Depuis sa reconversion, Sylvester Stallone s’est surtout illustré dans le pire (DRIVEN, CLIFFHANGER…) et plus rarement dans le meilleur (COP LAND). Dans SHADE, il tape dans le juste milieu en continuant à nous gratifier d’une prestation sobre et efficace. L’aura du comédien servant parfaitement le personnage, sa composition vient confirmer son talent, qui n’a jamais été et ne sera jamais exceptionnel, mais qui est surtout très éloigné des mauvaises critiques qui le poursuivent. Mauvais, il l’a sûrement été dans quelques films, car mal dirigé. L’indigence de ces films et de mauvais choix de carrière ont bâti cette réputation qu’il ne mérite pas. Nous parlons tout de même de RAMBO ! Un film qui a marqué toute une époque par le débat sur la violence qu’il a lancé. Il est un peu à part puisqu’il est le seul qu’il faut sauver de toute la filmographie de Ted Kotcheff. Même si sa mise en scène n’a rien de particulièrement brillant, elle serre le propos par sa concentration minimaliste sur l’histoire, par son exploitation de la violence sous un angle très brutal et surtout par sa direction d’acteurs irréprochable. Brian Dennehy y est à son summum ! Ce film fonctionne encore aujourd’hui car il est axé non pas sur ces effets stylistiques, mais sur la véritable déchirure qui fait de John Rambo un personnage qui cherche à se reconstruire intérieurement. Il n’a jamais été aussi bien exploité que dans ce premier volet et c’est en grande partie pour cela que les deux suivants sont aussi médiocres. Le symbolisme médiatique a eu raison du concept artistique. Pourquoi Georges Moustaki n’a-t-il donc jamais été un symbole ?

Pour en revenir à Sylvester Stallone, c’est une assez grande joie de le retrouver dans le petit film qu’est SHADE. Mélanie Griffith espère aussi y faire un come-back qui relancerait sa carrière, mais elle ne s’en donne pas vraiment les moyens. Ce n’est de toute façon pas une actrice pour grands rôles. Elle ne nous a convaincus qu’une seule fois et c’était dans SOMETHING WILD. Elle y était éblouissante mais je doute qu’elle retrouve jamais pareil rôle.

SHADE est un film qui joue à cache-cache tout seul. Il est malhonnête et méprise son public secrètement. Tout pourrait très bien tenir debout si ce qu’il nous montre s’avérait être ce qui se joue entre les protagonistes de l’histoire. Mais ça ne l’est pas. La vraie fin, écrite uniquement pour prendre le spectateur à contre-pied, ne le surprend que par la superposition de niveaux de lecture, qui l’exclut donc sans véritable raison. Quand il y a un véritable mystère, comme dans THE USUAL SUSPECTS, le procédé est efficace. Dans SHADE il est d’autant plus inutile qu’il ne tient pas la route dès la seconde vision du film. Les réactions de certains personnages ne sont plus cohérentes et ne sont convenues que pour se lire dans un seul sens, celui destiné à tromper le spectateur.

C’est dans le même esprit que l’on peut s’affliger que SHADE soit un peu trop bavard. Car il signale constamment des faits que la réalisation ou certains silences seraient plus à même de renforcer. Manque de talent par manque de confiance au public. Le public a 4 ans ! Certes. Mais ne comprend-on pas déjà beaucoup de choses à cet âge-là ? Georges Moustaki était un mauvais exemple à cet âge-là.

