elle a fait quoi ??? Même si ce n’est pas explicite, nous sentons bien que c’est quelque chose de cet ordre qui taraude l’ami Gabe. Mais qu’elle a fait quoi, nom de Dieu ??? ‘Tain c’est toujours pareil, on ne me dit jamais rien à moi !!! Ainsi s’explique l’attrait qu’il éprouve pour une Lauren McKinney, au physique plus étrange, au visage couvert d’acné, mais au comportement plus sensible à son contact (c’est d’ailleurs avec elle qu’il se confie le plus). D’ailleurs, regardez bien comment la mise en scène nous le montre lors de la rencontre entre Lauren McKinney, son amie Emily Galash et Gabe au restaurant. Elles tombent sur lui en train de lire le journal et lui proposent d’aller au cinéma avec elles. La façon de décadrer légèrement Emily Ganash en dit long sur la manière dont les personnes passent à côté d’autres personnes. Lui donnant un rôle secondaire, Gus Van Sant en fait dans un premier temps un personnage relégué à de la simple figuration. Mais un plan plus serré sur elle vient annuler cet état de fait pour appuyer notre regard mais aussi celui de Gabe sur cette actrice devenue bien plus simiesque à Taylor Momsen que nous ne l’aurions cru précédemment. En fait, détaché des artifices superficiels dont Taylor Momsen se pare, la véritable fille dont Gabe serait amoureux sans le savoir c’est bien Emily Ganash ! C’est ici que réside l’intention dans cet effet de style propre à nous indiquer les véritables émois de Gabe. D’ailleurs, nous avons souvent l’impression de se sentir à l’intérieur non pas de son cerveau mais de son corps tout entier. C’est là le magistral tour de force de Gus Van Sant. Tout son film est orchestré comme un ballet sensoriel et sensuel, une expérience de vibration corporelle intense et délicate. Et du son dans la mise en scène, mes amis !!! Si vous saviez ! C’est à faire faire une crise cardiaque à sa mère-grand ! Moi qui me plains continuellement que 99,37 % des cinéastes délaissent habituellement le son au profit du scénario ou des comédiens, voilà bien de quoi alimenter mes insistances sur la nécessité d’une vigilance tout aussi contractuelle. Quel plaisir d’écouter cette bande son ! Et pas de celles qui font compilation des meilleurs titres que le réalisateur aime à écouter, non, une vraie correspondance avec l’état dans lequel se trouvent les personnages à l’écran, ou alors utilisée en contrepoint (comme la scène où Gabe vient dire à Taylor Momsen qu’il veut rompre avec elle. Gus Van Sant a guillotiné les paroles, laissé la musique en libre accès et vous comprenez tout ce qui se passe ! C’est une scène à la fois bouleversante et extraordinairement comique grâce à l’emploi détourné de cette chanson). Toute une palette des genres extrêmement riche et colorée. Et des sons il y en a encore beaucoup, et du signifiant ! Notamment dans la scène où le policier interroge Gabe à part, dans son lycée. Nous découvrons les niveaux intérieurs par lequel passe l’adolescent face à la justice qui semble le rattraper. Le malaise vertigineux s’installe. Vivre avec le poids de l’horreur. Le rappel de ces images d’un soir qu’il cherche à évacuer et qui ressurgissent sans cesse. Si vous écoutez bien, vous entendrez le cri de l’homme qu’il a poussé sous les roues du train. C’est la fragile cohabitation entre la liquéfaction interne de la culpabilité et l’apparence extérieure qu’il tente de tenir détachée et hors d’implication.

Nous avons parlé du son mais n’oublions pas non plus les cadres de malade mental du dénommé Christopher Doyle qu’il faut enfermer tout de suite. Pas étonnant quand on sait que le beau dans THE QUIET AMERICAN, CHUNG HIM SAM LAM, FA YEUNG NIN WA ou LIBERTY HEIGHTS c’était déjà lui ! Il est totalement en phase avec la poésie du cinéaste. Des mises au premier plan de lieux, d’objets et, accessoirement, de comédiens. Beaucoup de mouvement même dans les plans qui peuvent paraître posés, je pense notamment à la petite horde de convoqués qui avance dans le couloir du lycée. Ca, c’est carrément impressionniste ! Comprenez l’osmose : si le cinéma n’existait pas, Gus Van Sant serait sans aucun doute un peintre impressionniste, de ceux dont la poésie vous émeut par ce qu’elle a de plus indicible.

Le skate-board c’est aussi (et avant tout, je dirais) la notion d’équilibre, d’harmonie entre les différents points d’appui. Gabe Nevins est en demande de réappropriation de ses propres particules élémentaires, une demande qu’il ne sait pas formuler. Pourtant il l’attend, notamment de la part de sa copine Taylor Momsen. No way, celle-ci ne le voit pas. Figurer, s’incarner dans les yeux et les mots de l’autre. C’est pour cela que Gabe ne fait pas partie de ces adolescents à problèmes dont ELEPHANT brossait le portrait. PARANOID PARK en est très éloigné, ses stigmates sont d’un ordre tout autre, quoi qu’en puissent dire toutes les critiques (y’en a qui ne doutent de rien, c’est rafraîchissant !). Evidemment, en parcourant le film en travers nous comprenons aisément qu’ils se soient faits abuser par le lycée, un meurtre, l’adolescence… Il y a une scène d’une importance capitale qui nous révèle toute la dialectique du film. Là encore, attention : mise en scène ! C’est lorsque Lauren McKinney en vélo trouve Gabe étendu sur le béton. Ils repartent ensemble, elle sur son deux-roues et lui se faisant tirer sur sa planche à roulettes. J’aime bien faire des phrases ambiguës, comme ça. Evidemment, ce symbolisme démontre toute l’inutilité du personnage de Taylor Momsen et souligne les atouts de celui de Lauren McKinney, la figure forte. C’est elle qui donne l’impulse. C’est elle qui répond à la demande de Gabe, entendue inconsciemment. Rien d’étonnant à ce que les quelques conseils qu’elle lui donne résonnent en lui comme des éléments salvateurs. C’est le montage qui donne de l’impact là où le réalisateur décide d’attirer notre attention. En effet, il met fin à la scène par un montage très sec qui permet aux mots de ricocher et donc de tisser leurs synergies. Grandiloquent par le style ! Dionysiaque, mes amis ! C’est ici le point de départ de tout le film. Tout le talent de Gus Van Sant réside dans cette aisance à développer cette problématique avant de la poser. Bien que l’on puisse concevoir PARANOID PARK d’un point de vue non chronologique, il se développe surtout en fonction de thèmes et d’approches communes indépendantes du temps. C’est ainsi qu’une fois les questionnements clairement définis (je parle de cette scène à six roues), Gus Van Sant n’a plus qu’à conclure son film sur l’évidence qui s’impose à Gabe : brûler ses écrits. Libéré avant que l’enquête de police ne s’achève. Encore une musique sublime pour ce moment de grande poésie amère. Comme on dit quand on ne sait pas quoi dire : tout ce qui ne nous tue pas nous rend plus fort. Ou paraplégique.

            J’aime bien faire chier les caissières du Pathé Wépler. Il faut bien qu’il y en ait qui paient plus que les autres. C’est comme cela que le monde tourne. Et puis, d’habitude, c’est toujours moi qui paie plus que ça ne vaut : 8,60 euros la place de cinéma, ça vaut quand même la peau de la tête !

Un scientifique a calculé un beau jour, ou peut-être une nuit, que chacun d’entre nous doit en naissant 70 000 heures de travail à la collectivité. Trop imprécise est cette notion de travail car si nous voulons la coupler avec un certain critère qualitatif, nous nous apercevons très vite que ce total ne fait rien à l’affaire. La connerie et sa logique. Le travail ne fait pas la compétence et 70 000 heures passées au Pathé Wépler peuvent n’aboutir à rien. Que nous importe le chiffre puisque nous recherchons l’ivresse. Rien ne garantit à un réalisateur que les nombreuses années qu’il passera sur son film en feront un chef-d’œuvre. Un tableau ne s’apprécie pas en fonction du nombre d’heures que le pinceau a passé à caresser la toile. Pierre Martinet a beau passer sa vie dans sa cuisine, la qualité de ses plats cuisinés ne fera jamais oublier le peu d’heures que son agence de publicité a passé à chercher cet affriolant surnom de « traiteur intraitable ». Et lorsque l’écart se creuse entre le travail et la qualité, lorsque ces deux concepts s’opposent en antipodes philosophiques, lorsque la bouche béante s’apprête à engouffrer ceux qui n’ont pas le courage de demander pourquoi il y a 9 guichets mais seulement 3 d’ouverts, lorsque le cri d’effroi de l’ascète sombre dans le gigantesque maelström de médiocrité normative de La Cinq, à ce moment il est un lieu encore pire que le Pathé Wépler, un lieu où 70 000 heures de travail ne sauraient égaler une seule ligne d’un seul livre de Fédor Dostoïevski, j’ai nommé : La Poste. Le seul refuge pour sans-amis, ceux-là qui se font rembarrer même par les free hugs. Mais, au-delà de toute cabale, ne tombons pas dans cet anti-Poste primaire qui nous réjouit tant, même s’il est vrai que certains qui y bossent peuvent découper de la tôle avec leur haleine ! C’est sûr, si vous préférez les gens qui réfléchissent avant de parler, chaque escapade dans un bureau de La Poste doit vous sembler proche de la désolation qui parcourait la morne plaine de Waterloo, ce soir du 18 juin 1815, lorsque Napoléon Bonaparte fit la première partie du groupe Abba.

Pour toutes ces raisons, je préfère de loin les légumineuses du Pathé Wépler.

Et quand j’emploie ce terme, je pense plus précisément à cette plante potagère que l’on nomme oignon. Légume absolument merveilleux que Dame Nature nous a donné. Le seul à être équipé d’un mécanisme de défense ! Il nous fait pleurer quand on s’attaque à lui. Comme mécanisme de défense, il est vrai que cela intervient un peu tard dans la vie de l’oignon. Tout comme elle (ou plutôt comme lui devrai-je dire, puisque selon les rouages mystérieux de la langue française il s’agit d’une plante mais nous préférons dire un oignon), les caissières du Pathé Wépler possèdent des feuilles de couleur verte étrangement creuses, ce qui les différencie du poireau, autre plante que nous rencontrons au Pathé Wépler, qui vous déchire violemment votre ticket et vous indique la bonne salle. Creuses, j’en veux pour preuve la petite entrée en matière que j’avais préparée lorsque je me suis présenté au guichet dans l’espoir de recevoir ma place pour BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU’RE DEAD de Sidney Lumet. Entièrement préméditée, je l’avoue. Parce qu’en général, je commence par dire bonjour (pour leur rappeler que la politesse n’a pas à céder à l’immunisation des rapports humains) et je demande une place en donnant le titre du film choisi. Mais cette fois-ci, j’avais prévu de compliquer quelque peu l’opération. Tout fourbe que je suis, je me suis présenté en demandant une place pour le dernier Sidney Lumet. D’entrée, mon plan fonctionne à merveille. La jeune fille marque un léger temps d’incompréhension pendant lequel elle espère que l’influx nerveux parviendra à chacune de ses synapses. Finalement, elle me demande de répéter. Je m’exécute. Sans arme à feu, ce qui, en soi, est vachement balèze. La caissière fait toujours mine d’avoir bien saisi ce que je lui demande, et hasarde son doigt vers l’écran tactile où sont répertoriés les différents films proposés. A son regard mutique, je sens l’effort désespéré que fournissent ses neurotransmetteurs pour essayer de décrypter l’information. Elle ne dit rien mais je vous assure que ses stridulations intérieures m’assourdissent. Puis, elle repose son doigt comme si elle avait besoin de regrouper toutes ses forces physiques vers un seul et même but, et me fait comprendre qu’il va falloir sérieusement l’aider sur ce coup-là car elle commence vraiment à croire qu’elle est bouchée à l’émeri. Moi, toujours allègre, je me penche vers elle et prononce distinctement le nom du réalisateur, de manière outrageusement protocolaire. Bien sûr, je rajoute avec une extrême déférence que je me trouve absolument confus d’avoir oublié le titre du film ! Le déclic s’opère finalement et la pauvre liliacée se répand en excuses, ce à quoi, bien évidemment, je lui rétorque de ne pas s’excuser de son ignorance. Réminiscence brutale de mes 3-jours-qui-n’en-ont-duré-qu’un à Limoges : 

- Votre métier ?

- Comédien.

Le temps s’arrête.

- J’ai pas de case qui correspond. Je mets ça où ? [J’avais bien une idée à ce moment-là…]

- Je ne sais pas, moi, je suis comédien. 

Parfois, c’est moi qui marque le temps d’arrêt. Récemment, je suis allé acheter le DVD de PUMP UP THE VOLUME au Virgin Mégastore : 

- C’est Christian Slater, sur la jaquette ? Ouah ! Qu’est-ce qu’il était jeune ! C’est quoi ce film ? 

??? Comment ça : « C’est quoi ce film ? » C’est le plus grand film de tous les temps espèce d’ignare !!! La Poste et ses émules ! Des pans de culture régulièrement balancés avec les ordures ménagères.

Que tout cela est bien triste ! Nouvelle démonstration du désintérêt avec lequel le public traite les réalisateurs.

Mes craintes se confirment. Il va falloir redoubler d’efforts : 

MAYDRICK : Bonjour, je voudrais une place pour TITANIC, s’il vous plaît.

