Nous avons tous nos petites accointances fascistes. Moi-même, malgré la munificence que j’arbore face à la condition d’hilote de mes semblables, je n’échappe pas à cette règle. Le soir, après une dure journée à me demander ce que je vais faire de mes ASSEDIC, lorsqu’une certaine jeune fille blonde, que je ne nommerai pas, entreprend de me faire comprendre de manière physique qu’elle n’est pas insensible à mes charmes, je sens bien que mes poils se hérissent sur mes bras et qu’une autre partie de mon corps fait le salut nazi. Jusqu’ici, j’étais comme vous, je n’y prêtais que peu d’attention. Et puis, ce matin, il a fallu que je me rende à l’évidence : je suis la réincarnation d’Hitler. Je m’en suis aperçu complètement par hasard. Dans ma salle de bains. Ma fille débarque en hurlant. Bon, faut la comprendre : j’étais tout nu. Elle débarque en hurlant, donc, et se met à dégoiser que son frère vient de dire un gros mot. Evidemment, je l’ai engueulée. On frappe avant d’entrer dans une salle de bains !!! Moi, je ne suis entré nulle part, mais je l’ai frappée quand même ! Je calme les esprits et lui demande de m’expliquer consciencieusement avec des mots de plus de trois syllabes ce qu’il s’était passé. C’est là que je comprends effectivement que son frère venait de dire un mot qu’il ne devait pas dire. J’ai donc remercié ma fille de m’avoir averti et lui ai donné 20 euros. A ce moment-là, je me retourne vers le miroir et je ne pouvais plus me regarder. Impossible de soutenir mon regard. Je termine mes ablutions et vais trouver mon fils pour tirer toute cette histoire au clair :

- C’est vrai que tu as traité ta sœur de « fille de pute » ?

- Oui, mais c’est parce qu’elle m’avait embêté.

- Bon. Ecoute, Adolf. (Je réalise moi aussi à ce moment-là.) On ne peut pas dire que c’est un gros mot. Connaissant ta mère, « pute » ce n’est pas vraiment un gros mot. C’est plutôt… C’est plutôt un grade ! Ta mère est « pute ». Elle est niveau 1. Mais elle a bossé pour arriver là ! Avant elle était niveau 0 : elle était « pétasse ». Le problème de ta mère, c’est son manque d’ambition. Elle ne passera jamais niveau 2 !

C’est confirmé, je suis une ordure. Je me débecte. J’ai fait une dernière tentative mais c’est fini, je ne peux plus me regarder dans un miroir. D’ailleurs, je les ai tous brisés chez moi. Cette aventure aura au moins eu le mérite de me faire comprendre que cela ne sert à rien, les miroirs. Imaginez que vous avez du noir sur la figure, c’est à la tête que feront vos interlocuteurs que vous vous en apercevrez. Alors certains m’objecteront que pour se nettoyer, un miroir c’est quand même bien plus pratique. Faux. Irrémédiablement faux. Ce n’est pas bien plus pratique avec un miroir, mais avec un gant. Bon, j’exagère un peu. C’est vrai que les miroirs peuvent avoir une utilité : savoir si l’on est un vampire ou non. Eh oui ! Sinon, impossible de savoir si l’on a été mordu. Personne ne peut regarder son propre cou. Il n’y a que dans un miroir que l’on peut apercevoir cette morsure. Remarquez, dans ce cas-là, c’est déjà trop tard puisque les vampires ne se voient pas ! On entend souvent dire qu’il est impossible de se lécher le coude. Eh bien, il existe encore pire : personne ne peut regarder sa morsure de vampire dans un miroir !

Je ne vous le cacherai pas : être Hitler, cela fout un coup au moral. C’est des trucs auxquels on ne s’attend pas. Cela vous tombe dessus d’un coup. Hier : pas Hitler, aujourd’hui : Hitler.

En même temps, ce n’est pas très étonnant. Certains disaient qu’il allait revenir un jour. Oui, oui. Ils disaient qu’il reviendrait. Paraît que cela n’a pas très bien marché en 39-45. Il a fait un four.

            Il est possible d’écouter discourir ces quelques personnes certaines de la résurrection du führer, dans un film actuellement disponible en salles. Il répond au doux nom de DIE WELLE et est réalisé par Dennis Gansel.

Voici une histoire qui est l’adaptation d’un livre écrit par Todd Strasser en 1981. Les évènements seraient tirés de faits réels survenus en 1969 dans un collège de Californie (notez que j’emploie le conditionnel car il n’a pas encore été démontré que tout cela a bel et bien eu lieu). Une première adaptation cinématographique a été réalisée en 1981 par Alexander Grasshoff. Il s’agissait d’un court métrage destiné à la télévision américaine. A priori, donc, toute référence allemande semblait extérieure au projet. Pourquoi donc un réalisateur allemand s’empare-t-il de cette histoire ? Parce qu’ils sont partout ! En 1945, on nous avait dit que c’était fini, que grâce aux alliés, les allemands avaient été repoussés à nos frontières, mais que nenni. Il n’en est rien du tout. Ils sont encore là et ils ne se cachent même pas ! La preuve : tout à l’heure j’en ai croisé deux beaux spécimens du côté de Montmartre, qui semblaient se comprendre dans leur dialecte anguleux.

Moi, je vous le dis : les allemands sont toujours là !

C’est d’ailleurs ce point précis que DIE WELLE tient à soulever. Mais revenons-en au livre original, puisque c’est à l’intérieur de celui-ci qu’un premier élément de réponse nous est donné quant à la survenance allemande. Todd Strasser nous y raconte l’histoire d’un professeur (Ben Ross) qui se trouve bien embêté lorsqu’un de ses élèves lui demande de répondre à la question : « En nage synchronisée, si une nageuse se noie, est-ce que les autres se noient aussi ? » Ami internaute, permets-moi de m’excuser au nom de ce logiciel de marque allemande. Non pas que je ne le maîtrise pas très bien, mais il est tout simplement impossible à maîtriser. Tu auras remarqué qu’une erreur s’est glissée dans la phrase précédente et qu’il fallait lire que l’élève demandait pourquoi les allemands n’ont rien fait pour :

- arrêter les nazis avant qu’ils ne s’emparent du pouvoir

- empêcher l’eugénisme allemand

- éviter la Shoah

- et inventer les premiers fours micro-ondes géants (Ah, nos amis les juifs ! Comme disait Himmler : « Trois petits fours et puis s’en vont. »)

Le professeur ne trouve pas d’éléments de réponse. Cette interpellation réveille en lui un processus d’interrogation qui va l’amener à se pencher sur cette période de l’Histoire et à proposer à sa classe une petite expérience visant à démontrer que le schéma de l’autoritarisme peut se développer n’importe où. Tout cela est extrêmement important car c’est ce qui va nous aider à comprendre les erreurs dans lesquelles tombe le scénario du film.

Tout d’abord, dans le film de Dennis Gansel, le professeur ne s’appelle plus Ben Ross mais Rainer Wenger. Si cela n’est pas une vile manœuvre des allemands pour promouvoir leur culture teutone ! Plus c’est bas plus on atteint des sommets ! Ce professeur est joué par Jürgen Vogel (un peu pataud, ici). Rappelez-vous, c’était le Théo du traumatisant DER FREIE WILLE de Matthias Glasner, film formidable où se trouvait cachée une véritable pépite suisse : Sabine Timoteo. Avis aux réalisateurs : la belle parle français, allemand, anglais, espagnol et italien !

Dans DIE WELLE, la petite différence est que Jürgen Vogel devait tenir un cours sur l’anarchie, mouvement avec lequel il est assez en phase (il porte un T-shirt des Ramones et paraît être un professeur pas complètement asservi au cadre inflexible de l’Education Nationale-Socialiste Allemande). Malheureusement, il va finalement se voir attribuer le cours sur l’autocratie. Et cette différence est de taille. Parce que DIE WELLE assène de manière très restrictive toute la démonstration de la thèse sur l’autocratie. Le livre était l’occasion de s’interroger sur le vide, le manque de connaissance qui permet à une idée d’être véhiculée par l’inconscient collectif (à savoir, le fameux « plus jamais ça »). Si l’on ne veut pas qu’un tel schéma se reproduise, il faut en connaître les facteurs qui vont le déclencher. Rainer Wenger se rapprocherait-il en cela d’Olivier Besancenot ? Toujours est-il que le questionnement du livre est autant valable pour les élèves que pour le professeur, chacun cherchant à expérimenter le phénomène comme s’il voulait en démonter ou en éprouver les mécanismes. Dans DIE WELLE, ce n’est pas tout à fait la même chose. Dès le départ, le professeur sait que l’Histoire est un éternel recommencement. Il sait qu’aujourd’hui une autocratie est encore possible. (Pour ceux qui prendraient tout au premier degré, précisons que la valeur du mot « aujourd’hui » est fluctuante dans le temps et dans l’espace. De plus, je n’ai jamais frappé ma fille. D’ailleurs je n’ai pas d’enfants.) Du coup, le film s’oriente vers une ahurissante logorrhée didactique. Si j’emploie cet adjectif c’est parce qu’il me semble que, dans le livre, les conséquences pouvaient se justifier par la démarche du professeur, alors que, dans le film, l’inconscience du professeur tient plus de la pathologie que de la pédagogie. Ce qui aurait pu être intéressant scénaristiquement, mais elle n’est exploitée à aucun moment. Dès lors, les invraisemblables se succèdent. Si nous avons bien du mal à comprendre pourquoi Jürgen Vogel ne met pas immédiatement un terme au processus dès que les choses s’enveniment et qu’il constate que ses élèves commencent à péter les plombs en dehors de la classe, tout ne peut pas être mis sur le compte de l’expérience. Apparemment, il ne juge pas tout ceci très grave. Juste pour voir, comme ça, tu peux me rappeler ton échelle de la gravité ? Jürgen Vogel semble se placer en dehors des réalités, la directrice de l’établissement semble incompétente et les associations de parents d’élèves s'évanouissent. En fait, si l’idée de replacer toute cette histoire de nos jours est justifiée, rappelons que si elle a pu se dérouler de la sorte en 1969 c’est bien parce que de nombreuses déficiences ont permis sa réalisation. Tout peut encore avoir lieu de nos jours, il vous suffit de lire la rubrique des faits divers dans votre quotidien pour vous apercevoir que certaines histoires sont plus invraisemblables que tous les scénarii. Seulement si quelqu’un n’en mettait ne serait-ce qu’un dixième dans un film, tout le monde crierait à l’invraisemblance scénaristique. Il n’empêche que DIE WELLE fait l’impasse sur tout ce qui pourrait s’opposer de nos jours à une telle expérience. Et c’est bien dommage.

Et puis, il y a un vrai problème du point de vue de la collaboration des élèves. Problème qui provient lui aussi des libertés prises avec le livre. Il est très étonnant de voir qu’à une ou deux exceptions près, toute la classe se plie aux règles imposées par Jürgen Vogel. Ce dernier fonde son argumentation sur le principe qu’une autocratie s’appuie sur un certain nombre d’éléments qu’elle utilise pour justifier son avènement. Par exemple, c’est en manipulant une partie de l’opinion publique, qu’elle s’attire ses faveurs, l’abreuvant de thèses haineuses et mensongères. Glorification de la personne (et par-là même, du groupe) qui vient se fondre dans la masse (le costume, tel qu’il est clairement édicté dans le film). Cette manipulation est évidemment un jeu complexe et très habile qui ne doit jamais être démontré.

Il n’est possible de manipuler une personne qu’à condition qu’elle ne s’en aperçoive pas.

Or, c’est exactement le contraire qu’il se passe dans DIE WELLE. Jürgen Vogler dit à ses élèves dubitatifs qu’il va leur prouver qu’une autocratie peut encore avoir lieu et précisément dans cette classe. Il leur dit qu’il va les manipuler et quasiment tous se laissent faire. Voilà sûrement le plus gros problème du film. Le spectateur est alors pris en otage puisqu’il se trouve en position de faiblesse, soumis au pouvoir concentrationnaire du scénariste. Et celui-ci peut légitimer toutes ses actions derrière l’alibi malhonnête de l’histoire vécue. C’est-à-dire qu’il peut choisir de nous dire que cela est plausible car cela s’est effectivement passé de la sorte. Il peut décider que c’est ainsi parce que c’est comme cela que réagiraient aujourd’hui de tels étudiants. Mais c’est démagogique. Il n’apporte pas de contre-élément qui permette d’affirmer sa théorie. Il ne démontre rien. Le scénario n’est régi que par une seule idée directrice. Il est univoque. Parce que tout cela convient très bien à l’histoire, le scénario décide unilatéralement. Jamais il ne prouve que cela est possible. Il l’impose.

Dans cet ordre d’idée, les partisans de « la Vague » s’opposent aux anarchistes du cours que Jürgen Vogel aurait dû animer. Forcément, comme le film ne s’encombre pas d’ambiguïtés, il fait l’une des choses les plus abjectes du cinéma contemporain (que nous voyons très souvent, mais je pense dernièrement au GRAN TORINO du surestimé Clint Eastwood), à savoir la diabolisation de l’ennemi. Ainsi, ce sont les anarchistes qui font figure de jeunes qui ne respectent rien et viennent tyranniser les adolescents en costume blanc. Ceux-ci, bien évidemment, leur font comprendre d’une manière bien plus élégante qu’ils en ont marre de leur méchanceté gratuite. « Je peux vous la facturer » nous attendions-nous à ce qu’un des anarchistes réplique.

Les méchants sont décidément très très méchants !

De fait, DIE WELLE n’est qu’un petit film constamment à la recherche de son cinéma. Il reste coincé au stade névralgique de dissertation ludique. Il se contente de répondre à un énoncé et puis c’est tout. C’est un peu court, jeune homme (réplique d’une célèbre pièce de théâtre où officiait une jeune mariée), d’autant plus que nous connaissions déjà la réponse (il n’y a qu’à s’intéresser aux informations).