            Dans les sorties de la semaine dernière, il me fallait choisir entre le Kerrigan, le Miike ou le Fontaine. Parti pour voir la dernière petite perversion japonaise, le classicisme français a eu raison de moi. Un film français ? Au cinéma ? Je sais, il me prend parfois des accès de démence passagère où je commets les actes les plus fous, allant même jusqu’à traverser en dehors des passages piétons en cas de crise aiguë. Ce jour-là, je me jetai entre les mains d’ENTRE SES MAINS. Surtout pour le charme d’Isabelle Carré, vue à Avignon cet été et relatée dans un précédent article. Fidèle à elle-même, elle se fait délicate et sensible avec des accents maternels qui résonnent par la justesse des approximations et des doutes qui composent son personnage. Dès les premières images, c’est donc un plaisir énorme que nous avons à la retrouver en compagnie de Benoît Poelvoorde. Acteur exceptionnel lui aussi, je ne serai pas aussi dithyrambique à son égard que la presse a bien voulu l’écrire. Effectivement, si on le compare aux différentes prestations dont il a l’habitude de nous délecter, il cesse les délires extravagants au profit d’une sincérité plus ascétique. Même s’il faut saluer sa justesse, il est exagéré de le porter au pinacle. On voit d’ailleurs toutes ses limites lorsqu’il doit assumer les troubles mentaux de son personnage et notamment les jours de crise. Il reste ancré dans une seule couleur qui affaiblit ses tourments intérieurs. Isabelle Carré nuance beaucoup plus les différents niveaux sur lesquels jouent son trouble et ses tâtonnements constants. Ce contraste entre eux deux vient principalement d’une disproportion flagrante entre les deux personnages. Celui d’Isabelle Carré est plus développé.

Anne Fontaine ne s’entend qu’à filmer le parcours d’Isabelle Carré. Celui de son partenaire masculin l’intéresse beaucoup moins, et ce pour une mauvaise raison. Elle cherche en effet à poser un point d’interrogation sur Benoît Poelvoorde. Serait-il ou non ce fameux serial killer qui sévit dans la ville de Lille ? Les différents indices qui jalonnent le film nous apportent très vite une réponse positive qu’elle ne viendra confirmer que bien trop tard. Inutile. Pourtant, à partir du moment où cette faille est révélée, on se met à penser que nous allons pouvoir suivre le serial killer et en apprendre un peu plus sur ce personnage bien étrange. Mais là encore, elle préfère se concentrer sur Isabelle Carré et ne nous donne qu’une vague explication sur les origines violentes de Poelvoorde, qui viennent (bien évidemment) de son enfance et plus particulièrement de son père. Tout ce qu’il ne faut pas faire ! Je hais tous ces films qui se permettent d’expliquer les causes des actes d’un quelconque tueur, en 30 secondes et 3 phrases et demie. Nous sommes dans des sphères plus complexes et un petit coup de baguette freudienne ne permet pas de dénouer tout cela de manière aussi claire.

Pour moi, nous sommes ici dans une différence fondamentale qui oppose le cinéma féminin du cinéma masculin. Ou plutôt du cinéma fait par des femmes au cinéma fait par des hommes. Anne Fontaine ne sait pas parler des hommes, c’est pour cela que Benoît Poelvoorde (pourtant plus riche) l’intéresse moins qu’Isabelle Carré. Toutes les subtilités de la psychologie masculine (si, si, il y en a ! Georges Moustaki est un mauvais exemple) n’ont jamais été révélées, étudiées ou alimentées par une quelconque réalisatrice. Au contraire, Ingmar Bergman est l’un des rares cinéastes masculins à parler des femmes comme personne ne sait le faire. On pense souvent qu’il a tout compris aux femmes. Georges Moustaki est encore un mauvais exemple. 

Dès le début du film, l’histoire part sur des pistes qui laissent envisager une histoire d’amour d’une facture peut-être académique, mais qui en fait la meilleure partie du film. La rencontre entre les deux comédiens est le moment le plus émouvant du film. C’est bien écrit, très fin, la découverte des personnages est délicieuse par leur singularité et l’on se laisse prendre par ce qui se trame sous nos yeux. Il vaut parfois mieux raconter des histoires qui ont déjà été traitées. La banalité est notre quotidien. L’originalité compense l’exceptionnel.

            Let’s talk about sex. 

            L’adolescent lubrique que j’ai été se serait sûrement repus du dernier film de John Waters : A DIRTY SHAME. On y parle sexe, on y pense sexe, on y rêve sexe, et tout le monde fait du sexe une sorte de demi-dieu en vertu duquel il est nécessaire d’accomplir nombre de glorifications.