LA CAISSIERE : C’est plus à l’affiche. Ca fait un moment.

MAYDRICK : Mais vous êtes un cinéma oui ou non ?

LA CAISSIERE : Oui.

MAYDRICK : Alors donnez-moi une place pour TITANIC !

LA CAISSIERE : Mais on ne l’a pas !!!

MAYDRICK : Vous avez quoi, alors ?

LA CAISSIERE : On a le dernier Sidney Lumet, si vous voulez.

MAYDRICK : D’où les caissières du Pathé Wépler se mettent-elles à citer les réalisateurs maintenant ?

LA CAISSIERE : C’est parce que nous sommes dans un dialogue pas réaliste. C’est vous-même qui êtes en train de l’écrire et vous vous mettez vous-même en scène.

MAYDRICK : Génial ! Je peux écrire ce que je veux alors ? Et y’aurait moyen d’avoir une petite gâterie avant la séance ?

LA CAISSIERE : Tenez ! Voilà un sachet de Maltesers. Avec votre place ça vous fera 11,20 euros.

Maydrick rentre dans la salle.

MAYDRICK : Je commence à en avoir ras le Mi-Cho-Ko. Ils n’ont jamais TITANIC quand je viens ! En plus BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU’RE DEAD je l’ai déjà vu. Pas glop la fin avec le père qui tue son fils…

Excédée par ce qu’elle entend, une vieille dame se retourne.

LA VIEILLE DAME : Chut !!! S’il vous plaît !!!

Le temps s’arrête.

MAYDRICK : Oh, putain !

Maydrick se lève brusquement et s’en va.

Quelques secondes plus tard, il revient accompagné d’un poireau.

MAYDRICK : (en désignant la petite vieille) C’est elle, là. Elle n'arrête pas de parler et de raconter tout le film.

LE POIREAU : C’est vrai, madame, que vous avez dérangé Maydrick ?

LA VIEILLE DAME : Oui, mais c’était pour…

MAYDRICK : Voyez ! Elle recommence !!!

LE POIREAU : Je vais vous demander de bien vouloir quitter la salle, madame. 

La séance pouvait débuter.

Ah ! Il va enfin nous parler du dernier Sidney Lumet, c’est pas trop tôt !!! Mais avant cela j’aimerais attirer toute votre attention sur deux manifestations qui auront lieu prochainement.

Le Sky Prods Festivals s’adresse aux amateurs comme aux professionnels. Pour sa première édition, aucun thème n’est imposé. Tout participant peut présenter jusqu’à 2 courts mais chacun d’une durée inférieure à 10 minutes (hors génériques). Les inscriptions (3 euros l’un ou 5 euros les deux) sont encore possibles jusqu'au 5 novembre 2007, et la projection des courts métrages finalistes ainsi que la cérémonie de clôture auront lieu le samedi 24 novembre 2007 au Palais de la Culture de Puteaux. Et pour ceux qui ne souhaitent pas concourir pour rien, notez que le premier prix sera un caméscope Panasonic mini-DV 3CCD d’une valeur de 500 euros (selon les organisateurs), mais vu bien moins cher sur Rue du Commerce (selon la police). Idéal pour réaliser des longs métrages de mauvaise qualité. Toutes les informations sont sur le site : http://www.skyprods.fr.

Et puis le samedi 27 octobre 2007, le premier numéro des ApéroProjections se tiendra au 140 rue de Picpus à Paris. C’est un événement qui se propose d’avoir lieu tous les derniers samedis du mois. Ca tombien, moi je suis pris tous les premiers samedis du mois ! Lancement à partir de 18 heures avec entrée gratuite !!! Sont déjà programmés :

OPEL TIGRA : publicité Internet décalée

DROLES D’ANIMAUX : court métrage de Séverine Vincent et Julie Marboeuf

LE JOCKEY : court métrage de Jérôme Fansten

BREAK-UP : moyen métrage de Guillaume Cremonese et Stéphanie Sphyras

IMPROBIBEULE : long métrage de Christian Boisliveau.

Sidney Lumet, j’y arrive.

Je ne comprends pas très bien l’engouement soudain pour ce cinéaste que beaucoup de critiques officiels instaurent grâce à BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU’RE DEAD, et surtout à cause de son âge avancé (et là nous voyons bien que ces personnes prennent en compte des critères complètement surréalistes !). Parce que le talent de Sidney Lumet a quand même été mis en lumière un bon nombre de fois me semble-t-il. Nous pouvons citer THE HILL comme son chef-d’œuvre le plus abouti, et dans une moindre mesure les formidables 12 ANGRY MEN et THE FUGITIVE KIND. Sur ces films-là, oui, il y avait de quoi s’extasier. Alors quoi ? Ceux qui avaient raté le bus de 18 heures 32 à l’époque attendaient son dernier bon film pour le glorifier ? DEATHTRAP m’avait laissé une énorme impression, mais il y a de cela presque 20 ans et il faudrait que je le revoie. Par contre, je suis plus mitigé sur NETWORK, SERPICO, DOG DAY AFTERNOON et EQUUS, de bons films qui auraient mérité mieux. Certes, je n’ai pas tout vu dans sa longue filmographie, mais de là à le déifier tel un Kubrick ou un Fellini (que j’aime peu), faut avoir sérieusement oublié qu’il a quand même fait du foie de veau ! GLORIA est vraiment navrant. THE VERDICT fonctionne plutôt mal. GUILTY AS SIN constamment laborieux, malgré notre fascination pour Rebecca De Mornay (sublime dans RISKY BUSINESS voire géniale dans THE HAND THAT ROCKS THE CRADLE). FAMILY BUSINESS est aussi très pénible. A STRANGER AMONG US et MURDER ON THE ORIENT EXPRESS sont sans intérêt. Bref, voilà une trentaine d’années qu’il n’avait pas retrouvé un si bon niveau. Or, si BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU’RE DEAD est un bon film, il ne révèle jamais une hypothétique leçon de cinéma du maître Lumet. Premièrement parce que le scénario fait le film. Et les voyages forment la jeunesse. T’en as d’autres des clichés du même genre ? Je veux dire par là qu’une grande partie de la mise en scène s’y trouve. Jusqu’ici, pourquoi pas ? Après tout, j’ai toujours pensé que la mise en scène commençait dès l’écriture du scénario. Mais c’est en général le cas lorsque le réalisateur est aussi le scénariste. Ici, c’est Kelly Masterson qui a le stylo entre les mains et qui fait la mise en scène à la place de Sidney Lumet. Prenons le cas du principe narratif non chronologique. Voici une belle idée artistique, qui va de plus en plus être discréditée parce qu’elle commence à être trop employée. Mais cela n’en restera pas moins un procédé jouissif. Dans BEFORE THE DEVIL KNOWS YOU’RE DEAD son emploi n’est pas toujours fort à propos. D’un point de vue de l’histoire pure, nous n’y gagnons rien. Cela ne raconte que ce qu’elle aurait raconté dans sa forme plus académique. Mais du point de vue des personnages l’apport est considérable. En termes de présentation, d’enjeux, de progressions psychologiques et d’interactions. Là où l’accord du réalisateur avec sa scénariste me semble peu convaincant c’est dans sa transcription littérale ultra-scolaire. L’articulation temporelle reste très évidente. Elle peut l’être, ce n’est pas ce que nous lui reprochons, mais elle peut aussi s’affranchir d’un respect trop fidèle au scénario et devenir un élément constituant des personnages, puisque justement le récit éclaté ne s’attache qu’à eux dans ce film. Prenons un exemple concret. WHERE THE TRUTH LIES parvenait formidablement à effacer toute notion de temps de manière à mieux flouter les réflexions internes et égarer le spectateur dans un dédale qui se chargeait de le ramener à destination lorsque le réalisateur le souhaitait.

Mais l’impact de Sidney Lumet sur le scénario est bien moindre que ce que l’on voudrait nous faire croire.

Le film n’en est pas moins attachant. Et notamment par la direction d’acteurs d’une quintessence démoniaque. Philip Seymour Hoffman pourrait bien retrouver ici le chemin des oscars. Il oscille d’une manière si précise entre le pouvoir qu’il tire de sa force de persuasion, son désarroi familial intérieur (quel défi que cette scène en voiture avec Marisa Toméi !) et sa distance maladroite d’incapacité à se confier, que chaque scène enrichit toujours un peu plus son personnage, foisonnant de détails, de tics, d’indications comportementales. Travail d’orfèvre très maîtrisé. Nette impression de capacités infinies. La vraie surprise vient tout de même de Marisa Toméi. Ce n’est vraiment pas une actrice que j’aimais à voir. Pour une simple raison physique. J’ai un souvenir affreux de sa période du début des années 90 où elle était souvent mal castée (UNTAMED HEART, ONLY YOU ou encore MY COUSIN VINNY). Mais merci à Sidney Lumet de l’avoir choisie pour incarner Gina. Elle est le personnage de A jusqu’aux pieds. Un oiseau blessé dont on n’a qu’une envie c’est la recueillir et lui donner l’affection qu’elle recherche. Comparée à Philip Seymour Hoffman, son jeu est moins millimétré, plus brut de décoffrage. Cela est en partie dû aux rôles respectifs où l’un doit tenir les chevaux alors que l’autre doit les laisser filer tout en contrôlant leur allure pour éviter qu’ils ne s’emballent. Je dis « en partie » car cela n’est plus valable pour le personnage masculin lors de la scène en voiture, dont nous avons parlé plus haut. Marisa Toméi est vraiment brillante car ses scènes ne sont pas faciles et d’une ingratitude manifeste puisque c’est souvent Philip Seymour Hoffman qui ramasse. Bouge pas, y’en a encore un peu par terre ! Elle joue l’attente envers son mari avec une telle fêlure qu’elle en devient émouvante à chaque fois qu’elle apparaît à l’écran. Elle est un peu le contrepoint de son mari, lui qui reste sur ses acquis, refuse de reconnaître ses erreurs et met un point d’honneur à valider sa fierté. Même quand il s’habille avec goût, il est laid. Elle, elle reste belle jusque dans l’affliction.

Et puis, il y a la valeur morale que véhicule la fin du film.