En soi, je n’ai rien contre les films qui posent des questions et qui tentent d’y répondre. Mais DIE WELLE n’utilise pas le médium cinématographique pour transcender son sujet. La facture du film reste terne, efficace tout de même car monté de manière à éviter tout temps mort, mais complètement anonyme. On parle et on agit. Thèse, antithèse, synthèse. Et puis foutaise, bien évidemment, vous commencez à connaître la musique maintenant !

Eh bien, malgré tout cela, DIE WELLE m’a replongé dans une intense nostalgie de la grande Allemagne. Epoque faramineuse où n’existait pas la crise. Oui, mais vous allez m’objecter qu’il y avait la guerre. J’en conviens. N’empêche que si Hitler s’était prénommé Pépito, on aurait tous dit : « Heil Pépito ! » et on aurait certainement bien rigolé.

            Se cacher est une forme de révélation de soi-même. Ce n’est pas nécessairement se dissimuler derrière un artifice qui vous rend invisible à toute réalité. Le sens et son contraire. Se cacher, c’est permettre l’émergence de ce qui est étouffé. Mise en repos de sa propre image. Résurgence vivifiante d’une nature enfouie, muselée, archivée. Bizarrement, se cacher permet de se montrer. Révéler sa nature profonde, en opposition à la mise en annexe du miroir que sont les normes civiles et sociales. Quelle est l’origine du cache ? L’individu qui perd de vue celui qu’il est réellement, ou son environnement qui lui impose l’image qu’il perçoit de lui ? Se prendre pour un autre, c’est se cacher derrière celui pour qui nous nous prenons. Renouer avec soi, c’est se cacher derrière un masque.

Lorsque WATCHMEN débute, les personnages sont dans cette problématique de persona.

            Au préalable, Zack Snyder nous avait déjà donné deux films. Son premier (DAWN OF THE DEAD) était un excellent remake de l’original signé George A. Romero, avec une Sarah Polley très en forme, comme à son habitude. Le film était musclé, impétueux, richement doté d’un visuel très gourmand, élégamment violent et même assez sombre. C’était une belle réussite qui ne préfigurait nullement toute la panoplie du malhonnête que Zack Snyder allait développer dans 300. Film pas agréable du tout, dans un excès permanent qui sentait plus la démonstration technique que l’intégrité de l’originalité. Un film bête et racoleur.

Dehors, les grondements rauques se faisaient entendre.

Difficile, donc, de savoir à quoi s’attendre avec un tel réalisateur. Autant il a pu nous montrer (et dans ses deux premiers films) son savoir-faire en tant que technicien, autant sa possibilité de mettre son talent au profit d’enjeux financiers paraissait tout à fait probable. Il est un peu de la même trempe que David Fincher et consorts, ces réalisateurs qui savent rendre leurs films attrayants mais qui pêchent par excès de satisfaction. Lorsque le réalisateur préfère démontrer ce qu’il sait faire au lieu de servir son histoire, il perd forcément le respect du public.

Les flammes savent lécher avec délicatesse les âmes qu’elles tourmenteront plus tard.

Le grand avantage avec WATCHMEN, c’est que je n’ai jamais lu cette bande dessinée. Bon point qui évitera tout effet de comparaison et qui permettra de considérer le film uniquement pour ce qu’il est. Se méfier de l’intégriste qui vilipende le film parce qu’il ne retrouve pas tout ce qui avait fait le succès du livre ou de la bande dessinée. Ainsi, cette dernière a toujours été présentée comme un roman graphique. Or, le film n’est absolument pas graphique. N’ayant jamais lu les albums, la corrélation me paraît invisible. Impossible de savoir de quel univers se rapproche la bande dessinée. Il me semble pourtant que c’est une notion importante de l’univers de WATCHMEN. Exactement comme le graphisme a fait le succès du SIN CITY de Frank Miller, Robert Rodriquez et Quentin Tarantino. Il s’agit donc ici, non pas d’un élément de comparaison, mais d’un élément qui permet de comprendre là où le projet a commis quelques erreurs. En guise de graphisme, Zack Snyder a préféré axer son esthétisme sur une photographie assez froide, aux couleurs constamment désaturées, et privilégiant les teintes fanées lors de l’étalonnage. Nous évoluons dès lors dans un univers constamment un peu crasseux sur les bords, froid, cloisonné par le manque de lumière, presqu’embrumé. Zack Snyder développe ainsi son principe de polar mâtiné de fantastique. Nous sentons les lumières rasantes, les ombres qui s’agrandissent et, tout à coup, cet aspect hard-boiled semble se substituer à un fantastique toujours aussi craspec mais plus coloré, faisant émerger une magie qui illumine plus le récit que la pellicule. Cette alternance se dégage dès le début du film où la couleur jaune du smiley de Jeffrey Dean Morgan envahit l’écran puis laisse place petit à petit à la scène où il se trouve, une scène quasiment en noir et blanc serions-nous tentés de dire, tant les couleurs semblent étouffées. De ce point de vue, WATCHMEN ressemble à une boîte assez sale, faite d’un matériau peu noble, dont les interstices dégageraient une vive lumière qui créerait en nous l’unique envie de l’ouvrir.

WATCHMEN est-il une boîte de Pandore qu’il faut refermer ou que quelqu’un va ouvrir ?

Quoi qu’il en soit, une bonne adaptation est une adaptation qui ne se charge pas de retranscrire l’œuvre originale. Le contraire serait une démarche anti-artistique. Là-dessus, le film n’est pas franchement une réussite.

Le pari de Zack Snyder est de réunir l’intégralité des 12 chapitres de la série en 2 heures et 43 minutes de film. Et là, je vais dire une chose que je dis rarement, car la longueur que l’on reproche à certains films est la plupart du temps due à des manques de rythme, mais ici, c’est juste long. C’est juste très long. C’est juste très très long. Comme disait la jeune mariée.

WATCHMEN est un film d’action. Entre autres. Car c’est aussi bien plus. Justement, Zack Snyder a l’intelligence de ne pas privilégier les combats et les explosions pour laisser place à la peinture d’une réalité adjacente à la nôtre, et à des personnages qui prennent le temps d’être développés afin de mieux comprendre leurs aspects psychologiques ainsi que les liens qu’ils ont tissés entre eux. Là encore, c’est très bien vu. Ce qui l’est moins c’est le dispositif sur lequel Zack Snyder base quasiment les deux premières heures de son film. Nous ne sommes que dans de l’exposition brute. Si bien qu’une fois le phénomène intégré, il devient systématique (« Voyons le passé de ce personnage. Bien. Voyons le passé de celui-ci maintenant ») et par conséquent ennuyeux.

En fait, la très bonne idée a été de ne pas faire de WATCHMEN un film d’intrigue. Nous ne tombons pas dans ce genre de film où un crime a été commis, les superhéros sont chargés d’enquêter et de trouver le coupable, et vont aller d’aventures en aventures jusqu’au moment où ils retrouveront l’assassin et rétabliront la justice. Pas de cela ici. Cependant, le film débute bien par un meurtre. Celui de Jeffrey Dean Morgan. Evidemment, le but est de trouver qui l’a commis et pourquoi. Dans la bande dessinée (c’est ce que nous sentons puisque nous ne l’avons pas lue, je vous le rappelle), chaque présentation des personnages est là pour nous éclairer sur ce qui les a amenés à devenir ce qu’ils sont, mettant en parallèle le devenir de cette société. Non content d’être lassant, au cinéma, ce procédé affaiblit le principe narratif du film. Car tout y est surexpliqué dans des détails, des sous-intrigues et des épiphénomènes absolument dispensables à l’affaire de départ. Il n’existe plus aucune ambiguïté de l’action à la fin du film, jusqu’au méchant qui explique en deux secondes toute sa théorie. On en est encore là ! Le film tapisserie dans toute sa splendeur ; il pourrait y avoir plus ou moins de superhéros, cela ne ferait aucune différence.

Si encore WATCHMEN avait un propos à défendre... Sous couvert d’aborder des thèmes majeurs et importants (l’humanité face à son propre destin, les différentes faces de l’Homme etc.), WATCHMEN ne fait qu’effleurer ce qu’il pointe du doigt sans jamais développer quoi que ce soit. Il ne nourrit pas de réflexion poussée. Il va être un peu facile de dire qu’il touche à l’amitié, à la politique, à la philosophie et à tout un tas de choses qui ne sont que le décorum du film, pas son discours. Le film n’a rien à dire sur rien. Ou alors d’une façon simplement premier degré. Et vous savez ce que je pense des films à message : pourquoi faire un film puisqu’il y a La Poste ? Et cela coûte bien moins cher ! Le cinéma peut parfois mettre en branle un procédé intellectuel, certes, mais ce n’est pas son essence. Or, du cinéma dans le film de Zack Snyder, nous en trouvons assez peu. WATCHMEN est bêtement narratif. Tout ce qui n’est pas nécessaire à la compression d’une partie de l’histoire est banni. Tout doit avoir un sens explicatif. Pourquoi vouloir expliquer à tout prix les troubles de la personnalité de chacun des superhéros ? Du coup, Zack Snyder ne s’écarte jamais de son scénario. Tout cela pue le story-board à des kilomètres. C’est le son qui nous guide le plus souvent dans cette constatation. Il n’existe véritablement que pour souligner ce qui se voit à l’écran. Et s’il est souvent judicieux, il n’ajoute que très peu à l’atmosphère du film. Restons sur le son et ouvrons une parenthèse en ce qui concerne la bande originale du film. Vous trouverez ici un bon exemple de tout ce qu’il ne faut pas faire lorsque vous décidez de faire accompagner votre film de chansons populaires. C’est avec joie que nous retrouvons « 99 luftballons » de Nena, « All allong the watchtower » de Jimi Hendrix, « The sound of silence » de Simon et Garfunkel, ou encore « The times they are a-changin’ » de Bob Dylan, mais tout cela relève plus du juke-box que d’un véritable écho des scènes que ces chansons sont censées incarner. A part celle de Bob Dylan, elles tombent toutes fort mal à propos et avouent ainsi qu’elles n’ont été placées que pour flatter un public qui trouvera la bande originale formidable. Et vous décernerez la plus grotesque statuette à Leonard Cohen pour son « Allelujah » sur la scène de sexe. C’est très drôle !

Et je ne vous ai pas encore parlé des effets spéciaux !!! Voilà le gros point faible du long métrage. Très peu de soin leur a été accordé en dépit de tout ce qu’il fallait rendre crédible. Il ne faut pas confondre leur réalisation et ce qu’ils sont censés représenter. Seule leur confection permet de dire ce qui a été réussi. Et ce n’est pas bien joli. Cela va du char d’assaut que Billy Crudup désosse et recombine en une œuvre proche digne des compressions de César, à Bubastis, l’animal qui accompagne Matthew Goode, et qui est raté de A à Z. Il est très difficile de croire à tous ces effets spéciaux car il est un peu trop voyant qu’ils ont été rajoutés en post-production. C’est d’une laideur sépulcrale. Je ne comprends pas qu’un réalisateur comme Zack Snyder qui a quasiment eu tout ce qu’il voulait sur ce film, ait pu accepter d’enlaidir son film de la sorte. Il existe tellement de films qui montrent des résultats plus convaincants à partir d’un travail plus artisanal. Et, encore une fois, pour bien moins cher ! Et le pire c’est que le public commence à s’habituer à ces images de synthèse, si bien qu’il ne les trouve plus si horribles que cela !

L’appauvrissement de la culture populaire noie les derniers rêves d’un monde meilleur.

            Pour savoir de quoi parle WATCHMEN, il faut accepter la réalité recréée comme un reflet grossissant de notre propre société. Il n’y a d’ailleurs que de cette manière qu’il est possible de s’approcher au plus près du réel, n’en déplaise à Philippe Garrel ou Ken Loach. Dans ce que WATCHMEN a de plus détestable, nous retrouvons le sempiternel négationnisme des américains, qui effacent l’Histoire et recréent le monde à leur vision. Ainsi, dans WATCHMEN, les américains ont gagné la guerre du Viet Nam ! Nous retrouvons leur culte de la personnalité où Dieu est américain, un amalgame imbécile entre les communistes et les socialistes, et une idéologie nauséabonde sur la peine de mort véhiculée par le personnage de Rorschach. S’il existe pourtant un superhéros fascinant dans WATCHMEN, c’est bien Rorschach. C’est le plus fouillé, le plus perturbé par la réflexion qu’il a sur l’Homme, et l’expérience qu’il a tirée de sa place dans la société. Un personnage contradictoire qui est dans une quête de justice absolue, et qui n’hésite pas, pour cela, à tuer. Là où le film devient un peu dégueulasse c’est lorsqu’il suggère que Rorschach est un être juste car il a éliminé de véritables ordures (un pédophile, par exemple). Mais le personnage est surtout fascinant parce qu’il est torturé par tout ce que sa vie lui a montré. Elle l’a amené vers ce que l’Homme a de plus noir en lui, vers ce désespoir tragique et sans retour qui vide les êtres de leur sourire profond, ces mêmes êtres qui finissent par croire que l’Homme est porté par le mal et que rien ne peut le sauver. Dans sa composition, Jackie Earle Haley est formidable. Nous l’avions déjà remarqué dans LITTLE CHILDREN où il composait avec énormément de conviction et d’ambiguïté, un pédophile sorti de prison. Dans WATCHMEN, la sobriété de son jeu laisse place à un bouillonnement intérieur qui transpire à chaque instant. Son attitude faussement paisible rajoute à son instabilité pulsionnelle. Il dessine un personnage constamment animé par une force intérieure inébranlable, puissante et directe. Il y rajoute une neutralité faciale inquiétante qui accroît son étrangeté. A suivre dans le prochain Scorsese qui sortira vers la fin de l’année.

            Il faut dire qu’en mettant l’accent sur la vérité psychologique des personnages, Zack Snyder n’a plus besoin de faire dans la surenchère des superpouvoirs. Du coup, nous apprécions énormément que les superhéros qu’il nous présente n’aient que très peu de pouvoirs. D’ailleurs, il ne nous présente même pas ce qu’ils sont capables de faire ni même comment ils ont eu ces superpouvoirs (à l’exception de Billy Crudup). C’est bien la preuve qu’il n’était pas nécessaire de tout savoir sur ces personnages pour pouvoir raconter WATCHMEN. En fait, c’est quand ils se servent de leurs superpouvoirs que nous apprenons desquels ils sont dotés. La plupart ont une superforce et quelques-uns ont célérité genre niveau 5 (c’est le cas de Rorschach). C’est dire la pauvre panoplie de superpouvoirs qu’ils arborent. Et c’est ainsi qu’ils comptent sauver le monde ! Voilà qui est vraiment très plaisant dans la peinture du monde de superhéros que nous dévoile WATCHMEN.De ces superpouvoirs découlera une violence assez brutale plutôt bien filmée. Pas trop de gâteries de la part du réalisateur, mais juste ce qu’il faut pour rendre le film esthétiquement intéressant puisque la violence n’est pas cachée. Elle est frontale comme peut l’être cette scène avec une fracture ouverte face caméra. Personne n’est lésé sur ce point. C’est brutal, cruel et glaçant.

            Comme nous l’avons dit plus haut, d’une manière superficielle le film véhicule un propos souvent naïf. Qu’apprenons-nous ? Que l’Homme sera à l’origine de sa propre extinction ? Desmond Morris décortiquait déjà le processus dans son ouvrage « The naked ape », en 1967. Que nous avons tous une part d’ombre en nous ? A part peut-être Mimie Mathy, sinon c’est d’accord. Que la quête de pouvoir est une idéologie stupide ? Que nous sommes tous frères ? Que donner les os de petits enfants à ses chiens ce n’est pas bien ? Que sur Mars c’est forcément mieux puisqu’il n’y a personne ? Que le plastique c’est fantastique ? Autour de cette vacuité scénaristique, nous nous attachons surtout au monde dans lequel vivent ces personnages. Tout est sombre. Il n’y en a pas un pour rattraper l’autre. Le monde est une menace. Les rues sont le repaire de criminels qui arborent les visages les plus chaleureux. Vous êtes manipulés. Dès la naissance. Vous ne savez juste pas à quelle sauce vous allez être mangés. Il n’y a pas de lumière au bout du tunnel, il n’y a pas de porte de sortie, il n’y a pas de rédemption. Noir. Sans nuances.

Toute notion positive est un aveuglement.

Dans WATCHMEN, le monde est aussi gai qu’une page du Figaro Economie. Les héros ont raccroché. Ils ont surtout été mis à l’index, sommés de se comporter comme tout un chacun. Toutes ces années à côtoyer le commun des mortels les ont rendus sujets à des troubles psychologiques. A les voir déambuler parmi nous, rien ne les distingue. En retrouvant leur identité originelle, ils ont perdu leur spécificité. Le rapport à notre réalité intervient dans le rôle que la société attribue à l’individu. Ce rôle social qu’il est chargé de tenir et qui lui pèse lorsqu’il étouffe sa propre nature. Chacun se cache derrière un code, un numéro. Au sens propre comme au sens figuré. Chacun se cache derrière sa nudité. Le visage de l’individu n’est pas forcément son vrai visage. Et c’est là où WATCHMEN trouve sa corrélation entre les divers personnages. C’est le masque qui révèle les visages. C’est en se cachant qu’ils vont pouvoir se montrer tels qu’ils sont. En réclamant son masque, Rorschach réclame son visage. Ce n’est pas pour rien. En acceptant la fin des Minute Men, nos superhéros sont morts. Mais lorsqu’ils arborent de nouveaux leurs masques, l’individu reboote. Le masque a un sens de révélateur. Orson Welles, l’acteur, adorait se cacher derrière un faux nez pour trouver son personnage. La liberté de pouvoir être soi se conçoit dans ce que nous ne sommes plus tenus d’être.

C’est le masque qui au cœur de WATCHMEN.

Le film s’ouvre sur un masque. C’est le smiley. Une image symbolique, clairement iconographique. Etrangement, le film trouve de cette manière une correspondance inattendue avec ELECTROMA, le film de Thomas Bangalter et Guy-Manuel De Homem-Christo. Si le film de Zack Snyder se conçoit d’un point de vue explicatif, celui du duo précité fait largement la place au contemplatif, d’autant plus qu’il ne comporte aucun dialogue. Ici, le problème est inversé. Nous sommes dans une réalité où les individus sont à peu près comme nous sauf qu’ils ont des têtes de robots. Et le truc super hype c’est de se faire poser un masque en latex à forme humaine. Ca, c’est gucci baby ! Lorsqu’ils se retrouvent dans la rue. Tout le monde les regarde. Les envient-ils ? Les trouvent-ils étranges ? Comprennent-ils quelque chose ? Eprouvent-ils quelque chose ? Difficile de trouver des états de fait à ce qui n’est pas clairement défini. Le film n’est de toute façon pas fait pour cela. Vous aurez compris qu’il s’agit avant tout d’une expérience visuelle et auditive, certaines chansons venant ponctuer le récit. Pourtant, les grandes lignes narratrices sont aisément lisibles. Nous apprendrons que les masques fondent assez vite et que l’un des deux robots finira par se suicider, du fait de ne pouvoir jamais ressembler à ce qu’il a toujours voulu être.

ELECTROMA prouve une fois de plus que le cinéma n’a pas toujours besoin des comédiens, et amène à comprendre où nous en sommes dans le cinéma français, qui ne filme plus que des scénarii et des comédiens. Le cinéma français n’est que du théâtre filmé. Qui plus est, mal filmé.

ELECTROMA reprend la thématique abordée dans WATCHMEN du mal être dans son propre corps, dans le rôle qui nous a été décerné et que nous ne voulons (pouvons ?) pas tenir.

Il n’y a de place pour aucun d’entre nous dans ce que nous avons bâti.

Il existe ainsi dans les deux films un rapport passionnant sur la place qu’occupe l’individu dans le monde, et plus précisément la société qu’il côtoie. Si l’aspect est plus développé dans WATCHMEN, il n’en reste pas moins un élément primordial d’ELECTROMA puisque les deux protagonistes sont le plus souvent isolés de toute relation sociale. Dans le film de Zack Snyder, c’est un peu la même chose dans la mesure où chaque superhéros n’est à l’aise qu’avec ceux de son propre rang (sang ?). L’expression de soi-même dans la sexualité ou la guerre, ce qui revient à peu près au même.

Il reste donc une interrogation fort intéressante sur le rapport au monde de sa propre intégrité et de son propre engagement. Sur la signification du masque. Sur ce qui est inné par opposition à ce qui est composé. Du coup, les visages se confondent. Qu’est-ce à dire du masque dans ELECTROMA ? Seraient-ce des êtres qui cherchent à retrouver leur visage originel ou simplement un désir de sortir de l’écran et de se révéler au monde ? Un plan en dit long sur ce dédoublement morbide. C’est celui où l’un des deux robots enlève son masque et expose au grand jour un troisième visage fait de composants électroniques. Il prend alors son masque de robot et l’approche de son nouveau faciès si bien que ces deux visages se font à présent face. Par un plan très simple où ils semblent se réfléchir comme dans un simple effet miroir, chacun en bord du cadre, Thomas Bangalter et Guy-Manuel de Homem-Christo créent un oxymore visuel lourd de sens. Flamboyant.

ELECTROMA est construit tel cet effet foudroyant. Une vaste étendue où semblent errer des personnages. Où ils semblent se noyer, s’embourber. Le monde a changé. Le meilleur moyen de s’en échapper reste encore de revêtir le masque de ses désirs profonds.

WATCHMEN joue aussi sur cette dualité des apparences. Les masques finissent par se confondre. Impossible de savoir si le masque s’impose à la personnalité de chacun où s’il est un véritable reflet de son Moi. Tout se mélange. C’est très réjouissant. Car, finalement, les superhéros n’agissent plus en fonction de leur dynamique interne mais de celle de la société qui les façonne. C’est elle qui a créé le masque. Il est bien expliqué que son origine vient des voleurs qui cherchaient à dédoubler leur vie.

Dans leur quête, les deux films sont des prolongements d’une quête d’identité universelle. Si le propos peut paraître trivial, il nous interpelle par son aptitude à réunir les masques en un seul visage, comme ceux de Liv Ullmann et de Bibi Andersson mergaient dans PERSONA. Ils traitent de leur impossibilité à se confondre malgré leur nécessité de convertir chaque masque en visage. A l’image de la schizophrénie du monde environnant.

C’est pour cela que le masque fait de nous des êtres capables de cohabiter. Nous construisons nos propres masques. Nous jouons à être un autre, jusqu’au jour où nous réalisons l'exil de notre véritable identité. Le temps fait son œuvre. Plus l’aiguille se rapproche de l’heure fatidique plus les masques deviennent sombres et graves. Naïveté et innocence des premiers masques et costumes ornent les photos fanées. Tout est devenu plus complexe. Les situations plus graves. Les costumes plus performants. Les masques plus sérieux. L’animosité plus agressive. Les forces d’attaque plus dissuasives. Leurs résultats potentiellement plus meurtriers. La surenchère promet une victoire totale, quitte à s’annihiler soi-même. Le circuit de l’horloge n’est finalement qu’un cercle vicieux.

            C’est une question générationnelle. Nous avons essayé de comprendre pourquoi l’unité nous divisait, tout nous ramenait au constat verrouillé qu’il est des temps et des lieux, et qu’en attendant que quelque chose d’un peu radical prenne forme nous avions encore quelques années à subir Julien Doré, Jon Favreau, Philippe Sollers et autres Shirley & Dino. Alanguis sur le sol ; prétexte enchanteur pour s’élever dans les airs au son d’une voix hypnotique.

Résultat des courses : le Grand Famélique est non partant. Il n’a pas pu venir parce qu’il avait oublié de noter qu’il avait une séance avec son groupe de prière. N’empêche que nous, cela faisait plus d’un mois qu’on avait prévu de la faire aujourd’hui, la révolution. Alors, du coup, il va falloir reporter. Mais cette fois-ci, ce n’est certainement pas moi qui m’occuperai du planning. C’est dans ces moments-là que l’on s’aperçoit qu’on dit toujours « Les terroristes, les terroristes… », en attendant on se rend compte que ce n’est pas facile de mobiliser tout un groupe sur une seule et même journée ! C’est sûr, c’est plus facile de motiver les troupes quand on dispose d’une centaine de vierges. Nous, on n’avait que des dessus de lit en velours côtelé à offrir…

Tout ça parce que je leur avais fait part de mes réflexions sur la publicité mensongère arborée de manière provocante sur l’affiche du film TWILIGHT. Tout cela avait fini par réveiller l’ogre qui sommeille en nous, et nous finîmes par nous recueillir en salle obscure devant ce premier numéro qui surfe sur la vague de succès précédents. Que voulez-vous ? Une grande frite et un Coca-Cola ! Cela arrive souvent que certains films établissent les règles à venir pour l’exploitation commerciale de longs métrages dans la même veine. En 1996, SCREAM relança la mise en chantier de petits films d’épouvante à base de poils qui se hérissent et d’étudiantes qui crient dès qu’elles se cassent un ongle (activité de hurlement décuplée grâce à leurs nouvelles capacités pulmonaires que leur permit la chirurgie esthétique) ; en 1990, PRETTY WOMAN fut à lui seul une franchise qui estampilla bon nombre de films sans ambition qui ne reculaient devant rien pour faire rêver la bonne à tout faire de moins de 50 ans (ces films n’étant que des traités contemporains où l’intitulé pourrait se résumer par : « Comment devenir une femme parfaite et faire plaisir à son mari dès qu’il rentre du travail ») ; dès 1999, MATRIX assura la viabilité commerciale des trilogies et précipita certains projets comme LORD OF THE RINGS ou HARRY POTTER (rappelons que le prototype de la viabilité n’est pas un parangon de celui du systématisme, comme l’a prouvé Claude Lelouch, pris dans les mailles de son filet étiqueté LE GENRE HUMAIN, nouvel exemple qui étaye notre thèse d’opportunisme eu égard ce dénommé). Sur le même mode nous arrive donc aujourd’hui TWILIGHT, qui est censée être la première partie avant la seconde. C’est bien foutu, quand même ! Autant vous le dire tout de suite, ce que vous avez appris grâce à toute la campagne de publicité du film est tout ce qu’il y a à savoir. Vous n’apprendrez rien de plus en allant le vérifier. Voilà donc 8,60 euros et un peu de temps d’économisés.

Le meilleur moyen de relancer le pouvoir d’achat c’est encore une fois « La lumière vient du fond » !

            Nouvelle problématique générationnelle. TWILIGHT s’appuie sur la refonte des codes. Aujourd’hui, les vampires peuvent survivre à la lumière du jour. Cela nous le savions depuis bien longtemps. Alors c’est dans les jeux de rôle que les scénaristes ont dû aller piocher pour essayer de nous surprendre. Les caractéristiques des vampires varient en fonction du clan auquel ils appartiennent. De cette manière, presque chaque vampire a ses propres attributs. Untel voit sa force décuplée, un autre peut se dématérialiser, un autre peut se téléporter, un autre ne supporte pas la vue des vignettes Panini, encore un autre se désintègre sous l’urine de nain germanique atteint de botulisme etc. D’autres nous avaient auparavant abreuvés de ces nouvelles races de vampires et TWILIGHT n’est rien de plus qu’un film de vampires post-moderne sans grande inventivité. Jusque-là, pas de quoi faire une banderole. Mais le vocabulaire de ces suceurs de sang est une notion qui peut laisser pantois. Peut-être une idée nouvelle lorsque certains se disent végétariens…

- Ah ! La voilà, la nouveauté ! Des vampires végétariens ! Des vampires qui ne suceraient pas le sang mais mangeraient des végétaux à la place.