Hasard et magie du cinéma, je voulais aussi vous parler de deux autres films qui charrient le même thème de la vengeance par la mort : CONTRE-ENQUETE et LE SERPENT. Avez-vous entendu ces critiques qui jugent un film en fonction de leurs propres affinités avec ce qu’il défend ? Ainsi, un film ne serait intéressant que parce qu’il va dans un sens personnel ou vers le concept d’établissement d’une société ? C’est très sectaire et carrément intolérant comme manière de procéder. Les critiques accusent souvent (un peu trop facilement d’ailleurs) certains films, voire certains cinéastes, de fascistes (et c’est vrai qu’il y en a), mais le fascisme des critiques est bien plus agressif que tout ce que l’on peut voir sur un écran de cinéma. Il existe encore un ostracisme très poussé concernant des œuvres taxées de mauvais goût, vulgaires ou politiquement inacceptables. Que l’on dénonce certaines manipulations faites dans des films cherchant à légitimer des actes, je le comprends parfaitement, mais lorsque le critique s’élève et dénigre un film sous le prétexte fallacieux qu’il n’est pas d’accord avec sa façon de voir le monde, là je crie à la faute professionnelle. Assez récemment, j’ai moi-même parlé du film EYE FOR AN EYE de John Schlesinger. Ceux qui s’en souviennent comprendront que j’étais fortement en désaccord avec les idées que véhiculait le film, mais jamais je ne me serais permis de l’associer à un quelconque critère artistique. Ce qui importe plus est la manière dont le réalisateur s’en sert pour nous raconter son histoire.Avec CONTRE-ENQUETE, nous avons le type même de ce qu’il faut faire artistiquement sans le cautionner idéologiquement. Le film tire sa force de toute la mécanique qu’il met en place pour ne nous être révélée qu’à la fin. Mais pourquoi la querelle sur la question morale n’a-t-elle pas eu lieu à propos de ce film ? En fait, comme Laurent Lucas joue une espèce de salaud (pas du tout caricatural, ce n’est pas pour rien que « La lumière vient du fond » l’a élu meilleur acteur français) et que tout le film repose sur une question de justice, Franck Mancuso ne fait qu’exploiter cette faille. Il ne cherche ni plus ni moins qu’à dresser le public contre un coupable qui est en train d’échapper aux griffes de la justice. Evidemment, lorsque le dénouement final la rétablira, Franck Mancuso aura travaillé à délivrer le spectateur d’un poids. Mais il n’empêche que l’on peut être complètement opposé au vigilante et trouver que le film est machiavéliquement jouissif. C’est notre cas, pour ce qui constitue l’un des meilleurs films français de cette année. C’est dire une nouvelle fois la piètre qualité de notre production car, si CONTRE-ENQUETE se déroule agréablement, il n’est pas grand-chose avant le retournement final pour nous secouer le golliwog. Finalement, Franck Mancuso ne s’en sort pas trop mal. Il évite les poncifs du genre et, même s’il n’arrive qu’à créer une petite ambiance, elle est tenue jusqu’au bout. Evidemment, elle ne repose que sur le coup de théâtre final et nous aurions aimé qu’elle joue plus en sinuosité ou que Laurent Lucas ne soit pas annoncé dès le début comme le véritable coupable, ce qui bousille tout l’effet de sa composition. A sa place je maudirais Franck Mancuso pour ne pas avoir modifié son scénario. D’ailleurs, s’il avait commencé à y toucher, il aurait fallu qu’il revoit 63,7% de ses dialogues, qui flirtent très souvent avec le grotesque, particulièrement celui de la fin. Et puis quelques mots sur Jean Dujardin dont j’attendais enfin un grand et beau rôle au cinéma. Je mets OSS 117 : LE CAIRE NID D’ESPIONS de côté puisqu’il était en terrain connu. Sa facilité d’exécution rendant sa composition un peu trop lisse. Je le préfère dans CONTRE-ENQUETE, prenant des risques, explorant des terrains propices à son univers. D’où son indéniable explosion dans 99 FRANCS de Jan Kounen. Si le film de Mancuso le révélait (il manque indubitablement de profondeur sur certaines scènes), 99 FRANCS le consacre. Et le voici tête d’affiche des deux meilleurs films français de l’année ! Dans le film de Jan Kounen, il est parfait. Drôle et suffisant. Ridicule et hâbleur. Potache et fascinant. Titi et Grosminet. Encore une fois, Jan Kounen porte à controverse après son chef-d’œuvre DOBERMANN, très décrié en son temps mais comme tout chef-d’œuvre c’est bel et bien le temps qui lui a donné raison. C’est toujours un plaisir de voir un film de Jan Kounen, d’abord pour son flamboyant talent visuel à nul autre pareil dans le cinéma français, et ensuite parce que c’est l’occasion de s’amuser follement en lisant le tissu d’imbécillités que les critiques essaient de colporter à son égard. Parfois, nous nous demandons s’ils ne préfèrent pas le bon cinéma français bien pèpère (comme UN SECRET de Claude Miller, sorti mercredi dernier) parce que c’est le seul qui correspond à des critiques préexistantes. Désarmés devant ce qui ne rentre pas dans les cases. Et pour ce qui est d’être hors normes, Jan Kounen est évidemment l’homme de la situation. Je n’ai pas lu le bouquin de Frédéric Beigbeder mais il me semble que Jan Kounen en a fait une adaptation très réussie, conservant l’essence des données binaires tout en les transférant du style littéraire à son propre univers visuel. Il a surtout essayé de construire son film comme une sorte d’A CLOCKWORK ORANGE actuel. C’est flagrant de l’escapade hardcore en voiture à la tentative de suicide du personnage principal, en passant par les différentes drogues et la fausse rédemption qui s’avère aussi perverse que l’oxymoron du titre burgessien. A la sauce Kounen, le film fonctionne sur un impact immédiat. Il lui manque un arrière-plan qui soutient le héros et le constitue. Comme en général chez Kounen, les personnages vivent au jour le jour, voire à l’heure l’heure. Un vin qui vous explose en bouche et qui vous laisse seul lorsque son effet premier a disparu. C’est pour cela qu’aussi formidable que soit la mise en scène de 99 FRANCS, le scénario ne supporte que sur un laps de temps très bref son aura primitive, aguicheuse et sommaire, presque grossière et naïve. 99 FRANCS est brillant dans l’instant alors que nous aurions aimé que tout ce talent nous donne un peu plus que du concentré. Et je ne renie pas toutes les belles choses que l’on y trouve. A commencer par cette idée de double fin. Car, lorsque vous croyez que le film va enfin vous dévoiler sa vraie fin, il repart comme s’il n’avait été interrompu que par une coupure de publicités, et dure bien plus qu’une simple fin. Ca, c’est formidable. Un réalisateur français qui se permet cela ne peut avoir que toute notre reconnaissance éternelle. Et il me reste un Balisto aussi, si tu le veux, Jan…

Et puis, bien évidemment, nous fut resservi tout le couplet sur la vulgarité du film.

Là aussi, c’est une question d’esthétique, mais jamais un film ne doit être laminé parce qu’il n’est pas conforme à nos propres soucis comportementaux ! Laisser croire qu’un film est mauvais parce qu’il est vulgaire !!! Non mais on croit rêver ! C’est comme si je vous disais je n’ai pas aimé LA FOLIE DES GRANDEURS parce que c’est drôle. Marre de ces critiques qui n’aiment pas les films qui ne sont pas conformes à leurs attentes. Et là, je dénonce : [prénom et nom retirés le 08 octobre 2011 sur demande de l'intéressée, mais cependant disponibles en M.P. pour ceux qui en feraient la demande] qui officie régulièrement sur Le Quotidien du Cinéma et qui rejette constamment certains films pour de tels motifs. Le cinéma est aussi affaire de morale et c’est pour cela qu’aucune idée n’est irrecevable. Il n’y a pas de mauvaise idée au cinéma. Pas plus que dans toute forme de culture. Sous prétexte qu’elle diffuse des valeurs, elle n’est pas là pour éduquer son public. C’est afficher tellement de mépris envers lui que de croire qu’il va se faire abuser par des théories fascistes ou par une ode à la peine de mort ! Il est plus à même qu’on ne le croit de discerner ce à quoi il a envie de se rattacher. En tout cas, c’est une grande liberté qu’il possède et qu’il serait scandaleux de lui retirer en ne lui montrant plus que des films qui lui dictent la bonne manière de penser. Pour corroborer mes dires, je peux prouver que la culture n’a jamais changé personne. Certains nazis n’étaient-ils pas des inconditionnels de Beethoven ? Et « L’ode à la joie » de Friedrich Von Schiller ne les a pourtant jamais remis dans le droit chemin ! Autre exemple, actuellement sur nos écrans de télévision, vous aurez sûrement remarqué un petit spot visant à attirer l’attention des parents, les enjoignant de faire respecter la signalétique apposée sur certains programmes. Ce n’est pas la première fois que nous parlons de ce substitut au carré blanc qui est un véritable poison pour nos films. Qui s’est arrogé le droit de les altérer de manière si laide ? Comme l’on fait un procès à une jeune femme pour avoir fait un baiser rouge sur une toile blanche, ces personnes mériteraient tout autant d’être traînées devant un tribunal pour vandalisme. D’autant plus que leur campagne de publicité les contraint à avouer que cette signalétique est un véritable échec depuis son instauration. Dont acte.

Toutes ces digressions nous ont fait perdre le fil de notre discours et les quelques mots que nous voulions placer concernant LE SERPENT d’Eric Barbier. Grosse déception eu égard aux quelques échos que j’en avais eus. C’est très lourd à se mettre en place, les personnages sont complètement stéréotypés et les deux figures d’Yvan Attal qui passe de l’amorphe franchouillard au rebelle survitaminé sont d’un cliché trop attendu. Ca se trimballe comme du bon gros thriller américain fabriqué en usine, et Clovis Cornillac nous sert son personnage à la louche. Ce film ne vaut vraiment pas la peine de dépenser son argent et tout ce qu’il nous inspire une fois son générique terminé, c’est qu’un serpent ce n’est pas si long si tu enlèves la queue !

            La ligne de coke ou la place de ciné ? Au vu des prix que pratiquent certaines enseignes labellisées cinémas, il semblerait que le gramme du divertissement se consomme plus facilement avec une paille qu’avec du pop-corn. Suite à la mise en service de leurs cartes illimitées (qui ne servent que l’uniformisation du paysage culturel), personne ne s’est interrogé sur la rentabilité des grandes surfaces U.G.C. et autres Gaumont. Comment diable pouvaient-elles rester compétitives lorsque moins d’argent rentrait dans leurs caisses ? Le cinéma illimité débarquait. « Illimité », voilà encore une belle arnaque puisque ces lieux ne peuvent pas vous offrir plus de séances qu’ils n’en proposent. Un film est en général programmé 4 à 5 fois par jour et basta. Le cinéma illimité n’existe donc pas en France. Jolie preuve de publicité mensongère. Elle se concrétisait de cette manière : pour une personne qui allait plusieurs fois par mois au cinéma, ils proposaient désormais une carte avec un tarif de moins de 20 euros qui permettait un accès illimité aux films à l’affiche. En deux séances, la carte était déjà quasiment rentabilisée. Mais là où cette personne dépensait largement plus de 20 euros par mois, comment faisaient ces grands groupes pour récupérer ce manque à gagner ? Ceux qui dépensaient moins paieraient pour eux, me rétorquerez-vous. Certes, vous répondrai-je. Mais cela ne comblerait qu’une infime partie de cette évaporation pécuniaire. Si vous déboursiez moins de 20 euros en cinéma, il fallait être sacrément myope des neurones pour payer quelque chose plus cher que ce dont vous auriez l’utilité. Ca vous plaît jusqu’ici la conjugaison qui change tout le temps ? Ces grandes figures ont donc eu cette idée lumineusement radioactive de se faire subventionner. En augmentant leurs prix, elles créent un effet tout à fait nouvellement concurrentiel entre les diverses offres de divertissement. Plus le prix des places de cinéma augmente et plus les spectateurs se laissent dériver vers les rives d’autres formes d’épanouissement. Et la consommation de cocaïne de repartir en force. Les trafiquants reversant une partie de leurs larges bénéfices à nos amis qui aiment tant le cinéma que leur politique tarifaire sert aimablement la tangibilité du vieil adage qui veut que pour avoir une chose de qualité il faut y mettre le prix. Si, si ! La preuve, j’ai un pote qui s’est tapé Paris Hilton pour 20 dollars ! C’est ainsi que certains cartels ont commencé à maintenir les cinémas parisiens sous respiration artificielle. Le milieu du cinéma a le nez dans la poudre, c’est bien connu. C’est donc tout normalement, en tant qu’étape suivante, qu’elle (la poudre) s’est octroyée les dernières parts du capital, contrôlant ceux qui le faisaient (le cinéma) et maintenant ceux qui le dirigent (euh… Le cinéma ?).

Pour maintenir cet état de fait qui arrange tout ce joli monde, les prix pratiqués ne sont pas près de baisser. A une lettre près c’était le drame ! Dans notre grande enquête annuelle, nous vous annoncions l’année dernière qu’une place de cinéma à Paris coûtait en moyenne 8 euros et 84 cents. Nous faisions cependant une césure entre les séances en journée et celles du matin. Ces dernières faisaient alors baisser le tarif à 5 euros et 54 cents. M’étonnerait pas qu’il ait encore gueulé contre ces prix prohibitifs ! Aujourd’hui nous avons ressorti notre belle calculette Galaxy 40x de Texas Instruments (la classe !), et grâce à notre système très élaboré (suivant un principe dont la simplicité dégoûterait même Stephen Hawking) nous avons procédé à une réévaluation de ces indices. De cet indice devrai-je dire, car nous avons mergé la moyenne de toutes les séances. Après tout, il n’y a aucune raison de faire en sorte que les séances du matin subissent un ostracisme qui n’a pas lieu d’être. Seule l’envie d’aller au cinéma et la possibilité d’accéder à une salle devaient être prises en compte, et cela ne joue aucunement sur l’horaire. Il en résulte donc que pour aller au cinéma à Paris, vous débourserez en moyenne 8 euros et 60 cents !!! Eh oui, il faut bien que les dealers gagnent leur vie eux aussi ! Cela reste évidemment extrêmement cher pour un seul film quand nous savons le nombre de nouveautés qui voient le jour chaque semaine. Du vol, voilà comment cela s’appelle. Alors, au milieu de tout cela, me voici avec mon doigt brandi (parfois c’est autre chose), me levant tout doucement de mon fauteuil en rottin et m’adressant ouvertement à ces quelques personnes à la figure (ou au nez, je ne sais plus) enfariné. Me voici avec ma grande proposition à laquelle, je le sais, nombre d’entre vous ne manqueront pas d’adhérer. Une proposition si évidente qu’elle va relancer la fréquentation de nos salles et pourrait même aller jusqu’à booster la créativité de toute cette activité. Puisque ces personnes semblent si bien s’entendre, je propose que, désormais, avec notre place de cinéma nous soit offerte une ligne de coke. C’est commerçant, il y a l’amour du geste, et tout le monde s’y retrouve.

C’est bon de savoir que mon cerveau sera étudié par la science quand je serai mort !

            Comment se divertir en région parisienne. Second volet. Le marchand de sable nous fait savoir qu’il distribuera dorénavant de la cocaïne. La nuit va être longue. Comme disait la jeune mariée. Alors que son mari rajoutait : « Et pas que la nuit ! »

Et si nous allions nous faire une toile ? Qu’y a-t-il en ce moment au cinéma ? Euh… Du pop-corn ? Puisqu’il est question de fric, allons voir un film qui en parle. SICKO de Michael Moore. Et quoi de mieux qu’un petit tour dans notre très cher (mais aussi très cher, puisque c’est ici que l’on trouve la séance de cinéma la plus onéreuse sur Paris : 11 euros !!!) Pathé Wépler.

Michael Moore, petit échotier cinématographique, nous refait le coup de la raison du plus fort. Rien de neuf depuis La Fontaine. Moore prend le parti des opprimés et dénonce les injustices. La Croix Rouge à lui tout seul. Gandhi qui serait tombé dedans quand il était petit. Qui peut encore douter du bien fondé de sa philanthropie, de son élan de solidarité ? Prêcher le juste, prêcher l’égalité des chances, prêcher le respect, prêcher la fraternité, prêcher la tolérance etc. Presque des lieux communs tant notre vie de tous les jours se trouve confrontée à ces principes. La cause de Michael Moore est louable car c’est un projet universel. Elle l’est moins si l’on songe que toute injustice fait s’émouvoir une personne normalement constituée. Car, si l’émotion est le premier des buts recherchés au cinéma, il convient d’en débusquer ceux qui l’utilisent avec facilité. Certaines images de SICKO en sont directement issues, comme celles où la caméra s’attarde un peu trop sur des pleurs. L’idée c’est de faire du cinéma intelligent, diversifié, complémentaire, surprenant, mais faire pleurer avec de telles images tout le monde peut le faire à partir du moment où l’on sait appuyer sur le bouton « enregistrement ». Et le talent dans tout cela ? C’est ce qui sert la mise en scène. Ce qui fait la particularité d’un cinéaste. Mais ne résumons pas SICKO à cela. Ce ne sont que des passages anecdotiques, qui trahissent bien un point de vue, mais qui n’en démontrent pas toute la sémantique.