- Des humains, donc.

- Oui, mais en plus ce serait des vampires. Ils déambuleraient parmi les vivants.

- Comme Bruce Willis dans THE SIXTH SENSE ?

- Voilà !

- Mais ils suceraient le sang ?

- Non ! Puisqu’ils seraient végétariens.

- Ah ! Donc s’ils ne sucent pas le sang ce ne sont pas des vampires.

- …

- Bon, d’accord. On garde les vampires. Et on garde aussi « végétarien » pour dire qu’ils ne se nourrissent que du sang d’animaux. Comme ça, référence aux mots que les jeunes emploient sans savoir de quoi ils parlent. Identification. Empathie. Queue qui bat de droite à gauche. Jappements.

- Je signe... Un After Eight ?

- Wouaf !

C’est toujours intéressant de savoir ce qu’il se dit dans le bureau d’un producteur.

Résultat des courses : les producteurs, les vampires, les jeunes, Bruce Willis et les chiens ne parlent pas la même langue que nous. D’où l’importance de se questionner sur THE SIXTH SENSE avant d’entreprendre toute révolution. Dites donc, ce n’est pas un peu con ce film où Bruce Willis n’a jamais faim, ne mange ni ne boit jamais, pose des questions à des personnes qui ne lui répondent pas et s’étonne à la fin d’être mort ?

Dans TWILIGHT, la révolution ce sont les jeunes qui la font. Le film est fait pour eux. Il est clairement ciblé pour adolescents même s’il nous épargne tous les « So fresh ! », « Next ! » et autres expressions qui pourraient désarçonner le cadre à la cravate en cuir qui se serait égaré devant ce film. Tous les vampires ont une allure de jeunes et des préoccupations de jeunes. Gros problème de générations. Car c’est justement la lignée qui serait le facteur le plus intéressant chez les vampires ; les histoires de clans n’étant rien d’autre que des problèmes déjà ressassés puisqu’ils concernent aussi les humains. Mais les vraies questions, les vraies attentes sont déjouées. Moi qui ne manque jamais une occasion pour m’insurger contre cette ignoble idée d’introduire des quotas de minorités dans les films, je me demandais ce que cela allait donner dans TWILIGHT. Pensez donc ! Un black au teint blafard, j’attendais de voir comment ils allaient faire cela. Voilà qui aurait été bienvenu et qui aurait vraiment sorti nos amis coloriés des emplois qu’on leur attribue généralement. TWILIGHT : ghetto cinématographique, film raciste. Après tout, ils ont bien traité STARSHIP TROOPERS de film fasciste ! Il n’empêche que TWILIGHT c’est bien l’idée d’une étrangère qui rejoint une communauté peu ouverte aux autres. Tu la sens pointer la grosse leçon de tolérance, avec ses gros phares qui éclairent dans la nuit noire ? Révolution ! Et s’il vous manque encore une raison pour vous rallier à ce mot d’ordre le poing levé, il vous suffit de vous rappeler ce que je vous disais la dernière fois à propos de l’affiche du film. Et là, je vais revenir sur ce que j’ai dit : il ne s’agit pas d’une publicité mensongère mais d’une publicité doublement mensongère. Je rappelle la formule mise en accusation : « Un Roméo & Juliette fantastique qui a bouleversé le monde entier ». Outre ce que nous avons déjà démontré, TWILIGHT n’a aucun rapport avec « Roméo et Juliette ». La pièce de William Shakespeare nous parle de deux adolescents qui tombent amoureux, mais leur amour est perturbé par la haine que se vouent les familles desquelles ils sont issus et qu’ils ne veulent pas trahir. Ce sont les enjeux entre ces deux clans qui vont avoir raison de leur relation. Mais TWILIGHT n’est nullement un film qui en adapte les grandes lignes. Les deux adolescents ne font pas partie de clans ou de familles qui s’opposent et jamais leur amour ne sera mis à mal puisque Kristen Stewart est très vite acceptée dans le clan vampire. Il est donc normal que les deux jeunes s’unissent à la fin et ne se retrouvent pas à jamais éloignés par le poison. Le seul trait commun qui reste c’est une histoire d’amour. Mais à ce petit jeu-là, TWILIGHT est aussi proche de ROMEO + JULIET que de LOVE STORY, THE ENGLISH PATIENT ou 7 ANS DE MARIAGE.

Voilà pour l’ordre du jour. En ce qui concerne les faits secondaires, et pour nos amis avides de sensations fortes, on ne suce pas beaucoup non plus dans TWILIGHT. Déception de la jeune mariée.

            TWILIGHT ou le feu aux poudres. Le déclencheur d’états incendiaires, le dynamiteur des patriotismes les plus forcenés, le siège permanent de l’état de guerre, la mère de tous les vices. La révolution était toute entendue. C’est même le Grand Famélique qui se montrait le plus enragé, surgissant tout à coup de derrière le canapé et se ruant vers nous en criant : « Attrapez-les tous ! Pokémoooooooooooooooooooooooon !!! ». En même temps, personne ne s’attendait à ce qu’il discourt sur les fractales. Cela ne faisait pas très sérieux mais valait mieux que toutes les rodomontades du Régent. Pour ceux qui ne le connaissent pas, et je sais que vous êtes vous tous, sachez que vous ne perdez rien et qu’un tel caudataire mérite à peine que l’on mentionne son nom. Mais son introduction est nécessaire pour la suite des évènements. Comme disait le jeune marié. Nouvelle preuve qu’il n’est pas nécessaire de s’entourer d’amis pour fomenter le nouvel ordre mondial.

Le Grand Famélique s’étant calmé, il fallait inférer du cas TWILIGHT un ordre de révolution contre lequel personne n’oserait aller. Il fut total. Par la suite, je réfléchirai à cela et me dirai que c’était bien normal, après tout. Si l’on veut faire la révolution c’est pour tout changer de A à Z, pas pour mettre hors d’usage 2 ou 3 caténaires. Non, nous parlions d’une vraie révolution. Pas une fausse couche comme en mai 68 où l’on peut dire qu’il ne s’est rien passé, si l’on se penche précisément sur cette période de l’Histoire. Qui dit révolution s’accorde bien plus avec l’épisode de la Commune qu’avec tout épisode de « Melrose Place ».

L’affaire était lancée et nous étions prêts à intégrer à nos côtés tous ceux qui croient dur comme Rocco qu’Elvis et Jim sont encore vivants dans une île du Pacifique.

            Il s’agissait de ne pas se louper. Pour ce faire, tout planifier. Ne rien laisser au hasard. Une documentation optimale. Je décidai alors de revoir LES NUITS FAUVES. Une idée pas si saugrenue qu’elle pouvait en avoir l’air. Mais une idée n’a pas d’« r », me direz-vous. Une chambre, elle, en a toujours un. Les puristes parlent alors de chambre à « r ». Et l’on a beau changer d’« r » (cela tombe bien j’ai un grand bol d’« r », voilà j’en mets un autre à sa place), eh bien nous constatons finalement que « chambre » à toujours le même « r ». Mais, avec une grosse loupe, nous remarquons que c’est un drôle d’« r » puisqu’il essaie de se faire passer pour l’« r » du temps. Or, l’analyse de ce mot nous renvoie à la même conclusion que pour « idée ». Il fallait donc être un peu plus futé que la moyenne pour s’apercevoir que cet « r » est multiemploi puisqu’il s’agit de l’« r » de rien, mais c’est aussi l’« r » de la Castafiore dont vous ne reconnaîtrez pas ici les paroles :

Juste une mise au point
Sur les plus belles images de ma vie
Sur les clichés trop pâles d'une love story
Sur les tam-tams d'une femme sans alibi
Qui rêve toutes ses nuits
Juste une mise au point
Pour un petit clin d'œil de survie
Pour tous les fous, les malades de l'amour
Pour toutes les victimes du romantisme comme moi
Juste un petit clin d'œil, une mise au point.

17 ans en arrière, LES NUITS FAUVES avait fait l’effet d’une vraie révolution dans le paysage cinématographique français. Que devient une révolution une fois qu’elle est devenue l’apanage d’un peuple ? A vrai dire, il n’y a eu révolution que parce que le phénomène a été proclamé en tant que tel. Mais LES NUITS FAUVES n’a rien changé à quoi que ce soit. Il n’en demeure pas moins que le film continue à receler un trésor brut qui ne se laisse pas si facilement apercevoir.

Ce qui choque avant tout ce sont les défauts techniques du film. Il y en a pléthore. C’est presque un concours agricole. Le découpage est souvent approximatif. Le travail sur la lumière a été fait un premier mai. Les faux raccords partent en croisade. L’ombre du caméraman porte souvent sur les acteurs proches de la caméra. Dans la rue, les figurants regardent la caméra d’un air stupéfait ; témoignages de tournages à l’arrachée, parfois volés, sûrement sans autorisations. Le personnel technique se distingue parfois dans le reflet d’une vitre. Bref, c’est à n’en plus finir. Si l’on s’arrête à ces détails, le film peut s’apparenter à un amateurisme de grand standing mais, bizarrement, LES NUITS FAUVES transforme ces inconvénients en bénéfices dont la rémunération augmente au fur et à mesure que le film se déploie. En partie parce que tous ces accrocs sont issus d’une même vitalité dans la manière de tourner. Ce qui ne s’est pas épuisé : une énergie féroce, des pulsions de vie immodérées, une fougue et une rage incandescentes. Le film a un côté constamment aléatoire. Il passe d’états contradictoires en états complémentaires en faisant preuve d’une grande cohérence. Il se lit sur un rythme effréné même dans les moments de pause ou quand le découpage semble plus lâche. C’est d’un impact assez fascinant parce qu’il ne répond à aucune logique scolaire. LES NUITS FAUVES est un film impulsif. Il a d’ailleurs été tourné de cette manière. Le prévu et l’imprévu sont des quidams qui longent le même chemin.

Parce que l’unité de la vie est de faire cohabiter les axes contraires.

Le film de Cyril Collard est obnubilé par son sujet. C’est la charge émotionnelle qui l’emporte à tout moment. Parfois, elle n’arrive pas à faire oublier que le jeu sur les axes est sujet aux humeurs du réalisateur, qu’un certain symbolisme est lourdingue et aujourd’hui complètement dépassé, ou que bon nombre de répliques paraissent Stabilo Bossées comme lorsque Cyril Collard s’adresse à Romane Bohringer quand il la filme pour le casting qu’il lui fait passer, ou encore quand lui et Carlos Lopez discutent de la souffrance.

C’est étonnant comme la vie dans ce qu’elle a de plus sordide arrive à faire écho aux rêves d’une personne qui se sait condamnée. Et c’est d’autant plus agréable que cet élément qu’est la maladie ne devient jamais un truc de mise en scène dissimulé pour faire pleurer dans les chaumières. Cyril Collard préfère s’aventurer dans la mise en scène plutôt que de garder un œil exhibitionniste. Vous remarquerez que sa façon de faire de la mise en scène n’est quasiment que de la direction d’acteurs (ce qui corrobore le fait que le chef opérateur a fait l’impasse sur les lumières). Il est fort à parier que Cyril Collard ait vu les films de Maurice Pialat tant sa façon de s’y prendre avec les acteurs et ce qu’il obtient d’eux se calque sur le travail du réalisateur de LA GUEULE OUVERTE. L’improvisation fait la part belle à une fougue hallucinée où des racines touchent le comédien avant de trouver leurs ramifications dans son travail. Cette impétuosité imprègne le film et le rend hypernerveux. LES NUITS FAUVES est un film sec qui tend vers un ultime saut dans le vide.

LES NUITS FAUVES c’est l’obsession continuelle de s’éprouver pour savoir ce qui se cache derrière l’expression « être en vie ».

            « Pareil. La révolution c’est bien beau, mais encore faut-il la faire pendant que nous sommes encore en vie ! » avait fini par éructer le vieux con. C’est sûr que lui, ça lui pressait que ça arrive, parce qu’il savait très bien que son corps n’aurait pas le courage d’attendre la prochaine. S’agissait juste de trouver ce qu’on allait bien pouvoir faire, les armes à la main. « Et si on faisait la révolution pour la réhabilitation du short de bain dans les piscines ? » Vous aurez bien évidemment reconnu le sale con dans ses œuvres ! Tout n’est pas rationnel dans le cerveau de certains.

C’est là que le Régent a sorti : « Et si on s’attaquait directement à Nicolas Sarkozy en lui démontrant preuves à l’appui que toute sa politique est faite en dépit du bon sens ? » On a vite compris qu’on allait s’attirer des emmerdes, alors on a laissé tomber.

On sait qu’il y a toujours des trucs à changer mais quand il s’agit de trouver quoi, ce n’est pas une mince affaire. Le petit con voulait qu’on abaisse la hauteur de la barre pour accéder aux manèges dans les fêtes foraines, le pauvre con voulait plus d’argent, le gros con voulait augmenter les étages du Big Mac, la connasse voulait organiser des concours de Rubik’s cube pour daltoniens etc. Cet exercice de la surenchère aurait pu nous faire croire à une vente privée sur Ebay. En tout cas, ils s’entraînaient dur. Chacun affichait sa connerie aussi haute qu’un gitan de Camargue tient sa guitare. Bande de cons !