SICKO est un film très simple.

Un peu trop, d’ailleurs. Comme si son réalisateur avait voulu que tout soit compréhensible par tout le monde, qu’aucune velléité formelle ne vienne brouiller son discours. Dans un premier temps parce que son humour s’amenuise. Je ne dirai pas que son humour fonctionnait quand il était nouveau. Ce serait faux. Une chose est drôle ou elle ne l’est pas. Si elle l’est, elle continuera à l’être des années après. Chaplin est encore drôle alors que personne ne glorifie ce qu’il fait avec sa caméra. Il fallait s’être fait quelque claquage du cerveau pour dire cela à son époque. L’humour évolue, bien entendu. C’est pour cela que la nouveauté joue sur le plaisir de la découverte de l’humour, mais pas sur son impact. Ce n’est qu’une donnée anecdotique. L’humour n’est fait que de ruptures. Et la rupture n’a pas d’âge.

Autant j’avais commencé à le ressentir sur FAHRENHEIT 9/11, autant SICKO regorge d’aussi peu d’humour, et cette fois-ci de moins bonne facture. Michael Moore met son propos de plus en plus en avant au détriment du sens artistique. Car rien ne vient rattraper cet affaiblissement. Manque d’humour, d’accord. Mais peut-être aurions-nous pu bénéficier d’une ambiguïté du montage, d’une éloquence narrative, d’une beauté des cadres… Que nenni. De ce point de vue, SICKO est un film mutique. Pour la beauté, cliquez ici.

Partant d’un cinéma aussi pauvre, Michael Moore le dépouille encore plus en lui apposant l’enseigne de cinéma documentaire. Et pas n’importe quel type de cinéma documentaire, celui que je déteste le plus entre tous : celui qui se réclame de la télévision. Cela devient rare de nos jours de tomber sur un film documentaire qui ait quelques exigences cinématographiques. La plupart sont mal cadrés et sans lumière. Ils ressemblent aux vidéos de vos vacances cet été au camping « Les Roquilles » de Palavas-les-flots. Je fais du documentaire, tu fais du documentaire, il fait du documentaire, nous faisons du documentaire etc. Et j’allais oublier la fameuse mini DV livrée dans le kit. On tourne sans discontinuer, finalement sans trop savoir quel est le sujet du documentaire. C’est l’exemple même du cinéma discount sur lequel j’aime cracher ! Le WOODSTOCK de Michael Wadleigh a tout de même une autre gueule ! Vous l’imaginez filmé en DV ?! N’en jedez blus, je grois que je bais bobir !!!

Il faudrait encore parler de la musique additionnelle pour corroborer tout ce que nous venons de mettre en évidence. Images de France ? Mais quelle bonne idée de les accompagner d’un petit air à l’accordéon !!! Michael Moore nous a au moins épargné le béret et la baguette (il y a le vin, je l’ai vu ! Il y a le vin !!!) ! Pour Londres, ce n’est pas l’hymne national, mais presque. Nous nous attendons à voir surgir la reine et ses sujets à chaque coin de rue. Mais le pire du pire c’est tout de même le recours à l’Adagio de Barber pour relever toute la tristesse des images. Ca, c’est du putassier, du vrai. En fait, je pense qu’il s’agit de second degré (sauf pour l’Adagio). Comme si nous plaisantions entre nous sur les fast-foods américains, sur les kilts des écossais, sur la mafia italienne, sur le SIDA africain ou encore sur les hémorroïdes de Florent Malouda. Hélas, dans SICKO, ce second degré tombe complètement à l’eau. Pour qu’il fonctionne il aurait fallu que l’intention soit un peu plus grossie, savamment décalée, pour que le clin d’œil s’opère. Au lieu de cela, le résultat final ne correspond qu’à ce qu’aurait fait un mauvais cinéaste qui serait tombé dans les clichés les plus éculés. A une lettre près c’était le drame !

Ce qui pose question, chez Michael Moore, ce sont les zones obscures, les ellipses qui cachent on ne sait quoi.

Michael Moore ne fait jamais l’apologie d’un quelconque parti, si ce n’est le sien. Quand les uns méritent qu’on leur tape dessus, il tape. S’il faut cogner sur les autres, il cognera aussi. Antisocial, tu perds ton sang froid ! Dans SICKO, la perversité du système de santé américain semble née et entretenue par la cupidité conservatrice. Et les démocrates ont le beau rôle puisqu’ils sont montrés comme les seuls à avoir essayé de contrer le système mis en place. C’est tout le passage qui concerne Hillary Clinton, qui avait tenté d’effacer les injustices. N’ayant pas réussi dans son combat, elle a fini par terminer seconde au classement des personnes les mieux payées pour se taire sur le sujet. Mais entre temps ? Un bon vieux raccourci des familles qui jette le flou sur ce que Moore souhaite prouver.

Dans sa construction, SICKO fonctionne selon le bon vieux principe narratif qui vous pousse du point A au point B pour finir au point C. L’inénarrable Thèse - Antithèse - Synthèse - Foutaise. Plus précisément, le film se veut comme une réflexion. C’est lorsqu’il s’aperçoit que quelque chose ne fonctionne pas dans le système de santé américain que Michael Moore demande à tous les patriotes si eux aussi ont connu plus que des déboires : de véritables injustices. Lorsqu’il se demande comment cela est possible, il remonte à la filière des assurances. Lorsqu’il se demande comment cela a bien pu commencer, il remonte jusqu’à Nixon. Si c’est politique, il doit en conclure que c’est pour le bien du peuple américain et que cela doit être pareil ailleurs. « Ailleurs », cela résonne en lui et le voici parti pour le Canada, puis l’Angleterre, la France… Le film se poursuit selon le même principe. Un premier élément amène le second puis le troisième etc. Nous pourrions dire que le film est structuré, mais plus que cela, il s’agit en fait d’un film qui s’apparente plus à une fiction qu’à un documentaire. Tout est très étudié chez Michael Moore. Il sait pertinemment où il veut en venir dès le moment où il choisit l’idée de départ. SICKO est un film au raisonnement inductif. D’ailleurs, Michael Moore réfléchit lui-même dans ce film. Il n’hésite jamais à dire ce que tout ce qu’il apprend signifie pour lui et la manière dont cela influe sur lui. Et il le fait de deux façons. Par sa voix off ; là, c’est très net, c’est écrit de A à Z. Et aussi en assénant des répliques comme des réparties naturelles. En fait, elles ne le sont pas ; tout est scénarisé. Il ne sait juste pas à quel moment il va devoir les placer. Ainsi, à chaque fois qu’il s’étonne du mode de fonctionnement dans un autre pays, rien ne sort spontanément. Il savait exactement ce qu’on lui dirait et qu’à ce moment-là il devrait s’étonner (ce qui a pour effet de faire surenchérir la personne en face de lui). C’est pour cela qu’il essaie de figurer au minimum dans le champ. Les rares fois où cela arrive, et si nous sommes assez attentifs, nous pouvons remarquer qu’il ne joue vraiment pas bien le naturel que requiert la situation. La voix off, elle, a pour effet de lier les différentes parties entre elles et donc de diriger son parti pris. Cela a aussi pour but d’intégrer de l’humour. C’est de la mise en scène, comme dans le gag de fin, mais aussi comme les différentes personnes qui trouvent ses questions incongrues lorsqu’il se présente dans un hôpital anglais. Via les rires de ces personnes, résumant ses entrevues, sa voix off nous dit que ces gens se riaient ouvertement de lui lorsqu’il s’étonnait qu’ils ressortissent de l’hôpital sans rien payer. Légère nuance de l’écriture, tout cela lui sert la soupe puisque ce n’est évidemment pas écrit. Là, c’est bonus, c’est cadeau. C’est du documentaire mais c’est exactement ce qu’il espérait recueillir comme réactions pour étayer son propos ! Exactement comme lorsqu’il découvre le cashier. Michael Moore sait auparavant qu’il trouvera un cashier dans cet hôpital. Hors, la séquence est filmée comme s’il le découvrait. Mise en scène plutôt sympathique, oui, mais écriture préalable !

A ce moment-là, SICKO n’a plus de documentaire que l’image numérique tremblotante trimballée vaille que vaille.

Comment tout cela se passe-t-il ? C’est très simple. Quelqu’un renseigne Michael Moore sur la manière dont cela se passe dans les hôpitaux anglais, et il n’a plus qu’à organiser sa structure narrative pour mettre en scène son film. « Discuter d’abord avec un médecin pour qu’il nous dise qu’en Angleterre cela ne se passe pas du tout comme on nous le dit aux Etats-Unis. Ensuite, filmer des personnes quittant l’hôpital et leur demander combien ils vont payer. Se rendre au cashier pour terminer sur une note humoristique. » Lorsque Michael Moore pose des questions au médecin il sait ce qu’il va lui répondre. Lorsqu’il demande aux hospitalisés à combien va se monter leur séjour, il sait exactement ce qu’ils vont lui répondre. Enfin, lorsqu’il s’adresse au cashier et lui demande à quoi il sert, il sait toujours ce qu’il va lui répondre. Il ne lui reste alors plus qu’à monter son film comme il l’entend. Cette manière de faire est totalement visible lors de l’épisode français. A Paris, il rencontre un groupe de jeunes américains vivant en France. Selon le même principe, il les interroge sur le système de santé du pays. Les jeunes ont l’air de lui révéler tout ce à quoi nous avons droit lorsque nous sommes malades, et même plus. Evidemment, lui, il sait très bien comment cela se passe puisqu’il est en train de faire un film dessus. Si tout se passait exactement comme aux Etats-Unis, très bien, le monde tourne partout de la même manière, on paie une fortune pour se faire soigner, tant pis pour les pauvres, z’avaient qu’à pas être pauvres, merci pour l’info, poignée de main, bise à la femme, caresse au chien (et pas l’inverse), on rentre chez soi, camomille, une claque sur les fesses et au lit. Fin du film. Ce serait trop beau ! Ce que l’on voit dans cette séquence c’est que le groupe d’américains lui apprend tout de même quelque chose : en France, une femme qui vient d’avoir un enfant à droit gratuitement à une aide à domicile. Et la personne qui vient l’aider peut même faire sa lessive si elle le lui demande. Michael Moore est estomaqué. Le plan d’après, il a pris rendez-vous avec une jeune femme, chez elle. Il y a aussi son bébé et la personne employée par l’Etat. Là, Michael Moore met en scène ce qu’il vient d’apprendre, de manière prétendument drôle. Une seule chose différencie cet acte des épisodes précédents : Michael Moore a gardé la scène où il apprend le fait. Cela nous interroge puisque, jusque-là, il s’était ingénié à ne surtout pas divulguer ce qui allait se passer dans les scènes à venir, en ne laissant au montage que ce qu’il semblait découvrir. Effaçant au passage tout le caractère prémédité de SICKO. Eh bien s’il a gardé cette scène, c’est qu’il y a une raison. Il est obligé de la mettre s’il veut garder toute la pertinence du gag qui clôt le film (pas si drôle que ça, soit dit en passant).

En essayant de dissimuler l’élaboration de SICKO, Michael Moore ne cherche qu’une chose : ne pas donner raison à ses détracteurs. Ceux-là même qui lui reprochent d’être anti-Bush, de faire des charges malhonnêtes, de diaboliser le président américain. Mais c’est pourtant ce que sont ses derniers films, des actes politiques anti-Bush, et qui plus est malhonnêtes (uniquement par moments, c’est de là que naît toute l’ambiguïté Moore) puisqu’il s’agit de films de propagande. Lui-même le revendique. C’est comme s’il l’assumait face à ses détracteurs, pour leur prouver qu’ils ne pourront pas le paralyser dans sa démarche, et puis qu’il ne l’assumait plus du tout artistiquement. Cela en dit long sur le public américain…

Le générique de fin débute et déjà l’employée du Pathé Wépler s’insère dans nos rangées pour vérifier si les spectateurs qui ont pris peur dès l’apparition des premiers noms sur l’écran (« Si je vais au cinoche, ce n’est quand même pas pour lire sur un écran ! ») n’ont pas généreusement renversé leur pop-corn ou oublié leur mère-grand.

Il n’y a pas que le système de santé américain qui déconne.