Tout cela me faisait terriblement penser à un film de Gabriele Muccino avec Will Smith : SEVEN POUNDS. Les mêmes qui nous avaient donné deux ans plus tôt l’un des pires films jamais vus : THE PURSUIT OF HAPPYNESS, mélo dégueulasse, froidement démago. SEVEN POUNDS ne vaut guère mieux. Son scénario est d’une bêtise assez luxueuse, encore une fois à la recherche de la moindre larme (une confection lacrymale dont l’élevage se fait en batterie), n’offre qu’une vision unique de la rédemption, bassement moralisatrice, où le totalitarisme se concrétise ici par la théorie de la propagation du bien comme critère de réhabilitation. A trop vouloir éviter de faire de Will Smith un être abject (en commençant de cette manière, l’histoire aurait enfin pu amener un point de vue original), SEVEN POUNDS tombe dans le ridicule primaire, celui d’une société qui donne des leçons et qui ne juge qu’en apparence. Narrativement, le film est en retard de plusieurs décennies. Le réalisateur nous cache le plus longtemps possible ce qui torture Will Smith, le souvenir qui le hante, alors que le film n’a de raison d’être qu’à partir du moment où l’on sait pourquoi il agit de cette façon. Cela aurait dû être dit depuis le départ, mais ce qui intéresse Gabriele Muccino c’est de nous dire que quelque chose s’est passé à un moment donné de la vie de Will Smith et que, depuis, il a un comportement philanthropique envers certaines personnes, mais qu’il ne nous dira ce qu’il en est qu’en fin de film. Pourquoi ? Juste pour jouer au petit malin. « Moi, je sais une chose que tu ne sais pas et il va falloir être très gentil, aller jusqu’au bout du film si tu veux que je te la dise. » C’est long et insupportable. C’est ce qui me fait dire qu’un mauvais film comme cela, à ce niveau-là, c’est athlétique. Il faut s’entraîner pour être aussi doué dans l’irritabilité, il n’existe rien d’inné là-dedans. 9,69 secondes au 100 mètres, il ne faut pas me faire croire que ces sportifs sont élevés à l’eau de source et au pain complet ! (Je rappelle que tous les sportifs sont des pédés, c’est prouvé scientifiquement, ce qui est une bonne raison pour arrêter le footing, par-là même jusqu’à arrêter de courir pour rattraper un bus.)

            Je préfère largement un film comme MY BEST FRIEND’S GIRL d’Howard Deutch. Réalisateur étonnant, de qui nous n’attendions plus grand-chose après avoir signé de piètres œuvres qui répondent au nom de THE WHOLE TEN YARD, THE REPLACEMENTS ou encore GRUMPIER OLD MEN. Tiens, c’est aussi lui qui a signé le pilote de « Melrose Place » ! Et pourtant sa carrière avait très bien commencé avec le rafraîchissant PRETTY IN PINK, sur un scénario du grandissime John Hughes. MY BEST FRIEND’S GIRL resitue plutôt son auteur dans cette première période. Ici, Howard Deutch semble être à l’aise avec l’humour de son temps. Un rire décomplexé en ce qui concerne les références sexuelles et quelques gags de mauvais goût fièrement assumés. Le tout est donc très drôle, à l’image du générique de début, très classe, sur une musique particulièrement jouissive, où le personnage de Dane Cook campe en deux temps trois mouvements un vrai salaud qui s’attire toute notre sympathique. Avec lui, l’immoralité devient une vertu puisqu’elle est mise au service de la cause des nantis. C’est assez jouissif de voir comment il abuse de son aura auprès des femmes.

Alors, bien sûr, tout n’est pas au diapason du point de vue de la mise en scène et le scénario tourne parfois au vaudeville, mais le film garde un tel luxe au niveau de l’interprétation et de la mise en valeur des gags que le rythme n’est jamais lâche et que l’on passe un bon moment, en sachant que l’on n’a pas vu un chef-d’œuvre, mais qu’en matière de comédie c’est encore les américains qui sont plus proches de la révolution que nous.

            Pourtant, cela ne devrait pas être si compliqué de trouver une idée. Une bonne idée… S’inspirer des exemples historiques. Comment a-t-il fait déjà celui qui a crié « Eurêka ! » dans sa baignoire ? Je ne me rappelle plus son nom… Pas Cloclo, l’autre… Bon, ce n’est pas grave.

            Encore du Eastwood ! Quelques semaines après le trop acclamé CHANGELING, il nous revient avec un nouveau film : GRAN TORINO. Evidemment, nous y allons à reculons. Le Clint, nous l’aimons bien mais nous le préférons comme comédien (formidable dans le pas terrible MILLION DOLLAR BABY, n’est-ce pas ?)

Depuis un bon bout de temps, Clint Eastwood = Pedro Almodovar.

A un moment de leur vie (qui correspond généralement à une reconnaissance officielle des professionnels de la profession), ils ont décidé de changer complètement leur fusil d’épaule, de raccrocher toute velléité de faire quelque chose d’un peu original, de revoir leurs prétentions à la baisse. Dès lors, ils font leur cinéaste de brasserie. Chacun s’oriente vers le film grand public, fait de bons sentiments, pas trop dérangeant, si possible avec une histoire assez émouvante pour glorifier le talent du réalisateur. Mais si l’on s’approche de près de ce qu’ils nous offrent dans leur film, point de révolution. Pire que tout : du balisé, de l’attendu, de la consommation de masse.

Avec GRAN TORINO (titre sublime), Clint Eastwood ne sort pas de la brasserie et continue son show. Un peu comme dans SEVEN POUNDS, il essaie de « salir » son personnage, de ne pas le montrer comme quelqu’un de bon, doté des meilleures intentions. Il essaie de nous faire croire que le vieux est quelque peu réactionnaire, qu’il appartient à la droite américaine, celle qui ne s’éloigne pas à plus de deux mètres d’une arme à feu, qu’il est raciste bon chic bon genre, un peu facho sur les bords et beaucoup au milieu. Tout cela pour mieux dissimuler qu’au fond de lui il y a quand même un cœur qui bat, et qu’il va apprendre qu’ils sont quand même plus sympas qu’on ne le croit, ces bouffeurs de riz. Vous l’aurez deviné, c’est l’occupant qui a le mauvais rôle. Le blanc est un individu assimilé à un rapace, le bouffeur de riz, lui, une victime qui fait profil bas et qui essaie de s’intégrer du mieux qu’il peut. Sauf que tout cela n’est pas tout à fait exact. Si le blanc est irrécupérable (à part Eastwood, car la belle leçon d’humanité c’est de nous dire qu’au fond nous valons tous la même chose), les communautés ne sont pas clairement identifiées comme l’ennemi à tout prix. En fait, le racisme de Clint Eastwood est primaire quand il s’agit de méconnaissance. Lorsqu’il côtoie ses voisins asiatiques, il s’aperçoit qu’il a plus d’affinités avec eux qu’avec sa famille. Et puis, il y a ce qui pourrait passer pour du racisme et qui n’est qu’un point de vue, peut-être étriqué mais rigoureux, et en tout cas sincère. Il agit en fonction de ce qui lui paraît être juste : on ne braque pas les gens, on n’embête pas les jeunes sans défense dans la rue etc. Disons que c’est sa manière de se faire respecter, aussi extrême soit-elle. En fait, ce racisme n'est rien d'autre qu'un jeu. Car aucune communauté n’est prise à parti plus qu’une autre. Pour lui, l’étranger n’a ni couleur de peau ni accent particulier. L’étranger c’est celui qui envahit son espace privé. S’il a une couleur de peau et un accent, il s’en servira comme raillerie envers lui, de la même manière qu’il se sert de son arme. A ce titre, il est intéressant de voir tous les sobriquets qu’utilise Clint Eastwood et qui prouvent qu’un « négro », un « chinetoque » ou un « youpin » peuvent être employés indifféremment comme une insulte ou une marque d’affection. Il n’empêche que la société ne fait pas la différence puisqu’elle condamne leur emploi. Et c’est très important parce que cela conditionne le rapport que chacun a envers les personnes qu’il croise au quotidien. Le voisinage est flouté, le rapport au prêtre est flouté, même les rapports entre personnes de même communauté est flouté. Tout s’amalgame et aboutit à une confusion où siègent les suspicions les plus basiques, avant qu’elles ne s’enflamment et deviennent les cendres de la haine.

A part cela, la première partie du film est longue à démarrer. Il n’y a pas grand-chose à se mettre sous la dent concernant la mise en scène. C’est du travail scolaire. On met dans le cadre ce qui doit être compréhensible par le spectateur et basta. D’ailleurs, ils sont très signifiants tous ces commentaires qui soulignent ce qu'il se passe à l’écran et qu’un simple effort de mise en scène aurait suffi à faire passer sans Stabilo Boss. Exemple : le moment où Clint Eastwood sort sa Gran Torino. Il boit une bière sous son porche et l’admire, puis il déclare qu’il la trouve vraiment belle ! C’est un cas d’école. Comment gâcher une scène en en rajoutant plus qu’il n’en faut. Dans notre langage, on appelle cela l’effet Maxwell qualité filtre.

Voilà donc un film pépère comme sait si bien les faire notre bon vieux Clint. C’est téléphoné de A à Z, sans grande invention, sans lyrisme, mais il paraît que cela fonctionne parce que ça réchauffe le cœur des masses populaires. C’est quand même un peu mieux que CHANGELING mais nous sommes loin du réalisateur qui nous a donné PALE RIDER.

Ce n’est définitivement plus le Clint Eastwood que nous avons connu, c’est son double d’anti-matière.

            Et puis, n’hésitons à faire un petit retour sur BULLITT. Kurt Cobain disait que sa génération (la mienne, accessoirement) est la dernière génération à connaître l’innocence. C’est ce qu’anticipait déjà le film de Peter Yates en 1968. Jacqueline Bisset reprochait à Steve McQueen de vivre dans les égouts. C’est bien peu de choses comparé à notre époque. Il n’empêche que ce dernier allait s’apercevoir qu’il n’est pas de bons ni de méchants. Tout cela ce sont des idées marketing qui servent à rendre la vie plus soyeuse. Certains disent que cela nous rachète une conscience de savoir que d’autres oeuvrent pour la paix dans le monde. Il y a l’Axe du Mal et il y a l’Axe du Bien. Dans notre langage, nous appelons cela du storytelling. Donner une explication à tout. Trouver des raisons. Légitimer des actions. Rattacher une catégorie de personnes par une histoire qui saura l’émouvoir. Mais la dichotomie se fond dans les faits. Les flics agissent comme les voleurs. Les méthodes de l’Axe du Bien se rapprochent de celles de l’Axe du Mal. Autant de tortures d’un côté que de l’autre. Autant de manipulations. Il n’y a rien de triste là-dedans. Peut-être que ça l’est le jour où vous le découvrez. Mais après, vous comprenez que c’est comme cela que le monde fonctionne. La société est pourrie, mais ce n’est pas triste. Ce qui est triste c’est l’hypocrisie qu’elle véhicule, cette propension qu’elle a à justifier le moindre de ses crimes pour le bien des uns.

Dans BULLITT, Steve McQueen dit à Robert Vaughn : « Vous allez votre chemin, je vais le mien ». C’est le seul moyen de rester intègre vis-à-vis de tout cela. Il n’empêche qu’il va s’apercevoir qu’il s’est fait manipuler de A à Z et qu’il est parvenu à faire ce contre quoi il luttait. Car Steve McQueen a tué un homme dans BULLITT, et c’est ce qu’il voit à la fin du film lorsqu’il se regarde dans un miroir. Parce qu’il avait toujours crû que la police était là pour veiller sur chacun. C’est triste, mais cela ne changera rien au fait que, le lendemain, dans la même ville, dans le même pays, sur la même planète, des individus vont se lever pour aller travailler dans une société qui tue. Et tous les clans sont égaux devant cet état de fait.

            Voilà ce qu’il reste quand la révolution est repoussée au lendemain. Du bon, du moins bon, mais toujours de quoi s’occuper. Et puis ça change du Mille Bornes. Je venais de comprendre que la révolution, cela n’était pas le fait de ma génération. Les rats quittent l’Opéra ! Et c’est bien dommage, parce que je l’aurais bien fait, moi, la révolution. D’autant plus que je n’avais rien prévu aujourd’hui, 124 ans jour pour jour après la construction des premières montagnes russes mécaniques et en circuit, à Coney Island.

            C’est souvent comme cela avec les films de James Gray. La projection semble toujours débuter sur un faux rythme alors qu’elle cherche juste à vous investir par chaque pore de votre peau, comme la fumée se dissipe dans une salle avant un concert. De son état latent surgit un engourdissement général qui vous happe d’un coup sec. Le coup de l’alligator. Ce gros animal d’apparence pataude se jette brusquement sur vous et vous secoue dans tous les sens avec une énergie folle. Quelques secondes plus tard, vous voilà dans un état semi-ecstasique dans lequel vous aimez à vous repaître jusqu’au générique final. Une impression générale toujours séduisante, un moment dans lequel nous nous vautrons sans voir le temps passer, et pourtant quasiment jamais la sensation d’avoir affaire à une œuvre émotionnellement supérieure, toujours proche d’une virtuosité que l’on attend et qui ne vient jamais. « C’est bien mais pas top », disaient Les Nuls.

Tout cela me rappelle foncièrement la première fois que je suis allé manger aux Restos du Cœur. J’étais sorti de là en me disant que c’était pas mal, mais pour un restau, la carrosserie frotte un peu sur le bitume. Attention ! Que tout ceux qui connaissent le montant de mes revenus ne s’offusquent pas quand je dis que je vais aux Restos du Cœur. Je n’y vais pas tous les jours. Le restau c’est sympa, mais de temps à autre. Faut que ça reste un évènement. Après, on prend vite de mauvaises habitudes.

            Leonard Kraditor est un drôle de gars. Dès le premier plan du film, nous voilà confrontés à sa plus grande phobie : les jetées. Chacun son truc, moi ce sont les monocotylédones. Dès qu’il en voit une, il ne peut s’empêcher de s’y précipiter. Or, il est sujet à une maladie assez bénigne mais qui touche environ un homme sur deux : il porte à droite. Et comme les jetées qu’il affectionne sont assez étroites, il ne manque généralement pas de perdre son centre de gravité et de finir invariablement à la flotte. Ce qui ne l’empêche pas, par ailleurs, d’aimer une bonne bière de temps à autre, devant un match de foot, au pub avec les gars ou simplement lors d’une tournante dans la cave de son immeuble, toutes ces occasions qui sont un bon moyen de décompresser après une journée bien remplie. C’est marrant, il y a une fille qui s’appelle Julie Budd au générique ! A mon avis, elle ne suce pas que de la glace.

Dit en d’autres termes, Joaquin Phoenix a des tendances suicidaires. Le film s’ouvre sur l’une de ses tentatives, et un petit quelque chose nous dit que nous n’allons pas trop nous marrer pendant 1 heure et 50 minutes. Là, vous pensez que c’est quand même couillu de démarrer par le suicide du personnage principal. Et vous avez raison. D’abord parce qu’aujourd’hui j’ai envie de vous flatter (même si vous ne le méritez pas), et puis aussi parce que c’est vrai que c’est gonflé, quoique de la part de James Gray cela n’est plus vraiment étonnant. Ce qui l’est plus c’est le risque qu’ont pris les producteurs en misant sur cette introduction, quitte à alourdir d’entrée le propos et plomber définitivement le moral des spectateurs. Fait par Claude Berri ou un autre manchot de la technique et de la dimension émotionnelle, cela aurait sûrement rajouté du plomb dans la culotte de cheval du film, comme nous en avons un bon exemple avec SAUF LE RESPECT QUE JE VOUS DOIS de Fabienne Godet (où la technique de suicide est très ingénieuse mais horriblement mal mise en scène). Déjà, James Gray déploie toute son habileté et nous plonge dans le sombre intérieur qui tiraille Joaquin Phoenix. C’est crépusculaire, triste et désespéré ; renforcé par une tentative qui résonne comme un S.O.S. suspendu dans l’immensité qui l’entoure (très bonne idée la plage !) et que personne n’entend avant qu’il ne mette ses jours en danger. La direction artistique de cette première scène va dans ce sens : Leonard Kraditor ne croit pas vraiment en ce qu’il fait : son geste ne semble pas prémédité, la solution choisie n’est pas la plus expéditive, sa mise à exécution a un côté comique dans son incongruité. D’entrée, le personnage de Joaquin Phoenix nous est livré comme un jeune homme affecté psychologiquement, quelqu’un qui cherche une issue. Quand une personne est victime d’un tel enfermement et qu’elle ne trouve pas de solution, son corps la trahit ; la maladie surgit…

Ca, c’est fait, comme dirait Terry Kevin. Vous êtes maintenant tous au courant : Joaquin Phoenix est malade. Avant que le film ne débute, il a probablement dû faire d’autres tentatives de suicide ou connaître des situations de crise qui ont amené les médecins à lui diagnostiquer un trouble bipolaire. C’est quand on va au Pôle Nord deux fois l’an, c’est bien ça ? Il y a quelque chose d’assez étrange dans cette définition de son mal-être. Lorsque ses parents emploient l’expression, ils ont l’air de répéter ce que leur ont dit les personnes censées être compétentes en ce domaine. Et ce qui est assez étrange c’est que nous avons le pressentiment que le film sedéploie sur cet axe, qu’il va s’approprier ce sujet pour en faire l’élément central de l’histoire et que nous nous orientons vers un nouveau film de maladie. Sentiment d’autant plus renforcé qu’elle est le nœud de toute sa vie (il en parle notamment à Vinessa Shaw lors de leur première rencontre, comme l’élément qui a conditionné ce qu’il est maintenant) et que la maladie est encore ce qui va commencer à le lier à Gwyneth Paltrow (là aussi, dès leur première rencontre, c’est elle qui aborde le petit grain qu’elle a dans la tête). Si j’insiste sur ce point c’est parce qu’il me semble être extrêmement primordial dans le film alors que personne ne l’a relevé. Il innerve tout le métrage. James Gray crée une tension permanente grâce à ce postulat de départ. De fait, il met le spectateur en état d’alerte. Nous guettons le moment où cette bipolarité va s’exprimer, où Joaquin Phoenix va péter un câble. Eh bien cela n’arrivera jamais. Pour la simple et bonne raison que l’hypothèse de départ est fausse : Joaquin Phoenix n’est pas bipolaire. Pour avoir vécu avec une personne dans ce cas, je peux l’affirmer avec un aplomb définitif et fièrement hautain (oui, je mange toujours beaucoup de clémentines pendant les fêtes de fin d’année). Je crois qu’il faut accorder toute la justesse nécessaire à la phrase qu’il prononce lorsqu’il parle à Gwyneth Paltrow de ces noms de maladie que l’industrie pharmaceutique vous invente pour faire tourner son business. Il n’en reste pas moins que ce personnage masculin reste sujet à de forts élans dépressifs. Gwyneth Paltrow, elle, serait bien plus bipolaire (sublime interprétation en clairs-obscurs de Gwyneth, dont nous avions déjà loué son extraordinaire composition dans THE ROYAL TENENBAUMS, film ô combien sublime). Elle passe très vite de Charybde en Scylla à plusieurs moments du film (la boîte de nuit, la dernière scène sur le toit, le dénouement final…). C’est elle le vrai personnage fragile du film. Et c’est en cela qu’elle va donner un sens à la vie de Joaquin Phoenix (puisque le film démontre que l'amour n'est qu'une question de failles).

TWO LOVERS se construit sur ce faux rythme. Rien ne semble se dessiner. Les pistes ne mènent jamais vers des voies sans issues mais vers un horizon qui s’étire à l’infini. Travelling compensé du dénouement scénaristique. Au fur et à mesure que le film avance, James Gray ne cherche pas à nous perdre ou à nous aiguiller sur de mauvaises voies (comme le ferait grossièrement M. Night Shyamalan, le petit indien malin qui vous sarbacane le cerveau), il prend plutôt le soin d’apposer différentes couches dans le but d’obtenir une réalité dense où chaque enjeu devient une véritable épreuve. A la fin entremêlés, le réalisateur explore les affres de la maladie comme les condiments d’un milieu social. En cela TWO LOVERS s’apparente plus à un film sur la maladie qu’à un film de maladie.

Le film suit principalement Joaquin Phoenix. Il ne va pas bien mais il n’est pas bipolaire, nous l’avons dit. L’origine de tout cela est évoquée. Le film ne s’y attarde pas ; bien vu James Gray et Eric Menello ! Alors, quoi ? Joaquin Phoenix est un nerd ? Est-ce un retardé ? Dépèce-t-il les femmes après leur avoir fait l’amour ? S’en veut-il d’avoir voté George W. Bush ? Est-il seulement dégoûté de la vie parce qu’il ne restait plus de beignets aux crevettes chez le chinois du coin ? A-t-il un secret inavouable, genre des pieds de pintade lui poussent après minuit et ses sourcils se rejoignent ? Pas évident d’opter pour une solution précise. D’autant que nous avons du mal à déceler les défauts de ce jeune homme. Les femmes ne lui font pas peur et il n’a aucune difficulté à converser avec Gwyneth Paltrow dès leur première rencontre. Il assure aussi sur la piste de danse. Il gère les situations délicates avec une grande maturité (c’est notamment flamboyant, la manière dont il arrive à avouer son amour à Gwyneth Paltrow, à encaisser le refus de celle-ci, à ne pas se rabaisser et à s’extirper de cette situation en lui disant qu’il ne veut plus la voir). Bizarrement, Joaquin Phoenix est un gars somme toute assez banal, plein de qualités et la tête bien sur ses épaules. J’écris « bizarrement » parce que, l’air de rien, le film donne sans cesse à penser le contraire. Ce personnage n’a pourtant pas les gestes inconsidérés que pouvait avoir, par exemple, Adam Sandler dans PUNCH-DRUNK LOVE. Ce qui était de l’ordre de l’inconscience chez Sandler devient complètement conscient chez Phoenix. Son vrai problème c’est son environnement immédiat. A plus de 30 ans, il habite encore chez ses parents. Un appartement un peu chiche, franchement pas ostentatoire pour 2 euros 37, mais qui a la grande qualité d’être douillet et réconfortant. Réconfortant dans le sens où c’est ici que se trouvent ses repères. Mais il n’est pas ici chez lui. Même sa chambre est investie (bien que sa porte soit fermée, sa mère écoute derrière). Il ne peut même pas s’y suicider, il est obligé d’aller faire cela dehors ! Bref, le cercle familial se définit en communauté et l’individu a des comptes à rendre. Ca sent le vieux jeu, la naphtaline et le conservatisme. Et notre Joaquin ne s’y épanouit pas, mais alors pas du tout. Dans ce cocon, les sentiments de l’individu ne sont pas régis par son désir, mais par ce qui est le mieux, par la tradition, ou par ce qui a été décidé (on l’oriente vers une femme, on décide à sa place de son avenir professionnel etc.) Le « on » dans ce qu’il a de plus neutre. Le « on » qui traverse la vie sans savoir s’il est possessif ou indéfini. Dans ce cas-là, nous comprenons bien tout le mal qu’il éprouve à parler de choses personnelles à ses parents, à se confier. La seule fois qu’il le fait, c’est à sa mère, avant d’aller attendre Gwyneth Paltrow dans la cour. Elle semble pourtant le comprendre puisqu’elle ne souhaite que son bonheur. Peut-être la figure du père est-elle plus contraignante… Il n’empêche que son milieu l’écrase pendant qu’il rêve de s’élever socialement, qu’il rêve à toujours plus qu’il ne possède, qu’il rêve aux soirées où il serait entouré de danseuses topless sur le corps desquelles il dévalerait des lignes de poudreuse. Or, il va toucher à l’inaccessible. Gwyneth Paltrow le symbolise.

En cela, TWO LOVERS est un grand film social qui en dit bien plus que nos Ken Loach et Bertrand Tavernier (cinéastes que j’aime beaucoup par ailleurs) sur la manière dont certains subissent le conflit social, sans s’attarder à dénoncer démagogiquement. TWO LOVERS traite de leur démarcation, de leur rébellion, de leur résignation, de leur aveuglement, de leur soumission, de toutes ces formes de réaction qui définissent l’appartenance à un milieu, et, par-là même, sa propre définition. Dans la mise scène, James Gray utilise un procédé assez simple mais qui fonctionne à chaque fois. Il fait de la hiérarchie un visuel qui correspond à la géométrie qu’elle caractérise. Ainsi, nous pouvons noter que Gwyneth Paltrow, dans l’immeuble, possède un appartement à un étage supérieur à celui de Joaquin Phoenix. De ce fait, quand ils se parlent à travers leurs fenêtres respectives, il est toujours placé selon un angle de vue inférieur à elle (James Gray n’oubliant cependant pas de montrer Gwyneth Paltrow derrière des barreaux pour rééquilibrer les deux amants). Autre exemple, lorsque Gwyneth Paltrow, Joaquin Phoenix et Elias Koteas ont rendez-vous pour déjeuner ensemble, il est très judicieux de se demander pourquoi Gray fait arriver Joaquin Phoenix en avance… Ces petites touches s’appuient toujours sur des états intérieurs. Toute la mise en scène de James Gray s’effectue sur le même mode. Il souhaite s’approcher au plus près de ce que ressentent ses personnages, essayer d’expliquer des états d’une manière non verbale. C’est ainsi que les couleurs sont déterminantes (elles expriment un certain côté fané, tristement mélancolique, dans la maison des parents, les lumières de la première scène sont tout simplement à tomber, d’ailleurs Joaquin…), les sons participent toujours d’une ambiance (James Gray utilise souvent un procédé qui permet d’embrouiller l’esprit de ses personnages, comme s’ils manquaient de recul : il fait jouer un fond sonore perpétuel. Parfois c’est la radio, parfois c’est le bruit des gens autour etc. Et, à la fin, lorsque tout est censé s’éclairer pour Joaquin Phoenix, lorsque son avenir devient clair pour lui, il revient chez ses parents, une réception y est donnée et il va s’asseoir à côté de Vinessa Shaw. James Gray coupe les bruits de la soirée, la bande son ne comporte alors plus que les voix de Joaquin Phoenix et de Vinessa Shaw. Voilà comment on crée la magie et le luxe) et le rythme s’écoule selon un tempo très langoureux, traduction extrêmement sensible du velours sentimental.

Nous avons eu plus de mal avec la fin du film et ce qu’elle implique. Pas en ce qui concerne ce qu’il se passe avec Gwyneth Paltrow ; tout est sous-tendu par un revirement annoncé si bien que la surprise est feinte. On craint le pire et il arrive. Heureusement, avons-nous même envie de dire. Non, ce qui pose plus de problèmes c’est le retour de Joaquin Phoenix dans la cellule familiale, la croix qu’il tire sur ses rêves, ses ambitions et la possible sortie en laquelle il a voulu croire. C’est la raison qui l’emporte sur l’amour. C’est la victoire du morne sur le passionnel. La négation de soi-même en tant qu’entité indépendante et non assujettie à des troupes de pression. C’est la tristesse et le renoncement à toute forme d’espoir. La morale conservatrice des parents l’emporte alors que nous avons passé le film aux côtés de Joaquin Phoenix, peinant à trouver le bout du tunnel. Personne n’échappe à son milieu. Ghetto cinématographique. Avec la blonde c’était la vue panoramique, les discussions sur le toit de l’immeuble ; avec la brune c’est l’amour dans le lit en position papa-maman. Avec la blonde c’est les soirées en boîte à faire du break-dance ; avec la brune on passera Noël en famille et on aura une paire de gants en cadeau. « Chacun sa mafia, chacun sa millefa » comme disaient les poètes qui niquaient leur maman.