            Ca, c’était la salle 11. Avant cela, ils m’avaient mis dans la salle 3, la semaine dernière, pour BOARDING GATE. Aussi étrange que cela puisse paraître, je ne la connaissais pas. J’étais heureux à cette époque. Je buvais du Benco, je faisais mes courses chez Super U, je prenais mes vacances dans le Dodécanèse, je voulais donner des prénoms composés à tous mes enfants, je venais de finaliser mon inscription sur Copains d’avant, la vie était une fête, quoi. Maintenant, je suis un autre homme, ma vie est fichue. Je sais désormais que la salle 3 du Pathé Wépler est une honte pour toutes les projections qui eurent, ont et auront lieu à cet endroit. Cette bande de… Ces espèces de… Ces gros… Je capitule. Je ne trouve même plus d’adjectifs ou de mots assez grossiers pour qualifier les insupportables affronts que subissent les idiots qui continuent à fréquenter ce complexe. Si vous vous rendez un jour dans cette salle 3 (mais j’en doute vu que même Paris Guide déconseille la visite de ce lieu perverti), vous remarquerez que l’ouvrier polonais qui était responsable du chantier de ce cinéma, non content de subir tous les 15 jours une panne de secteur du lobe temporal, s’est aussi ingénié à rendre compte de la dyslexie des doigts qui avait auparavant frappé l’architecte, principal responsable du désastre dont je vais vous faire part. La porte d’entrée de cette salle est aussi la porte de sortie. Comme il fallait bien trouver un endroit où la caser, ils n’ont rien trouvé de mieux que de la mettre à droite de l’écran. Ce dernier étant logiquement (je m’en veux d’employer ce mot s’ils me lisent !) surélevé, le haut de la porte arrive au niveau du bas de l’écran. Comme l’architecte n’est pas la moitié d’un con, il a fort heureusement bien conçu l’ouverture de cette porte, évitant qu’elle tape en plein dans l’écran lorsque quelqu’un l’ouvre. C’est déjà ça. Mais qui devait s’occuper des normes de sécurité ? Manifestement, la liste s’est égarée dans la nature avec le bon sens inné qui garantit à tout un chacun le bon usage de son intellect. Comme toute commission de sécurité impose que chaque porte de sortie soit signalée, au-dessus de cette porte existe un petit boîtier éclairé qui indique « sortie » et dont la principale utilité est de vous signaler que, s’il y a le feu, ce serait stupide d’essayer de traverser un mur. Or, éclairé comme je viens de le préciser, il illumine tout le bas droit de l’écran lorsque la salle est plongée dans le noir, la lumière effaçant tout ce qui est projeté à cet endroit-là. - Ce n’est pas Stanley Kubrick qui faisait refaire les salles de cinéma lorsqu’elles n’étaient pas conformes à la projection optimale que requéraient ses films ? - Il est mort ma petite dame. Il est mort.

Pour en revenir au film d’Olivier Assayas, je trouve qu’il mérite mieux que l’élan de circonspection dans lequel la critique l’a fait mariner. Serait-ce donc à partir du moment où les choses se complexifient qu’ils arrêtent de faire leur boulot ? Ont-ils jamais commencé ? BOARDING GATE est un film où l’on n’entre pas facilement. Il recèle cependant de bien beaux trésors. A commencer par Asia Argento, que l’on peut adorer pour les mêmes raisons qu’on peut la détester. En ce qui me concerne, je la trouve absolument épatante. Peut-être pas forcément dans ce qu’elle essaie d’imposer. Sa personnalité instable, ses prises de risques, son insolence, son charisme sexuel et le caractère trouble de son aura physique en font une véritable artiste. Une artiste dans le sens où elle se trouve au centre de la création. Les formes qu’elle crée (le très beau THE HEART IS DECEITFUL ABOVE ALL THINGS traduit lamentablement chez nous par : LE LIVRE DE JEREMIE, ainsi que la composition vulgaire de la Comtesse du Barry dans MARIE-ANTOINETTE) sont aussi incarnées que celles qu’elle a inspirées. Muse des temps modernes. Les temps modernes, justement, voilà ce dont il est question dans les derniers films d’Assayas. Le réajustement par l’image. Voilà un cinéaste pas assez aimé, je trouve. Et c’est vrai, jusque-là, qu’à part FIN AOUT, DEBUT SEPTEMBRE, ses films ne me satisfont jamais pleinement. DEMONLOVER est pénible et LES DESTINEES SENTIMENTALES un ratage complet. A défaut d’aimer totalement ses films, j’aime son cinéma. Sa rigueur m’interpelle, son souci esthétique me surprend. Assayas est français et peut-être l’un des rares dans l’Hexagone à faire du vrai travail d’écriture cinématographique. Alors ses films sont rarement convaincants de bout en bout mais, au moins, le gars travaille, il propose, il donne à voir, quitte à finir dans le fossé.

BOARDING GATE ne va pas échapper à l’imperfection traditionnelle.

Sauver le film de l’incompréhension critique. D’abord par l’irrespect des règles balisées. Lorsqu’Assayas décide de changer la donne des genres, il déroute, forcément. Comment comprendre le film de thriller d’un point de vue contemporain ? Aux courses poursuites extravagantes et aux fusillades frénétiques, le cinéaste préfère un point de vue plus réaliste où l’action n’est qu’un recours ultime. Beaucoup de longues scènes, beaucoup de dialogues, pour recentrer le facteur humain. Il filme d’ailleurs avec une grande virtuosité les échanges entre Asia Argento et Michael Madsen. La caméra se veut très fluide, se rapproche des visages, accompagne les personnages (le montage est aussi fort intéressant lorsqu’il ne limite pas les champs/contrechamps à ce qui est dit). Sa manière de s’insérer autour d’eux délimite des cadres où le pesant est signifié. Les gros plans sont aussi fort nombreux, chose qui me dérange profondément chez la plupart des autres réalisateurs. Pas ici. Pour la bonne raison qu’ils ont une véritable raison d’être. Assayas ne fait pas de gros plans pour la stupide raison que, comme ça, nous sommes au plus près des émotions des personnages. Philosophie télévisuelle ! Dans BOARDING GATE ils ont une fonction d’affrontement et de déstabilisation. Ils soulignent le caractère non figé sous-jacent qui nous suit tout au long du film. C’est d’ailleurs magnifiquement écrit puisque les deux protagonistes ne sont pas dans une relation définitive dans ce qu’elle pourrait avoir de refoulée. Voilà encore une notion qui différencie Olivier Assayas de ses confrères français. Là où la relation s’arrête entre deux amants, le petit film français élude toute la relation à l’autre. Tout s’évapore. Ce n’est pas le cas ici. Les vies émotionnelles intérieures prennent le dessus et ont raison des personnages, c’est notamment ce qui les mènera au sexe pour le sexe où se mêleront divers rapports pas forcément très sains. C’est une des forces du cinéma de Bergman, dont ces scènes se rapprochent énormément. C’est filmé comme du Bergman. D’où les gros plans. Ils ont exactement la même utilité que ceux du génie suédois. Ils puisent leur pouvoir dans l’intensité de ce qui entre dans le cadre. Même procédé chez Carl Theodor Dreyer, qui semble avoir plus influencé Assayas pour BOARDING GATE que Bergman. C’est ce que nous retrouvons dans cette lumière diaphane, un peu irréelle mais absolument magnifique. Voilà de quoi est capable Yorick Le Saux lorsqu’il se donne la peine de travailler correctement (se référer aux AMITIES MALEFIQUES).

Cette caméra qui bouge c’est surtout le reflet que rien n’est figé dans BOARDING GATE, comme en témoignent les flux de marchandises du milieu des affaires ou les partenaires qui vous trahissent (développant un puissant climat de paranoïa), ou même l’inquiétant aspect sous lequel les femmes sont utilisées. Plus personne ne sait trop qui est qui, qui devient quoi. Caractère qui s’amplifiera dans la seconde partie lorsqu’Assayas use de sa caméra comme d’un vibromasseur (encore une chose qui m’horripile !)

BOARDING GATE est un film qui n’éclot que très tard (avec le danger de perdre quelques spectateurs en chemin). Film sur l’instabilité qui débouche logiquement sur l’errance des plus désespérés. Le chemin s’allonge et la nuit s’épaissit. Chouette, le marchand de sable va bientôt passer !