Grâce à un flou quasiment hitchcockien, James Gray arrive à nous captiver du début à la fin, et même si nous savons que beaucoup de choses vont avoir lieu, il arrive toujours à détourner notre attention pour délivrer un regard plus précis sur un des multiples thèmes que TWO LOVERS aborde. En ce sens, au fur et à mesure que le film se dévoile, cet inaccomplissement tant demandé frustre et excite à la fois. Si bien que le film ne diffuse sa fabuleuse aura qu’une fois la pellicule arrivée en bout de course, et que le temps fait son affaire, nous permettant de ressasser les thèmes, la mécanique d’une précision implacable et la grandeur d’une histoire simple qui a su nous être contée avec magnificence. C’est un joli pied de nez que James Gray adresse à tous ces producteurs qui croient toujours qu’un film se fait sur une histoire. TWO LOVERS dément cette théorie en deux coups de cuillères de Nutella plus les quelques minutes nécessaires à leur dégustation. Car, qu’y a-t-il de plus vu et revu que cette histoire de Sandra qui aime Leonard, qui la considère comme une amie, qui aime Michelle, qui le considère comme un frère ? Eh oui, il est encore possible de raconter ce qui l’a déjà été, et maintes fois, la différence restera toujours ce que vous en faites. Pas l’con.

            Joaquin Phoenix a déclaré après ce film qu’il arrêtait sa carrière de comédien. Beaucoup de fans pleurent encore. Qu’ils se rassurent, avec un nom comme le sien, il est forcément destiné à renaître de ses cendres.

            Titre aussi subtil qu’une blague de Christophe Dechavanne, à ne pas prendre comme un hommage à la double pénétration mais plutôt comme une déclaration d’amour à ascendant footballistique qui permet d’envisager le tacle, le dribble, le passement de jambes ou encore le tir de péno comme des pirouettes stylistiques d’un Kâma Sûtra réinventé.

Glorification des sens en alerte et haut rendement d’une béatitude retrouvée. Moi qui ne suis qu’amour, qui dispense le bonheur dans les chaumières et qui convertis les âmes à la paix. Je vis amour, je pense amour, je vibre amour, je milite amour, je ris amour, je jardine amour, je galope amour, je torture amour, j’éternue amour… A la source de tant d’arcs-en-ciel et de visages illuminés par la joie de vivre, un spectacle qui se tient au Ciné 13 Théâtre jusqu’au 13 décembre 2008 : « La confession d’une jeune fille ». Sara Forestier est l’unique interprète de ce texte d’un auteur dont il serait trop facile de faire un jeu de mots avec son nom de famille. Par contre, Sara Forestier adore BRICE DE NICE et comme le « h » de son prénom ne servait à rien, elle a décidé de le supprimer. En tout cas, c’est la seule explication que je trouve plausible.

Sara Forestier, rappelez-vous, c’est elle qui donnait des coups en dessous de la syntaxe dans L’ESQUIVE. Je l’adore depuis. Tiens, comme c’est original ! Ensuite elle m’avait complètement troublé chez Blier, et puis personne ne m’avait autant ému en chantant à l’écran, comme elle le faisait dans HELL. Depuis je compte les jours. Elle n’en sort plus de ma mémoire. Ni la nuit ni le jour. Elle danse derrière les brouillards. Et moi je cherche et je cours…

Parce qu’il n’y a pas d’amour sans histoires, je me suis donc rendu au Ciné 13 Théâtre pour détriper le dossier.

Quel moment ! Le genre qu’Alzheimer ne peut même pas effacer. Un spectacle d’amour, sur l’amour, avec une comédienne que l’on aime. La légèreté et l’insouciance du jour nouveau, bercé par le doux gazouillis de ces splendides oiseaux que nous mangerons avec appétit dès que la chasse sera ou verte ou bleue ou tirée.

Petit délice du temps qui s’écoule lentement dans une pénombre chuchotée, recouverte d’un velours intime qui vous caresse tendrement et vient vous envelopper le cœur au son d’une élégiaque mélopée. La mise en scène prend son temps. C’est agréable... Parfois... Les préliminaires… En accord avec le texte, elle nous dévoile la jeune fille par paliers. Les moments de silence sont des appropriations du temps, de l’espace, du public, de soi-même. Des abandons. La jeune fille se perd dans un continuum espace-temps qui se dérègle au rythme de ses interventions. La jeune fille n’a plus de corps. Elle erre dans un espace abstrait qui appartient à notre symbolisme collectif.

Elle devient l’essence du texte : un mythe.

L’amour plane sur scène. C’est un jeu de balle. Un coup elle le lance au public. Un coup celui-ci le lui renvoie. Communion télépathique. Envoûtement d’une étrange mise en scène qui partitionne la jeune fille. Le jour et la nuit. Docteur Jekyll et mister Hyde. Le décor et l’envers. Boule et Bill. Le texte : partie qui exulte. Les mots sortent d’une bouche. Ils sont le reflet d’une pensée, ils expriment une entité. C’est la partie apparente de l’iceberg. C’est la jeune fille telle que les autres la voient, telle qu’elle se comporte, dans ce que son enveloppe corporelle a de plus factuel. Entre : des parenthèses où surgit sa volonté d’être, ses désirs, ce qu’elle ne peut réprimer, la jeune fille qui se cache, le monstre aux allures angéliques. Ce sont les meilleurs moments de la pièce. Souvent ils sont accompagnés de musiques qui renforcent la figure de style. Ce qui aboutit à un moment exceptionnel, un épisode sublime et vigoureusement désespéré, un instant beau et triste, triste et beau, beau parce que triste, triste mais beau, beau avant d’être triste, triste sans oublier d’être beau, beau comme triste et tristement beau : Sara Forestier écrit sur le mur du fond avec une craie, le tout ritualisé et galvanisé par la chanson des Rolling Stones : « Sympathy for the devil ». C’est du rythme, c’est de la poésie, c’est de la rage, c’est de la sublimation, c’est du vertige, c’est de l’amour.

Le texte de Marcel Proust, lui, a beaucoup plus de mal à s’imposer. Chose qui n’arrive jamais à la jeune mariée. Sara Forestier surarticule dans un respect de Proust (et non pas du texte) qui confine au religieux. Le sacré, cet ennemi du théâtre classique ! Ce qui nous éloigne petit à petit de la situation, puis des enjeux, et enfin du personnage. Une piqûre d’aiguille qui ne distille pas son vaccin. Le texte se noie dans un refrain routinier où l’on attend la fin de la phrase pour ne plus se souvenir de son commencement. La mise en scène se demande quel est l’état de la jeune fille, pas l’image qu’elle revêt. L’affliction est un état de réalité. La forme de l’affliction est un état de théâtralité. C’est ce qui distancie la télé-réalité du documentaire. Demandez-vous pourquoi, très vite, les producteurs de ces émissions en sont venus à les scénariser… Et l’aura de cette mise en scène signée Patrick Mille (bien meilleur comédien) est au diapason de cette orchestration juste mais uniquement fonctionnelle. Une chaise est le seul élément de décor. Dans l’intention, la seule note qui nous parvient est la nécessité de trouver une logique au fait que Sara Forestier se lève et fasse des choses pour éviter de rester assise et d’engoncer la mise en scène dans un dispositif statique synonyme d’ennui. Peu de saillies. Hmmm… (Clin d’œil autoroutier).

Mais Sara Forestier est une perle. Ah bon ? Sa mère c’est une huître ? Pour sa mère, je ne sais pas, mais son père doit sûrement être fabriquant de biscottes parce qu’elle est trop craquante ! (A mon avis, je vais sûrement l’emballer si je lui dis ça.) Dans « La confession d’une jeune fille » elle est incandescente, vibrante, flamboyante, volontaire, audacieuse, hardie (ah non, ça c’est Françoise), physique, fougueuse, intense, fière, belle… Bref, elle est amour. Comment vous dire ce qu’elle représente pour moi avec mes mots à moi qui sont miens ? Disons que la courbe de ses yeux fait le tour de mon cœur. Comment ça c’est de Paul Eluard ? Comme quoi, les grands esprits…

            Le nouveau film des frères Coen est aussi un inestimable hommage à l’amour. L’amour de l’insipide, du vide, de la vaine débauche d’énergie, du raté, de la lobotomie. Et c’est formidable ! C’est formidable à quel point ils persévèrent et continuent à croire que leurs films passeront l’effet de mode. Escroquerie des temps modernes.

C’est avec gourmandise et sous des dehors de jeune adolescent tout fraîchement tourmenté par les joies du premier baiser que je me suis jeté sur BURN AFTER READING. Je venais en effet de revoir NO COUNTRY FOR OLD MEN qui m’avait de nouveau enchanté et empli d’une incommensurable envie de jeter des pétales de roses et de crier mon bonheur au monde entier. Déraisonnable. Croire que les frères Coen ont finalement changé et retrouvé leurs facultés intellectuelles c’est comme changer de transat sur le Titanic : t’as beau aller à l’autre bout du bateau, de toute façon, l’issue sera la même. Ils sont donc repartis avec les mêmes travers qui continuent à faire d’eux des cinéastes surcotés que nous sommes obligés de supporter et d’aimer sans commune mesure.

BURN AFTER READING ne sert à rien. Comme ils sont habitués à le faire, les frères Coen mettent l’accent sur des personnages extrêmement découpés et peinturlurés. Et c’est un festival ! Vous ne pouvez qu’adorer, roucouler, jubiler et terminer dans une extase totale au son d’un climax simulé.

Voilà ce que sont les films des frères Coen : des orgasmes feints.

Leurs films vous laissent toujours vous attendre au meilleur, à la bijouterie de luxe, aux week-ends cinq étoiles, aux amis milliardaires qui vous prêtent leur jet privé pour partir en vacances, mais ils finissent inévitablement par révéler ce qui se cache derrière cette peinture en plaqué que vous aviez prise pour de l’or. Les frères Coen ou la grande cérémonie du toc enchanté.

BURN AFTER READING n’échappe pas à la règle. Ce film n’est qu’un étalage de viandes plus ou moins grasses, un défilé d’invendus recyclés selon un mode comique parfois très grand guignol, une vente à la criée qui vous fait passer pour le plus grand des ringards si vous n’y participez pas. Un film pour comédiens, donc. Placid Coen et Muzo Coen s’amusent ainsi à développer toute une galerie de personnages pittoresques censés amuser le touriste. Et c’est parti pour 96 minutes de cabotinage effréné qui ferait passer LE TROUBLE-FESSES, N’OUBLIE PAS TON PERE AU VESTIAIRE… ou LE MILLE-PATTES FAIT DES CLAQUETTES pour des œuvres fondatrices de l’art dramatique. Grand gagnant du désastre : George Clooney, qui n’y va pas avec le dos de la main morte et patatonne comme il savait déjà si bien le faire dans O BROTHER, WHERE ART THOU ? Dans ce Barnum cinématographique, seul Richard Jenkins respecte l’intégrité de son personnage, et Tilda Swinton ne s’en sort pas trop mal mine de rien.

Niveau confection, il faut dire que nous étions en droit de nous attendre à mieux tant NO COUNTRY FOR OLD MEN était soigné, calibré, millimétré, aux petits oignons. Tout d’abord, le scénario ne les intéresse pas. Il n’est qu’un prétexte évident pour faire s’exhiber leurs grands caractères qui cherchent tous une singularité physique. Encore une fois, cela n’a qu’un seul but : démarquer les personnages par des signes visuels forts. Points de rencontre avec l’histoire : aucun. S’ils nous racontent un début de trame narrative, les frères Coen se trouvent vite complexés par cet élément qui les encombre et essaie de s’en débarrasser. Cela ressemble à du McGuffin comme Hitchcock savait si bien l’utiliser. Mais dans ses films, lorsqu’il s’évanouissait, il faisait à place à un vrai sujet qui trouvait sa résolution à la fin. Dans BURN AFTER READING, non seulement il ne cède pas sa place, mais en plus il a l’effet frustrant d’un coitus interruptus. Les déambulations des personnages deviennent de plus en plus centrales, elles ne font jamais progresser le sujet, jusqu’à l’écarter définitivement dans une conclusion qui nous apprend que nous n’avons rien appris ! C’est quand même un comble. Et en même temps, c’est tellement charmant cette propre dénégation de leur film par les deux réalisateurs. Je me suis même demandé pourquoi ils ne se sont pas filmés directement, le cigare au bout des lèvres, rigolant face à la caméra et lançant bien à votre face : « On les a bien eus, vos 8 euros 60 ! »

Et le film continue son petit bonhomme de chemin, tout pépère qu’il est, très satisfait de voir comment ces personnages vont évoluer lorsqu’ils vont se rencontrer. Mais aucune idée de mise en scène. Les frères Coen sont retournés à leur maison de retraite où ils ont monté un atelier vidéo et où ils font participer d’autres résidents. Ils rigolent bien entre eux pendant que nous attendons qu’ils retrouvent le niveau de leur précédent film. On peut toujours rêver et croire que si les abeilles étaient des moustiques elles ramèneraient du sang à la ruche et la reine ferait du boudin.

            Dans la famille Gucci Baby, il reste encore des survivants. J’en veux pour preuve CZTERY NOCE Z ANNA de Jerzy Skolimowski et IL DIVO de Paolo Sorrentino qui sortira le 31 décembre 2008.

Le film de Skolimowski, lui, est déjà dans les salles depuis le 05 novembre. A ce qu’il paraît, Skolimowski est un géant du cinéma qui a surtout officié dans les années 60 et 70. Malheureusement, je n’ai vu que ses plus mauvais films, ses deux derniers : TORRENTS OF SPRING et FERDYDURKE qui datent respectivement de 1989 et 1993. A priori normal qu’ils ne m’aient relayé ni amour ni soleil intérieur. Ses grands chefs-d’œuvre seraient WALKOWER et DEEP END (à ne pas confondre avec le magnifique THE DEEP END des deux performers que sont Scott McGehee et David Siegel, trop peu encensés par la critique qui manque une fois de plus à tous ses devoirs d’amour et de respect en conformité avec la Déclaration des Droits du Cinéma).

Mardi dernier, je me rue à la découverte de ce film, avant sa deuxième semaine d’exploitation qui me fait craindre sa disparition totale. Renseignements pris aujourd’hui, il reste encore à l’affiche dans quatre salles de notre capitale dont les rues embaument l’amour et la philanthropie. Je n’ose regarder le nombre total de copies pour la France entière ! En tout cas, dépêchez-vous si vous aimez le cinéma car CZTERY NOCE Z ANNA est un film magnifique avec de l’amour dedans, du vrai.

C’est filmé en numérique et pourtant ce n’est pas dégueulasse. La photographie est résolument tournée vers l’intransigeance de la campagne polonaise. Elle rend tout l’inconfort d’une atmosphère froide et humide.

C’est poisseux jusqu’à garder sa parka sur son vieux siège couleur menthe à l’eau croupie, comme disait celui qui baillait en chantant.

Parce que je ne vous ai pas dit, mais pour une pareille occasion, je me suis payé le luxe d’aller partager mon amour et toute ma gaieté de cœur dans une salle que je n’avais encore jamais visitée : le Bienvenue Montparnasse. Je n’aurais pas pu trouver mieux. Vieille salle des années 70. Un drôle de caissier d’un autre temps, d’un autre pays et qui fait des blagues apparemment très drôles si on les comprend. Sièges marrons. Devant l’écran, un rideau rouge que l’on ouvre avant la projection. Pas de bandes annonces. Atmosphère moutonnée. Moquettes de bon aloi. La lumière qui surgit sur l’écran dès que quelqu’un ouvre les portes du fond. Vu leur âge, des personnes qui n’ont jamais dû quitter leur siège (elles resteront encore après le générique et même après que j’eus pris tout mon temps pour quitter les lieux !) Bref, du bon vieux kitsch qui vous passe du baume là où ça fait du bien.

Parler de CZTERY NOCE Z ANNA est assez difficile tant il brasse énormément de thèmes et d’idées. Dans son for intérieur, il se vit avec beaucoup de lenteur jusqu’à ce que chaque séquence atteigne son but, mais étrangement rapidement si l’on accompagne les divers personnages et tout ce à quoi ils sont confrontés. En fait, le rythme est beaucoup plus rapide que nous pourrions le croire. Par contre, peu de mots viennent heurter l’action. Le film trouve ainsi une manière de respirer qu’il modifie lorsque les mots interviennent. De la concision dans une folie amoureuse qui ne durera seulement que quatre nuits. Et tous ces gestes, toutes ces émotions auxquelles Artur Steranko n’a habituellement pas droit et qu’il va vivre aux côtés d’une femme qui dort, c’est-à-dire qui n’est pas éveillé à l’homme qui la désire.

Des plans absolument magnifiques jalonnent le film. Une poésie goulûment disséminée, songeuse, triste, sincère, délicate. Un travail sur le son sublime dans ses saillies, surprenant dans son refus de s’aventurer au premier plan. Et des idées de mise en scène particulièrement régalicieuses.

Tout ce que l’amour a de plus dément, d’irraisonné, d’instable, de susceptible et de fulgurant.

Une mise en scène extraordinaire aussi pour IL DIVO qui a étrangement remporté cette année à Cannes le Prix du Jury. Alors là, c’est de la lave en fusion. Ca donne de la tête partout. Ca excelle dans les effets, dans le lyrisme, dans la direction d’acteurs, dans la beauté de la photographie. Son audace est un véritable affront à la plupart des films italiens actuels que je trouve trop consensuels. C’est une mer agitée qui déverse sur la plage de bruyantes vagues d’amour. C’est un clair de lune un soir de 14 juillet. C’est la salive de cette même nuit qui vient se mélanger à celle de l’aurore qui étreint désormais une nouvelle journée. Ce sont les flammes de l’Enfer qui font rigoler de douleur notre cher Nicolas Sarkozy. C’est plein de bonté. C’est intransigeant comme une rupture non voulue. Cela fait trembler. Cela détruit la carapace. Cela permet de renaître et de se retrouver comme neuf face aux sentiments les plus nobles. Voici les premières larmes retrouvées d’un être humain. Celles qui ont un effet purificateur. La langue vient lécher la joue pour récupérer ce liquide salé. Retour à l’envoyeur. La boucle est bouclée.

            Attention à EDEN LAKE ! Un film de James Watkins (qui avait signé le scénario du simplet MY LITTLE EYE) qui pourrait vous vider de tout votre amour tant le film le traque et élimine jusqu’à sa notion la plus basique.

L’histoire est assez simple. Un jeune couple d’amoureux très fort part faire un petit séjour à la roots. Petite plage reculée. Un groupe de jeunes adolescents viennent en squatter une parcelle. Musique forte et chienne qui aboie. Le mâle du couple leur signifie de bien vouloir baisser leur musique et de faire taire leur chienne qui effraie sa compagne. Insultes, provocations et sarcasmes de la part des jeunes qui sont vraiment de jeunes voyous pas bien élevés du tout alors que le mâle est bon à marier d’entrée de jeu. Lui se dit : « Pas cools ces jeunes ! » Et moi : « Pas cool ce scénariste ! » Finalement, comme cela n’est pas très grave, le couple décide tout de même de rester sur la plage. Le lendemain, tout ce petit monde se recroise. Les jeunes sont en vélo et le couple en 4X4. Le mâle décide de leur faire peur avec sa grosse voiture. Et puis pas la peine de s’excuser, tout cela n’est pas très grave finalement. Plus tard, comme l’animosité entre les deux clans n’est pas bien grave, le couple revient à la plage et part se baigner. Vu que l’ambiance est clairement estampillée « Intervilles ». Seulement, en revenant, le 4X4 a disparu. Damned ! Qu’à cela ne tienne, ce n’est pas très grave, il suffit d’aller discuter un peu avec ces jeunes, ils vont bien finir par rendre la voiture. Pas con ! Fallait y penser. Ah oui, mais en fait non. Ils ne veulent pas la rendre. La tension monte. Un jeune con sort un couteau. Le chien s’approche un peu trop près. C’est l’accident. Bof, ce n’est pas très grave. Ils n’ont qu’à rendre les clés du 4X4 et on fera comme si rien ne s’était passé. Oui, mais non. Contre toute attente ils préfèrent séquestrer le mâle. La jeune femme fuit, et puis, finalement, elle réfléchit à tout cela et se dit que ce n’est pas très grave. Elle n’a qu’à retourner chercher son mâle, donner un peu d’amour et de chaleur humaine à ces jeunes qui en manquent cruellement et tout rentrera dans l’ordre. Puisque ce n’est pas très grave, au fond. Bon, jusque là faut vraiment que le scénariste m’explique son échelle de gravité… Après, c’est encore pire. Le mâle se fait immoler. Alors qu’il est attaché avec son amoureuse, celle-ci arrive pourtant à s’enfuir sans se faire brûler ! Finalement ce n’est pas le scénariste le plus con, ce sont les spectateurs qui pourraient y croire. Et à la toute fin, Kelly Reilly tombera dans une soirée où se sont réunis tous les parents des jeunes voyous. Parents et enfants ont les mêmes attitudes et les mêmes ressemblances physiques, là vous pouvez y aller c’est tendrement irrésistible. Bon, allez je vous le dis, Kelly Reilly meurt et le film se termine. Ni plus ni moins. Du travail bâclé. De belles scènes de torture mais absolument malsaines tant elles sont purement racoleuses (la preuve en est qu’à l’heure actuelle la seule manière de choquer dans le gore est d’aller toujours plus loin dans la torture) car non accompagnées par la moindre idée cinématographique. Mais finalement, tout ceci n’est pas bien grave.

            Bien plus graves, les problèmes ophtalmologiques des producteurs de VILAINE. Moi qui ne suis qu’amour, je me dois de répandre le bien autour de moi et de leur dire ce que personne n’a osé leur dire jusqu’à présent : il faut impérativement acheter des lunettes, les gars ! Non seulement cela vous permettra de voir comment font les autres pour faire de bons films, mais, en plus, vous vous apercevrez que vous avez commis une erreur impardonnable sur VILAINE. En effet, votre film est basé sur l’idée que Marilou Berry est moche et c’est pour cela (entre autres, puisqu’il y a aussi le fait qu’elle soit trop gentille) que sa vie a pris une tournure si désastreuse lorsque débute le film. C’est notamment pour cela qu’elle n’a pas d’homme dans sa vie, par exemple. Et c’est là où il va falloir nettoyer vos doubles foyers, vous apercevoir de votre erreur et me faire et bon gros bisou avec barbe de trois jours en signe de reconnaissance éternelle. Marilou Berry n’est pas moche ! Elle est grosse. Il y a une différence de taille (si j’ose m’exprimer ainsi !) Regardez-la bien. Je ne vous demande pas de la trouver jolie mais juste de vous apercevoir qu’elle n’est pas laide comme le veut le concept du film. VILAINE ne peut décemment pas fonctionner et ce, dès son postulat de départ. Seulement voilà, au cinéma, vous ne pouvez pas vous permettre un premier rôle qui n’a pas une plastique un temps soit peu regardable. Et encore une fois vous vous trompez. Fernandel était une star il n’y a pas si longtemps (que je t’aime). Regardez avec vos nouvelles lunettes les films de Carlos Reygadas. Regardez SLEEPWALKER de Johannes Runeborg. Regardez CZTERY NOCE Z ANNA dont nous venons de parler plus haut. Prenez exemple sur la série « Freaks and geeks ». Si Marilou Berry est la seule redneck que le cinéma français a à nous offrir, alors la chair est triste. D’autant que si l’on veut trouver une jeune fille qui colle au personnage rien de plus simple puisqu’il n’y a pas à chercher bien, on peut en trouver une dans ce même film ! Joséphine de Meaux qui, elle, n’a vraiment pas un physique facile, aurait dû tenir ce rôle. Avec son physique discourtois, elle est totalement ce que le personnage de Marilou Berry a de repoussant.

Et comme si votre myopie galopante ne suffisait pas, vous avez l’outrecuidance de nous narguer en enlaidissant Marilou Berry (coiffure de bas étage, cheveux gras, grimaces…) et en essayant de rendre Joséphine de Meaux plus belle qu’elle n’est. Passage obligatoire puisqu’elle fait partie d’un groupe de trois r’ n’ bitches aussi insupportables les unes que les autres.

On ne peut alors comprendre ces choix que par une politique de rentabilité qui, loin de ne pas devoir être prise en compte, nuît cette fois-ci considérablement au film.

A part cela, j’aimerais tellement pouvoir prêcher la bonne parole et vous livrer un rendu du film à l’image de la bonté qui parcourt mon être, mais VILAINE n’est qu’une comédie de plus, ponctuée de gags souvent lourds, parfois – rarement – une ou deux fois (rayer les mentions inutiles) drôles, aux événements téléphonés et au principe narratif plus que naïf. Le film nous raconte l’histoire d’une fille trop gentille, mais surtout complètement en dehors de toute réalité puisque son vrai problème est de se laisser exploiter par chaque personne qu’elle fréquente. Disons plutôt qu’elle est faible. Comme elle en a marre, elle va devenir son contraire : elle va décider de faire le mal autour d’elle. Et alors là tenez vous mieux parce qu’elle va aller très loin dans le cruel, le méchant et le vilain pas beau : elle va arracher les dernières pages des polars ! Alors là, s’il y a vraiment un truc vraiment pourri, c’est bien connu, c’est les gens qui font cela, à tel point qu’il serait temps d’envisager la restauration de la peine de mort pour ces sans cœur.

En soi, nous pourrions trouver le leitmotiv plutôt intéressant s’il ne s’engonçait dans un humour primaire et simplet, et qu’il s’additionnait plutôt au sujet du film pour donner ce qu’il prédisait, à savoir une comédie noire, grinçante, qui met mal à l’aise, qui choque, qui soit à la fois sombre et cruelle.

Parce que la cruauté existe.

C’est l’épisode du chat que Marilou décide de mettre vivant dans une poubelle. Pourquoi pas. Mais elle le ressort un peu plus tard pour définitivement l’adopter, et retourner la noirceur dans une sorte de consensuel, de politiquement correct qui ne heurtera personne.

De plus, tous les personnages sont hypercaricaturaux. Par exemple, nous entendons très vite parler d’une inspectrice du travail et lorsque celle-ci débarque dans le film elle est extrêmement fidèle à l’image que nous pourrions avoir d’une telle femme dans un tel film alors qu’aucun indice sur sa personnalité n’aura été dévoilé. Mais il faut être juste et avouer que certains comédiens sont plutôt bien dirigés dans ces clichés ambulants. D’habitude, je n’aime vraiment pas Frédérique Bel qui a toujours un jeu complexé et lilliputien, mais je dois dire qu’elle est ici flamboyante. Bimbo au panache éclatant, à la fois ridicule et jouissivement arrogante, constamment sur la défensive agressive, imbue d’elle-même et imposante dans sa méchanceté. J’ai remarqué qu’elle développe son jeu quand elle sort sa voix. Joséphine de Meaux est aussi très très drôle quand elle n'en fait pas des tonnes (ce qui est le style de jeu général du film) mais, encore une fois, dommage que l’inconsistance de son rôle la limite dans ses réactions. Un cœur.

Je n’osais pas le dire dès le début, mais c’est qu’ils s’y sont mis à deux pour parvenir à leurs fins ! Et les coupables sont Jean-Pierre Benes et Allan Mauduit. Le premier soulève le poil et le second arrache la peau. « J’vais te mettre une première couche avant de t’en mettre une deuxième ! » comme disait Marcel Desailly au joueur adversaire qui voulait pénétrer dans l’axe.