plaisir de cette période estivale les herbes hautes baguenauder cueillir des gypsophiles mutiler les bougainvilliers parce qu’ils portent un affreux nom amener le Petit Chaperon Rouge à une corrida accessoirement enfourcher sa bicyclette mot qui s’écrit et ne se parle plus pour aller au cinéma tout en profitant de la pluie et des rues parisiennes désertes pour un peu nous nous croyons dans THE WORLD, THE FLESH AND THE DEVIL Ranald MacDougall 1959 l’effrayant silence et puis la redécouverte du monde « this is the end » comme un éternel recommencement la déception estivale des films que l’on y case par défaut de ne savoir quand les sortir le reste de l’année cortège embrumé de productions anonymes rien de trépidant envie de vénérer le confort la climatisation l’acoustique détrempée des salles feutrées mais la lumière qui vient du fond m’échauffe la vue avec son nuage pyramidal qui me surplombe m’encercle m’étouffe m’étourdit et m’emplit toujours de sa magie j’active mon bouclier d’hyperénergie et me voici prêt à dégainer anachorète que je suis ne supportant ni la fumée dans les yeux ni la moiteur des échanges en milieu tempéré encore moins les personnes âgées qui vous poussent pour sortir alors que la rame de métro n’est toujours pas arrivée à quai les personnes âgées tout court d’ailleurs vieilles usées ridées fripées froissées décrépies gâteuses séniles déliquescentes mourantes pas d’hiver prochain et c’est tant mieux et cela fait du bien de rire et de souhaiter la mort et se venger pour toutes ses souffrances et quand on a déjà tué quelqu’un on n’a plus peur d’oser le dire tout haut dans cette grande piscine où nous nageons tous beaucoup de monde près du bord pouvoir se raccrocher au cas où mais moi le cliquetis de l’eau m’emporte au loin il existe un horizon dans cette piscine le croyez-vous arrivés sur les bords de THE WICKER MAN Robin Hardy 1973 de réputation plus intéressante que de visu beaucoup de bruit pour une histoire somme toute abracadabrante prestidigitation lyrique et somme toute malhonnête psychologie des situations et des personnages peu plausibles et deux fois « somme toute » à si peu d’intervalle je me dis qu’il existe forcément un sens caché les chocolats sont parfois trompeur avec leur enrobage mais ici c’est l’enrobage qui ne donne pas forcément envie de toucher au fruit défendu le cœur sera-t-il fondant le mien se liquéfie à chaque rayon de soleil image finale symbolisme appuyé le long du film dont les principales intentions sont plus que captivantes premier lieu d’entrée la volonté affichée de provoquer la Hammer sur son propre terrain pas seulement géographique la particularité tellurique l’hostilité masquée la lourdeur du non explicite le danger qui peut surgir à chaque instant craintivement épouvantable l’ambiance qui avance à pas millimétrés et puis qui ose changer du tout au tout atout majeur de THE WICKER MAN fabuleuseouverture du champ lexical que ce mélange des genres acidulé version policier comédie musicale érotisme fantastique ce que le film n’est pas malgré cette idée véhiculée par les ans nous applaudissons des deux oreilles l’amour du geste une communion comme un régal face à la prédisposition du spectateur que Robin Hardy prend d’abord plaisir à désamorcer pour ensuite insérer son propos théologique car THE WICKER MAN vaut essentiellement par l’opposition du christianisme et du paganisme l’un et l’autre les deux extrêmes qui se rejoignent blanc et noir le loup et l’agneau Quick et Flupke MacDo et Flunch sous couvert de dénoncer l’un par l’autre et puis finalement exposer l’autre à la lumière de ses mêmes limites beau discours l’assemblée était assise et écoutait consciencieusement les mains croisées et les oreilles décollées l’envol semblait n’être qu’une question de temps passer sa vie à réfléchir comprendre s’envoler et atterrir lorsque le trajet vous aura conduit au point de non retour c’est implacable comme des numéros accrochés dans le dos qui se battent la suprématie du terrain du pouvoir devenir ministre du culte sous les hourras de la foule qui réclame l’homme d’osier magnifique représentation de toute cette impuissance de l’Homme face à la croyance impuissance qui déifie l’icône par sa sublimation via le feu et pendant ce temps le film n’emporte pas totalement notre enthousiasme la vraisemblance en prend un coup et comme ils sont machiavéliques pour avoir tout planifié de cette manière heureusement que Neil LaBute est arrivé sans se presser sur son beau cheval persan pour clarifier tout cela bien mettre dans des cases expliquer les moindres détails et changer la photo un truc plus classe qui pète sa mère et puis de l’action surtout alors une première séquence absolument inutile simplement mathématique j’appuie sur la touche = et j’obtiens une équation qui force le spectateur à rentrer directement dans le vif du sujet le souffle court en attente de la suite créer l’envie oui mais c’est pourtant par son inappétence que brille THE WICKER MAN de Neil LaBute oubliée l’ambiance sinistre et drôlement décalée voire perverse voire vénéneuse tout en pâles dénivelés du coup le film ne raconte plus rien si ce n’est une banale enquête pour retrouver une petite fille et toute l’étrangeté de cette communauté n’est plus présentée comme un contrepoint au monde d’où vient Nicolas Cage mais comme une bizarrerie de la nature que l’on regarde d’un mauvais œil mais pas trop parce que l’on sait que l’on colporte la vérité et que tout grotesque n’identifie qu’illuminés et autres anormaux une sorte de quota comme ceux que la société oblige à instaurer pour se défausser de son manque de tolérance parce que nous savons bien et c’est ce que montre ce remake qu’elle se rit de ce qu’elle considère comme des déviants but inverse de celui recherché par l’original et Nicolas Cage n’y changera pas grand-chose se prendra les pieds dans le plat mangera finalement dans la gamelle du chien attaché à la niche de l’impossible transmission émotionnelle de ses rictus faisandés heureusement qu’il y a Molly Parker très belle actrice avec un physique out of the road et ça fait du bien de voir ça dans une grosse production hollywoodienne déjà très appréciée dans WONDERLAND ou KISSED actrice que l’on voit trop peu sous-employée elle aussi et pourtant le magnétisme sexuel qui se lit sur son visage convenait parfaitement à l’ambiance de ce film immonde gâchis dont aucune date de sortie n’est encore prévue chez nous et peut-être qu’avec un peu de chance cela sortira directement en DVD alors que ça n’aurait été que de moi ç’aurait été directement sorti avec les poubelles ces trublions démasqués qui espéraient faire uneaffaire avec le statut de film culte dont ils n’ont franchisé que le nom et là nous débusquons l’une des plus grosses arnaques contemporaines celle de ces producteurs qui n’ont aucun scrupule à profaner des œuvres d’art dans le seul but de faire de la caillasse sur le dos là où il y a un numéro vous suivez belle illustration d’une stratégie que les Etats-Unis ont goupillée depuis quasiment les débuts du cinématographe étrangement accélérée depuis la fin du siècle dernier « quand c’est usé je le jette je le jette et je rachète » comme disait le poète c’est l’idéologie culturelle récupérée en instabilité du vu lu et entendu et si vous écoutez bien mais surtout écoutez mieux vous comprendrez que les Etats-Unis réinventent l’Histoire en imposant leur version des faits du monde car pour eux l’Histoire n’est jamais fixe elle est mouvante si elle s’écrit au jour le jour elle se réécrit aussi aujourd’hui on grave l’Histoire de demain alors que celle d’hier est déjà en train de s’effacer pour devenir celle que les Etats-Unis ont toujours voulu qu’elle soit c’est bien simple quand cela ne leur convient plus ils jettent ils jettent et ils rachètent ils effacent ils effacent et ils réécrivent « incunable » est un mot qui tend à disparaître du vocabulaire américain s’il faut dire les choses telles qu’elles nous sommes en mesure de vous révéler le négationnisme dans lequel est en train de s’enfoncer la culture cinématographique U.S. l’Histoire n’existe plus telle que nous l’avons vécue mais comme on nous la dicte c’est ainsi qu’ils sont arrivés à s’approprier l’Histoire d’autres pays et à la réécrire selon leurs propres conceptions CRIMINAL THE RING THE DEPARTED TRUE LIES THE LAST KISS THE ITALIAN JOB VANILLA SKY THREE FUGITIVES WICKER PARK DIABOLIQUE SOLARIS THE LADYKILLERS ALFIE GET CARTER UNDER SUSPICION THE GRUDGE OSCAR SORCERER THE LONG NIGHT THE BIRDCAGE UNFAITHFUL PARADISE 3 MEN AND A BABY SOMMERSBY THE MIRROR HAS TWO FACES NINE MONTHS MY FATHER CE HEROS TWO MUCH pour ne citer qu’eux et là où le processus devient particulièrement sournois et pernicieux c’est qu’il s’attaque aussi à sa propre Histoire avec des films tels que GLORIA HAIRSPRAY ASSAULT ON PRECINCT 13 KING KONG THE HILLS HAVE EYES OCEAN’S ELEVEN THE STEPFORD WIVES THE END OF THE AFFAIR THE GETAWAY THE THOMAS CROWN AFFAIR THE MANCHURIAN CANDIDATE SABRINA THE TEXAS CHAINSAW MASSACRE FUN WITH DICK AND JANE THE JACKAL THE PINK PANTHER GONE IN 60 SECONDS THE BLOB BODY SNATCHERS CHARLIE AND THE CHOCOLATE FACTORY PLANET OF THE APES VILLAGE OF THE DAMNED PSYCHO le pire du pire pourtant étrangement très intéressant THE FOG ROLLERBALL alors que sont annoncés THE EVIL DEAD THE FLY FOOTLOOSE THE TOPKAPI AFFAIR BANGKOK DANGEROUS LABYRINTH pour 2008 et deux scandales qui feront certainement beaucoup parler d’eux les remakes de PHANTOM OF THE PARADISE 2010 et THE BIRDS 2009 avant que cela touche la France c’est pas à côté de la porte pouvait-on entendre puisque nous ne sommes pas issus d’une culture négationniste tu parles mon-cul-et-tarte-aux-pommes le phénomène s’exporte très facilement puisque les prochaines années françaises seront marquées soulignées Stabilo Bossées par les précurseurs LE SCHPOUNTZ UN CRIME AU PARADIS LE DEUXIEME SOUFFLE quand nous débarrasserons-nous de ces maudites chaînes pour mener le combat de nos libertés suicidaires d’ici-là je me serai exilé dans un bouge de Hanoï où de vieilles chanteuses oubliées essaieront de mettre du GHB dans mon verre pour abuser de moi et je me laisserai faire parce que moi je ne les aurai pas oubliées alors je renaîtrai en Dieu de l’Amour et j’aurai connaissance de tous vos secrets même les plus enfouis de toute façon j’ai toujours rêvé de faire dans l’humaniquaire et de savoir si c’est possible ça des Transformers transsexuels transgéniques transfusés transalpins transportables et transparents et si oui je promets de pas faire de recherches sur Google tu sais le site internet où ta mère est tellement moche qu’elle a zéro résultat gucci baby c’est ce que je préfère bonne pioche comme disait Marc Dutroux BIG FISH Tim Burton 2003 plutôt regardable plutôt réconciliant avec le Tim seconde vision plutôt similaire à la première et enfin le retour à l’esbroufe apaisée l’œuvre de l’artiste qui prend le pas sur la volonté de devenir un artiste les choses fonctionnent d’elles-mêmes ne jamais jouer les fiers à bras drôle de goût que cette résurrection annoncée par un film profondément chrétien et là je vais préférer l’enrobage parce que toute cette soupe « God bless America » m’énerve toujours profondément c’est patriotisme et consorts les mêmes insignes que l’on nous présente comme les gardiens des vérités universelles de la limite fascisante nous nous rapprochons et toujours de façon très inconsciente rappelez-vous D.W. Griffith et son THE BIRTH OF A NATION il y a presque un siècle ce n’était pas du fascisme mais c’était tout aussi inconscient d’autres y passeront plus tard c’est épistémique rajoute des mots comme ça si tu veux que ton article fasse sérieux et professionnel et toute cette farandole pour finir sur l’image du fils qui baptise son père la boucle est bouclée comme s’il fallait une logique à tout ce tintamarre la figure du père c’est évidemment le rapport du Christ face à celui qui l’a abandonné rapport de force inversé s’il en est complètement caduc si l’on peut prouver que Dieu n’existe pas et c’est con parce que j’avais la preuve sur un papier mais ce matin le temps de prendre ma douche et mon chien l’a bouffé tant pis je resterai quelqu’un d’ordinaire pour encore quelques temps de toute façon la relation à ses parents n’est pas très nette ça au moins j’en suis sûr tout comme la haine est une émotion très sous-estimée sûr aussi que Zabou Breitman fait du cinéma SE SOUVENIR DES BELLES CHOSES était très réussi et elle confirme son talent avec L’HOMME DE SA VIE plus méditatif et de belles idées comme le récit qui ne suit pas une trame linéaire mais revient à un moment précis du passé pour se nourrir de points de discussion c’est nouveau ça s’appelle le flashback inversé et cette caméra qui filme une scène selon des angles différents c’est bien amené et en plus c’est beau dans le cadre messieurs les français vous voyez que c’est possible une symbolique parfois un peu redondante beau moment toujours en simplicité apparente puisqu’elle cache invariablement de profonds malaises qui n’attendaient qu’un déclencheur intelligent dans l’approche qui évite les clichés non seulement des homosexuels contrairement au pitoyable POLTERGAY vu récemment et qui additionnait aussi les clichés envers les psys le cinéma et le monde en général et si vous en voulez toujours plus la goutte d’eau le vase la bassine et le tuyau d’arrosage vous avez besoin de CONFESSIONS OF A SOCIOPATHIC SOCIAL CLIMBER Dana Lustig 2003 honteux téléfilm pourtant sorti dans nos salles sous un titre trop crétinoïde pour que je le mentionne je vous laisse le privilège Google Earth tu sais le site internet où ta sœur est tellement grosse qu’on peut voir son cul en full screen je vous dirai seulement qu’il n’y a rien à espérer qualité téléfilm pas de cadres un seul éclairage pour toutes les scènes comédiens qui n’y vont pas avec le dos de la main morte scénario indigent personnages polycopiés par centaines pour avoir un tarif dégressif ne parlons pas du montage ou de toute autre velléité inexistante à procurer une quelconque satisfaction de divertissement je ne mets pas de points cette fois-ci mais CONFESSIONS OF A SOCIOPATHIC SOCIAL CLIMBER en mériterait un et dans la gueule vautrons-nous plutôt dans THE PASSION OF DARKLY NOON Philip Ridley 1995 dont le premier film THE REFLECTING SKIN 1990 nous avait déjà séduit par sa singularité Ridley s’applique et cela se voit à l’écran film très audacieux qui ne semble pas s’autoriser de limites les acteurs jouent le jeu prennent des risques Brendan Fraser enfin digne d’intérêt jamais vu faire autre chose que de l’overacting et des tics de physionomie pour combler son manque d’intériorité ici c’est pourtant avec beaucoup de conviction qu’il incarne Darkly Noon d’autant plus passionnant au vu du nombre de plans où il ne parle pas et fait passer tout ce que son personnage ressent par autre chose que des grimaces et des processus de lifting il en faut de la charge intérieure je vous le dis mais c’est toujours pareil dès qu’un vrai directeur d’acteurs pointe le bout de son nez il arriverait même à faire jouer Louis Garrel il n’y a pas de mauvais comédien et Ashley Judd il nous faut encore parler d’elle complètement bluffante dans BUG cette année elle tient un rôle là encore très riche avec des scènes particulièrement casse-gueule énorme présence parfaite rien à dire sinon qu’elle devrait parfois mieux choisir ses rôles les films de Joël Schumacher en avoir c’est se faire avoir et si Philip Ridley c’est quand même mieux cela peut au moins se vérifier par l’intensité des émotions qu’il exacerbe mise en scène toujours prégnante jusqu’au boutiste elle ne fera pas de cadeau et vous êtes prévenus même si parfois il faut montrer les personnes nues lorsque les scènes le nécessitent alors qu’est-ce qui te gêne là Ridley à part ça c’est beau c’est triste c’est fou c’est agressif c’est claustrophobique pas d’effet en trop beau sujet belle réussite qui fait regretter que Philip Ridley ne soit pas plus reconnu il en est de même pour un peu trop de cinéastes dont la place est squattée par Jean-Jacques Annaud Lars Von Trier Ridley Scott Ron Howard Xavier Beauvois et autres membres du Consortium des Laxatifs du Cinéma et pareillement qui ose encore parler de Scott Reynolds ou Nicolas Roeg ostracisme inacceptable qui ne peut convenir aux assoiffés de prises de risques que nous sommes et ô combien leur cinéma est osé voire incantatoire tu les entends les grands manteaux noirs qui s’avancent vers ta geôle pour la libérer de ses grilles froides comme l’indifférence des critiques qui veulent imposer leurs critères gustatifs comme universels au lieu de faire correctement leur travail c’est d’autant plus stupide que s’ils savaient ce qu’ils loupent ils ne le louperaient pas Mocky lui il en a loupé dans les derniers machins qu’il a réalisés j’ose même plus appeler ça des films tellement c’est informe filmé en ADSL version fibre optique pensez donc déjà 3 films rien que pour 2007 faut dire que la DV ça lui a ouvert des perspectives à notre Mocky national pas cinématographique pour faire pencher la balance GRABUGE ! ne pèse pas lourd et ferait même passer la pesée en négatif lumières signées Edmond Richard qui ne fait plus que celles de Mocky depuis des années alors qu’il a travaillé il y a bien longtemps pour Buñuel notamment CET OBSCUR OBJET DU DESIR mais aussi LE PROCES Orson Welles 1962 il semble lui aussi passé de mode reléguant son ancien talent aux projections du dimanche après-midi séance spéciale pour les petits-enfants « vous voyez là c’est papy quand il essayait de faire une lumière un peu sympa » liste à terminer Michel Serrault dans l’un de ses plus mauvais rôles cabotin voyageant en première classe même pas composté son billet le saligaud et dire que sa mort a occulté celle du génie Bergman facile à détecter il n’y en a que trois dans le cinéma mondial et m’est avis que Gérard Pirès pleure déjà deslarmes de sang comme cette empreinte ADN qui faisait la marque de fabrique Mocky et qui aujourd’hui ne ressemble plus qu’à du cinéma amateur pas bien ficelé moche même pas prétentieux ou ambitieux vieux ringard du cinéma plein de toiles d’araignées ça sent fort la naphtaline et comment arrive-t-il à convaincre encore autant de personnes à tourner avec lui outre la panoplie qu’il se trimballe regardez bien les génériques et vous verrez qu’il fait équipe avec une bande de joyeux lurons de l’art très dramatique et ce depuis de nombreuses années Michel Serrault parce que c’est un ami Villeret parce qu’il a réussi à le convaincre de produire LE FURET Renaud Dick Rivers Pierre Cosso Géraldine Danon Bruno Solo Bernard Ménez c’est le bal des has been OK mais Michael Lonsdale Robin Renucci Thierry Frémont Jean-François Stévenin Tom Novembre François Toumarkine Marianne Basler Charles Berling je suis mystifié des statues de cire voilà ce que j’ai l’impression de voir le musée Grévin articulé vous sentez bien que ce ne sont pas totalement eux et pourtant il y a bien un petit quelque chose dans la bouche ou dans le regard mais ces grands mannequins liftés j’ai toujours trouvé cela angoissant et tellement peu naturel le faux qui se voit les grosses ficelles le manque d’intérêt et on vous ferait payer une place pour voir n’importe quoi c’est cela que je ne lui pardonne pas à Mocky la place achetée au guichet et je croyais aller au cinéma alors qu’on me poussait dans un musée même des ratés à la limite c’est excusable j’accepte les erreurs mais pas les fautes là je verbalise pas une seule intention cinématographique ce qui entre dans le cadre fait sens et ça d’accord pour la télévision mais voilà à quoi nous réduit ce cinéma discount qui montre son nez de plus en plus projection intensive de films faits à la maison on applaudit avec un bon scénario et moi je pleure de toute façon tu viens me parler discrètement à l’oreille et replonger avec toi dans les profondeurs assourdissantes tourbillon des corps désamorcés qui ne répondent plus la ligne est coupée cordes vocales fatiguées des fois je me demande comment certains ont le courage de continuer parce que quand j’étais adolescent j’aimais certains films et quand je les revois je me demande comment j’ai pu ne jurer que par ces immondes produits un peu trop de sauce qui dégouline pas revu IRON EAGLE Sidney J. Furie 1986 réalisateur dont THE ENTITY 1981 fonctionne plutôt bien et THE IPCRESS FILE 1965 est un authentique chef-d’œuvre que je vous conseille de découvrir si ce n’est pas encore fait ce doit être à peu près tout ce qui se regarde mais il a tellement œuvré que je suis loin d’avoir tout vu en tout cas une chose est sûr c’est que son SUPERMAN IV : THE QUEST FOR PEACE 1987 est une aberration générationnelle il y a des cinéastes comme ça j’aime bien avoir de leurs nouvelles Renny Harlin je préfère que ce soit par e-mail des fois je tombe sur un truc pas connu alors je regarde je sais que ça va être mauvais mais que voulez-vous il faut bien entretenir les relations et sur ce coup-ci c’est DETENTION 2003 je vois Dolph Lundgren au casting et là je me dis que j’en prends pour 1 heure et 38 minutes de souffrance que n’ai-je donc tant vécu que pour cette infamie et pourquoi ce masochisme à répétition ma cinéphagie l’emporte sur ma cinéphilie ma psy n’aura qu’à se démerder avec ça illusion qu’un jour tout va changer mais je souris au vent et perd mon ombre chinoise la loi du plus fort étant toujours la meilleure puisqu’il ne faut jamais dire fontaine j’avais bien lu dans les cartes quelqu’un a jeté le valet de cœur il ne reste plus que les prédictions avérées avariées averti que j’étais d’un œil je regarde l’écran je bloque l’autre avec ma main j’essaie avec mes oreilles mes yeux se croisent je floute les visages je me rebaptise Photoshop CS ma tête se penche elle est maintenant à l’envers rien n’y fait Dolph Lundgren n’a jamais été qu’une brute et il n’y a que des cheveux là haut je pensais avoir flirté avec les spéléologues de la médiocrité lors de CONFESSIONS OF A SOCIOPATHIC SOCIAL CLIMBER mais là c’est carrément incompréhensible ils s’activent dans tous les sens ça bastonne pour un rien le scénario m’attaque les neurones il devient une bouillie où tout n’est que bruit dans un monde testostéroné dans CONFESSIONS OF A SOCIOPATHIC SOCIAL CLIMBER il y avait aussi du muscle et je préférais ceux de Jennifer Love Hewitt associés à ce nom je suis sûre que si tu rajoutes « nue » « naked » « rasée » « humide » et « bunker » les moteurs de recherche vont soudainement beaucoup t’aimer la vie est tellement riche d’enseignements festifs et régénérants il n’empêche Sidney J. Furie m’attriste aujourd’hui pourquoi tu parles dans le vide dis Furie demain ce sera fini et j’exploserai avec les feux d’artifices en d’incommensurables dérélictions dionysiaques et je serai content de me remémorer mes regrets aussi nombreux que mes rêves pareil pour tous le même tarif de groupe il est faux de croire à l’idée commune que nous ne colportons aucun regret et pire encore que cela ne sert à rien d’en avoir ce n’est qu’un concept préétabli guidé par la tyrannie de ne vivre que pour des instants de bonheur le mot qu’il m’avait manqué pour MA MERE Christophe Honoré 2004 à vomir c’est dire si j’appréhendais DANS PARIS 2006 avec Louis Garrel dans la distribution que n’ai-je donc tant vécu que pour cet infamie air connu et blablabla et blablabla comme quoi tout arrive figurez-vous que ce film contient du goût et des arômes et des morceaux de fruits comme en Bulgarie d’abord ça surprend ensuite nous sortons de là en se disant qu’à défaut d’être complètement séduisant DANS PARIS a l’énorme avantage de se démarquer de toutes les autres productions hexagonales si si même que Christophe Honoré essaie de faire du cinéma je le vois bien que personne ne me croit moi-même je suis en train de me demander si ce n’est pas quelqu’un d’autre qui serait entré en possession de mon corps et guiderait tous mes gestes m’obliger à écrire cela faut vraiment être le fils de personne il y a un peu de vrai en matière de sémantique Honoré crée son monde son petit univers qui n’a pas grand-chose à dire mais qui le dit très bien Romain Duris qui s’enfonce dans le plancher de sa chambre l’impossible accès de la proximité « Cambodia » en fond sonore ça c’est du joli Guy Marchand pourtant un bon comédien mais tout comme Victor Lanoux ou Michel Galabru ils auraient pu devenir les plus grands acteurs français mais ils se sont sabordés eux-mêmes avec Marie-France Pisier c’est du moins propre et Louis Garrel qui n’est employé que pour plagier Antoine Doinel voilà je l’ai dit ça ne vous aura pas échappé tout l’intérêt de Christophe Honoré à vouloir faire ce film réside dans son amour des décalcomanies nous y trouvons pêle-mêle Truffaut Rohmer Godard Demy déjà dans 17 FOIS CECILE CASSARD 2002 ou encore Eustache et après on crie à la modernité du cinéma français à la sortie de la projection cannoise ce qui confirme que la culture du cinéma est réservée à une élite et ensuite que l’intérêt suscité devient très relatif les bons réalisateurs s’inspirent les autres rendent hommage nous y sommes encore et toujours les chaînes et leur bruit clinquant et s’il y a de belles choses DANS PARIS marque le pas sur le terrain du renouveau conceptuel au bout du compte l’idée d’avoir retrouvé quelque peu l’atmosphère Nouvelle Vague pour ceux qui aiment sinon il y a de la Danette dans le frigo et du Melville dans le magnéto finalement j’en conclus que cela doit être chiant de toujours porter son véto c’est quand même plus simple de prendre rendez-vous faut que j’arrête de boire sinon je vais continuer

            Tout est un peu plus facile. Quand on tombe sur un bon scénario, les portes des producteurs s’ouvrent plus facilement. Le scénario est une clé. Tout le monde vous dira que c’est une clé magique parce qu’elle ouvre beaucoup de portes. C’est faux. Ce n’est qu’une clé qui fait démarrer une voiture. Après cela, il reste quand même un bon nombre de facteurs qui vont entrer en jeu (à commencer par Olivier Besancenot). Mais si, en plus, votre voiture a pour passagers des acteurs parmi les plus bankables du cinéma français, vous aurez sûrement droit à une escorte de police et toute une équipe de travaux publics qui construira la route plus vite que la voiture n’avancera. Tout est un peu plus facile quand vous avez déjà réalisé un premier film très remarqué et que vous êtes un comédien dont le nom est très en vogue dans les milieux très en vogue. Evidemment, quand vous sortez les kalaschs pour balancer de l’affichage publicitaire et que vous créez l’événement médiatique, le succès est toujours un peu plus facile. Mais il n’y a jamais de garantie. Parce que pour la faire avancer, cette voiture, il ne faut pas se croire plus fort que la musique : le conducteur est le seul garant de l’arrivée à destination. Finalement, vous vous retrouvez avec un peu plus de 3 millions de spectateurs qui se sont massés au bord de la route pour vous voir passer. Ca ne vous rappelle pas quelque chose, ça ? Vous savez, ces débiles qui pédalent (ou plutôt ces pédés qui déballent) toute leur vie devant les caméras du monde télévisuel (qui se met autant de produits illicites dans les narines que ces cyclistes s’en mettent dans les veines). Les autres sports sont donc comme les autres métiers. Et comme le monde est bien fait, on a décidé d’être toujours plus sévère avec ceux qui souffrent le plus. Dans le cyclimse, tu as le droit de te doper mais pas de te faire prendre. A la télévision, tu n’as pas le droit de te droguer. Tu en as l’obligation. Tu as aussi le droit de parler des dopés mais seulement si tu les appelles des sportifs. A La Poste, tu as aussi le droit de te doper, mais faut vraiment être con. C’est donc bien la preuve que tout le monde se dope. Et tout devient alors un peu plus facile. Dans le cas de NE LE DIS A PERSONNE nous sommes en flagrant délit d’un film complètement dopé par tous les pores (et tous les porcs). Un film qui se regarde agréablement, bien ficelé, qui ne nous lâche pas du début à la fin. Une bonne tenue de route, une reprise qui vous scotche à votre siège, climatisation et accessoires pour vous rendre la vie plus facile. Un poil plus facile. Plus facile de sortir satisfait de ce film que de GOYA’S GHOSTS, le petit dernier de Milos Forman. NE LE DIS A PERSONNE c’est l’assurance d’un film réalisé avec sérieux, c’est l’un des castings les plus alléchants du cinéma français, c’est l’idée d’un divertissement dans la tradition du thriller qui fait la part belle au pauvre innocent poursuivi, et enfin la garantie que le système fonctionne encore lorsqu’il réunit tous ces éléments. Les applaudissements avant le générique de début. NE LE DIS A PERSONNE est avant tout une belle promesse. Un peu trop belle. Vous qui croyiez rouler en Jaguar, vous vous apercevez subitement que vous avez été floué. C’est bien. Vous comprendrez bientôt parce que vous avez déjà commencé à réfléchir. Vous êtes sur le point d’assimiler que NE LE DIS A PERSONNE n’est rien d’autre qu’une Renault Chamade ! Et c’est ce que nous allons démontrer.

Moi, je l’aime bien, Guillaume Canet. En plus on peut faire plein de jeux de mots avec son nom ! Même que je me rappelle quand j’étais petit j’en avais un, de Guillaume Canet. Il brillait dans le noir et poussait des petits cris comme Surya Bonaly quand elle se viandait sur la glace. Le personnage m’est sympathique. L’acteur ne m’intéresse pas trop. Le réalisateur m’avait beaucoup étonné avec MON IDOLE, film qui apportait un souffle très intéressant dans le cinéma français. Même si ses effets de style étaient ouvertement plagiés, MON IDOLE n’en restait pas moins très maîtrisé, plein de petites pépites sur tous les niveaux. C’est un grand film français fait avec l’énergie de la conviction. En passant à NE LE DIS A PERSONNE, Guillaume Canet s’est frotté à la grosse machine consensuelle. Avec quelques belles choses à sauver. Christophe Offenstein est toujours à la photographie et il faut le souligner tant il imprime au film la seule empreinte individuelle. Une image classieuse, parfois très émouvante, toujours sur les bons coups, sans fausse note ni fausse facture, juste un étalonnage un peu moins affûté. Christophe Offenstein avait déjà signé celle de MON IDOLE. Nous retrouvons toujours ses mêmes goûts pour la mise en valeur des couleurs et la cohabitation sensorielle avec les émotions des personnages. Notons enfin qu’il avait aussi fait un formidable travail sur le très moyen EDY de Stéphan Guérin-Tillié. Une manière élégante de dire qu’en France, on peut très bien filmer en évitant de sombrer dans ce bleu-gris désastreux que tous les autres films véhiculent (tiens, je vais la garder cette rime, on ne sait jamais ça peut servir).

Avant le film, je suis assez dubitatif quant à savoir à quelle course je vais assister. D’un côté, Guillaume Canet et la forte impression qu’il m’a laissée après MON IDOLE. De l’autre, le roman d’Harlan Coben, vaste supercherie dépourvue de charisme, qui ne repose que sur une seule idée scénaristique, un Deus Ex Machina qui n’a pour but que de surprendre le spectateur. Il n’y parvient absolument pas puisqu’un tel procédé n’a jamais eu cette vocation. Il ne s’agit que d’un effet produit par l’auteur pour décorer son histoire. La grande différence entre se laisser prendre par des personnages ou une situation et se laisser prendre par un scénariste ! Une personne normalement constituée ne peut logiquement pas succomber à cette dernière manœuvre. Manipulation honteuse et sans vergogne.

Je commençai alors à m’inquiéter lorsque je découvris le casting, le fleuron, le gratin. William Saurin et ses invités. Et Luc Besson en producteur exécutif, il ne manquait plus que lui ! Que pouvait donc avoir à cacher Guillaume Canet ? Cela sentait très fort la Citroën Berlingo. J’allai vite être affranchi. La réponse dans le film.

Tout d’abord, rien à voir avec MON IDOLE. Point de recherche visuelle et de variation des styles (jusqu’à la vue subjective d’un steak qui allait se faire manger, dans MON IDOLE !!!). L’intrigue se met en place lentement. Les personnages se dévoilent petit à petit. Aucune surprise narrative. Et même scénaristique ! Il faudra attendre la fin du film pour essayer d’être surpris par tous ces procédés rocambolesques dont nous ne sommes pas sûrs qu’ils nous aient été tous dévoilés. La vérité pourrait finalement très bien être toute autre que celle qu’André Dussollier tente d’imposer comme telle. Après tout, après tous ces revirements et ces mensonges, pourquoi s’en tenir à cette version des faits ?

Tout va très lentement. Il faut dire que l’intrigue est tellement complexe qu’elle nécessite de présenter tous les personnages de manière concise et radicale. On ne s’attarde pas trop sur les personnalités de chacun, leur rôle dans l’histoire est suffisant. Du coup, les scènes sont assez courtes. Pas le temps de rentrer dans les détails. Même si la jeune mariée aurait bien voulu. Il faut alors compter sur un montage de boucherie pour donner un peu d’allure à l’ensemble. Comme l’échelle des plans est parfois satisfaisante, le film présente une illusion d’aération constante alors que rien ne progresse. Le montage rend le film regardable. Nous avons l’impression d’un rythme assez soutenu alors que nous ne sommes qu’assaillis d’informations. Et une Nissan Micra, une ! Le film s’étale parfois laborieusement comme dans cette scène d’exposition où un gendarme est censé rappeler les faits à François Cluzet, alors que son vrai rôle est de les annoncer au public. Comme cela est maladroit ! Qui plus est sans véritable grâce. Les champs/contrechamps sont d’une platitude virtuose, comme à chaque fois que nous les recroiserons dans nos phares. Seat Toledo.

NE LE DIS A PERSONNE se déroule pendant un peu plus d’une heure avant de nous offrir sa première vraie gâterie. Au cours d’une course poursuite, François Cluzet provoque un carambolage sur le périphérique. C’est un peu sec, flottant et légèrement brutal. Bel accident et belle esquive. Un peu inattendu, donc forcément réjouissant. Cela dit, c’est à peu près tout ce qui nous sera donné à voir jusqu’à la fin. Le film poursuit sa route tranquillement jusqu’à la résolution finale et au happy end programmé. Vous êtes sûr que ce n’est pas une Clio Shanghaï finalement ?

En fait, NE LE DIS A PERSONNE est un paradoxe. Il est satisfaisant et principalement horripilant par la même cause : le scénario. Là où Guillaume Canet et Philippe Lefebvre ont réussi leur pari c’est en escamotant la fin du roman, la bêtise d’une révélation trop malvenue. En corrigeant le trait, ils ne parviennent cependant pas à jouer au plus malin là où l’écheveau qu’ils mettent en place ne réussit pas à nous faire oublier le petit jeu qu’ils mènent. Je ne suis pas pour autant hermétique à la complexité du scénario, sauf si l’on y accorde trop d’importance, c’est-à-dire la plupart du temps en misant tout sur des effets d’annonce retardés et une révélation finale de première ampleur. Le scénariste qui vous prend par derrière, comme nous en parlions précédemment. Prenons le cas de THE USUAL SUSPECTS. Nous savons très bien que l’aveu final sera celui qui nous dévoilera la véritable identité de Keyser Söze. Il n’empêche que le film met en scène toute l’escalade de l’histoire qui permet d’arriver au sommet Söze. Dans NE LE DIS A PERSONNE, tout se joue à la fin. De ce fait, Guillaume Canet ne peut bâtir aucune mise en scène digne de ce nom. Et je le prouve.

Du début à la fin, NE LE DIS A PERSONNE ne fait que retranscrire tout ce qui a déjà été fait en matière de thriller. L’une des premières scènes, celle du lac, est un peu quelconque, et uniquement destinée à aiguiser la curiosité du spectateur. Il se poursuit par les interminables présentations des personnages, dont nous avons parlé plus haut. Huit années ont passé sans qu’il ne vieillisse d’une ride. François Cluzet nous est décrit comme un héros doté d’une intelligence supérieure, le seul qui sait exactement ce qui convient aux patients qui viennent le voir, le seul capable de gérer une situation d’urgence (c’est la première scène de Gilles Lellouche), le seul qui a toujours le mot qu’il faut, le seul qui soit honnête, le seul qui sait à quelle époque de l’année il faut planter les rosiers, le seul qui sait qui a tué le petit Grégory etc. Il est défini comme un personnage bien sous tous rapports, excellent dans sa vie professionnelle et émouvant dans sa vie privée puisque sa faiblesse vient du fait qu’il n’a pas réussi à oublier sa femme morte. De plus, leur amour est présenté comme une image toute faite de l’amour pur et éternel, puisqu’ils se sont connus enfants et que chacun a été le premier amour de l’autre. Un amour exclusif et entêtant. Naïveté. Nouvelle maladresse et Guillaume Canet qui roule désormais en Renault Juvaquatre ! Par opposition au personnage de François Cluzet, celui qu’interprète Guillaume Canet est une ordure finie, qui s’en prend aux jeunes filles et qui n’a aucune morale. Comme s’il fallait trouver une justification au geste de Marie-Josée Croze. Comme s’il fallait qu’il y ait une justice pour chaque acte commis. Et c’est là que le film devient très paradoxal et ne se focalise que sur ce qui l’arrange. Ce qu’a fait Marie-Josée Croze ne compte donc pas ? C’est un comble pour un film qui s’embourbe dans une morale de conte de fées ! A la fin, il ne nous épargne pas la sempiternelle scène d’explication où tout devient logique et où le spectateur se sent plus intelligent parce qu’il a tout suivi. A noter : une scène ratée. Celle où Guillaume Canet tente de frapper André Dussollier qui le menace d’un revolver. Evidemment, la scène n’est pas convaincante, trop attendue, trop téléphonée, trop Opel Kadett. C’est dommage, sans elle le film serait resté honnête. C’est là sa principale qualité. Car, s’il reprend (inconsciemment) tout le vocabulaire des films de même acabit, il a au moins la politesse de nous épargner les effets faciles, le vernis qui cache la rugosité, la tricherie du genre Michael Bay ou Gérard Krawczyk. Ouf ! Nous avons évité la Citröen BX, c’est déjà ça !

C’est cette impression de facilité qui gâche toujours un peu trop le film. Comme un moyen d’éviter de prendre des risques, d’aller plus loin que l’horizon. NE LE DIS A PERSONNE s’enferme dans des vues conventionnelles, des clichés, des images prêtes à êtres resservies. En témoigne tout ce qui se passe en banlieue. La façon dont Guillaume Canet nous dépeint l’endroit, le lieu où il amène son personnage, le danger qu’il crée comme le seul pouvant s’opposer à la police, tout cela requiert non pas une conception erronée de ce qu’est la banlieue mais une valeur de réalisation proche de la trivialité. Tout est un peu plus facile comme cela. Mais enfin, il n’est pas que la banlieue pour rompre un ordre ou générer du chaos !

Tout est beaucoup plus facile si vous croyez à la loi de l’offre et de la demande. Pour une somme donnée, le public est en attente de recevoir ce qu’il espère. Mais il existe une multitude de façons de lui prouver qu’il peut obtenir autant voire plus, sans recevoir ce à quoi il s’attend. Un peu d’astuce, d’espièglerie… Exemple. Dans NE LE DIS A PERSONNE, François Cluzet comprend à quoi correspondent les mots « concert » et « Olympia ». Il fallait répondre « U2 » et « 1995 ». En toute logique, Guillaume Canet n’a rien trouvé de mieux que de donner à entendre ce pour quoi le public avait payé, c’est-à-dire « With or without you » de la bande à Bono. Cet exemple est dans la droite lignée de tout ce dont nous parlons. C’est maladroit et singulièrement anticréatif. Il est question d’un chien mort ? Trouvons une chanson qui parle d’un chien mort. Les extra-terrestres débarquent ? Plaçons une chanson qui traite des petits hommes verts. Un homme et une femme s’embrassent ? Essayons de demander à Prince pour les droits de « Kiss ». Aussi laborieux qu’une Lada Samara.

Un tel casting ne peut s’expliquer que par l’attrait de l’expérience. Outre le fait que les investisseurs donnent leur accord un peu plus facilement, ce casting n’est réuni que pour masquer le peu de consistance des personnages. Comme la célérité du film empêche de s’arrêter sur la psychologie de chacun, tous les personnages sont des archétypes. Aucune exception. Il convient alors de s’entourer d’acteurs ayant du métier pour éviter de faire face aux manquements du scénario. Pour un comédien, la construction d’un personnage se fait d’après ce qui en est dit dans le script. Lorsqu’il n’existe rien, cela se fait en accord avec son imagination et ce qu’en pense le réalisateur (remarquez comme Bertrand Blier ne donne aucun renseignement (si ce n’est qu’il est chômeur) sur Alphonse Tram, dans le scénario de BUFFET FROID, puis comparez avec ce qu’en a fait Gérard Depardieu). D’où la nécessité, dans un tournage d’une telle lourdeur, d’avoir recours à des comédiens de métier qui vont aller à l’essentiel. Cela se vérifie dans la direction d’acteurs. Aucun ne m’a paru faux, ils sont très bien canalisés. A part Jalil Lespert, que j’aime beaucoup, mais je n’ai absolument pas cru à la racaille qu’il essayait de composer. Il m’a manqué une défiance, une haine dans le regard, capable de venir effacer toute la douceur de son visage. Le problème c’est que tous n’ont rien à défendre. Même François Cluzet, qui fait sûrement partie des trois plus grands comédiens français, est très effacé, très loin de ce qu’il sait faire de mieux (LES APPRENTIS, L’ENFER…). Marie-Josée Croze, que nous révérons beaucoup par ici, se contente de promener sa belle présence de femme idéale et amoureuse. André Dussollier se sort très bien de ce rôle piège, sans toutefois éviter le côté caricatural qui faisait partie intégrante de l’écriture. Marina Hands n’est jamais plus intéressante que lorsqu’elle opte pour un jeu en intériorité, comme ce fut le cas dans le pitoyable LADY CHATTERLEY. Dans ce film de Pascale Ferran, qui ne fait la part belle qu’aux comédiens et ne s’embarrasse de rien d’autre, vous aurez remarqué un détail qui fait tout le talent de cette actrice. Lors de sa première rencontre avec Jean-Louis Coullo’ch, elle ne parvient pas à prononcer correctement sa première phrase. Son hésitation tient d’une articulation en accord parfait avec son personnage. Elle nous convie par ce biais à toute la déstabilisation que cette première rencontre a eu sur elle. Elle pose la pierre d’un édifice que chaque rencontre va édifier. Elle pose aussi les jalons d’une relation basée sur la difficulté à laisser en dehors toutes les considérations qui viennent flouer l’attirance mutuelle. Une relation qui avance un peu de manière désordonnée, cahotique, mais très instinctive. C’est par ce genre de petit détail que nous remarquons le talent des acteurs à déceler la psychologie d’un personnage et à rajouter à ce qui n’est pas écrit. Dans NE LE DIS A PERSONNE, Marina Hands projette un peu trop et ne parvient pas toujours à nous toucher. Pas plus que Nathalie Baye qui est restée coincée sur la touche over-play. Nous lui préférerons Kristin Scott Thomas, bien plus variée. Gilles Lellouche est une nouvelle fois impeccable et prouve qu’il n’attend plus que des premiers rôles pour exploser (précisons qu’il ne faut absolument pas lui tenir rigueur du déferlement de violence qui le prend soudainement. C’est encore un coup du scénario qui amène des coups de feu comme autant de cheveux en plein dans la soupe. Par contre, j’aime beaucoup le calme avec lequel la jeune femme qu’il abat, ouvre la portière du camion et part dans la rue.) François Berléand est sûrement le plus surprenant de tous. Il campe un personnage très composé, avec plus de profondeur que le film ne nous montre. Il sait tout à la fois se faire diplomate et plus intrigant que son apparence physique ne le laisserait présumer. C’est ce décalage entre ce physique très étudié et le décalage intellectuel du personnage qui crée tout le relief que le script ne mentionnait pas. Enfin du vrai travail d’acteur ! Mentionnons enfin Florence Thomassin, là aussi l’une des plus grandes actrices françaises, une nouvelle fois sous-employée. Toutes ses apparitions sont des mouvements graciles et ensorcelants. Sûr qu’elle roule en Aston Martin.

NE LE DIS A PERSONNE est un film complètement formaté et sans aucune marque de fabrique. Parce qu’il est sans grande imagination, il ne fait que suivre la veine des gros divertissements destinés au dimanche soir sur TF1. Comme l’ensemble est fait d’une manière intuitive à défaut d’être créative (ça pue le Final Cut Pro à plein nez), c’est tout à fait supportable et même d’assez bonne facture compte tenu de ce qu’il se fait actuellement. Mais où est le vrai talent dans tout cela ? Le montage rattrape toutes les notions manquantes de mouvement, les compositions de plan ont quasiment toutes la même valeur (avec souvent des comédiens cadrés plein axe !), la mise en scène devient de la mise en espace et le rythme du film ne tient une fois de plus qu’au montage. Il ne reste dès lors pas grand-chose, si ce n’est que NE LE DIS A PERSONNE se révèle être uniquement un film de scénario. Renault Fuego. RENAULT FUEGO !!! Enfin, moi je dis ça, je m’en fous, j’ai d’autres soucis, je roule à vélo.