Cinéaste de l’excès, John Waters réalise des films pornographiques depuis un long moment. Dans ses films les gens n’ont qu’une seule et même idée en tête. Ils en sont comme obsédés. Et tout se déroule selon leur logique dans une absurdité qui rend le quotidien plus insolite et plus agréable. Il nous parle enfin de la libre expression de nos désirs profonds, qui sont habituellement refoulés du fait de nos liens sociaux.

Je crois fermement qu’il existe deux personnes en nous (c’est notamment pour cela que je parle souvent de moi à la première personne du pluriel sur ce blog). Celle que l’on pourrait associer au concept du moi freudien est aussi celle qui se révèle lorsqu’un coup violent vient frapper (le vilain cliché !) chaque personne à la tête dans A DIRTY SHAME. Le changement est radical et la personne n’est plus conditionnée que par une seule idée : du sexe, du sexe, du sexe !!! Encore une racine commune avec le bon Sigmund : tout est sexe. Nous sommes bien évidemment ravis de ces déchaînements libidineux et irrévérencieux envers toute une majorité de la population américaine que le cinéaste ne cesse de provoquer à travers ses films. C’est pour cela que le cinéma de John Waters est aussi plaisant. Mais son extrémisme s’est pourtant fait plus discret depuis les années 90. Même si A DIRTY SHAME nous promet des moments de grande liberté existentielle, il manque la véritable audace qui n’en ferait pas un film engoncé dans un puritanisme qu’il dénonce. Pour parler autant de sexe, il n’en montre que très peu. A ce titre il faut saluer l’extraordinaire poitrine de la non moins érotique Selma Blair, l’actrice au potentiel sexuel le plus gargantuesque (Todd Solondz l’avait déjà compris dans le fascinant STORYTELLING). Voici un rôle parfait pour elle.

Suite à CECIL B. DEMENTED nous nous demandions si John Waters était encore aussi virulent qu’il avait pu l’être il y a quelques années. Le film était formidablement pauvre. Avec A DIRTY SHAME, il réalise un de ses films les plus perspicaces sur la société actuelle. Il grossit le trait pour en faire une farce dont le comique populaire est le plus a même de toucher le public visé. C’est un style que quasiment plus personne n’utilise et c’est aussi pour cela qu’il convient de continuer à saluer son travail.

Dans la seconde partie du film, la pudibonderie qu’arbore Selma Blair avec son tour de poitrine et sa robe de jeune fille prude est une expression de l’incorrection civile contemporaine, plongée dans un abîme de perdition. Il n’y a plus de juste milieu. C’est « baise-moi » ou « attache-moi ». C’est aussi dans ce sens que j’ai employé plus haut l’adjectif de « demi-dieu » pour parler du sexe. C’est la double lecture que l’on peut faire d'A DIRTY SHAME : film pornographique ou film religieux. Comme on peut le voir, c’est par la foi que les parents de Selma Blair essaient de faire en sorte que leur fille retrouve le normalisme de la société. Les excès de la religion passent alors comme une pornographie psychologique qui utilise les mêmes procédés que le demi-dieu du sexe. A-t-on vraiment envie d’entendre sa fille prononcer ces quelques mots : « Je suis une femme et mon bas-ventre est une cathédrale où l’on n’entre qu’à genoux » ? Heureusement, la pornographie n'est pas le sexe.

            Côté irrévérence, Brian de Palma se posait là au début de sa carrière. En 1968, il tournait GREETINGS. Aujourd’hui il est mondialement connu pour des chefs-d’œuvre tels que PHANTOM OF THE PARADISE ou CARLITO’S WAY, mais ce que l’on sait moins c’est que ses premiers films sont composés de comédies qui ne sont jamais sorties en France ! C’est une aberration. GREETINGS est insolent comme seuls l’ont été les films de cette époque. C’est impertinent, limite subversif et surtout très très drôle. Il était difficile de soupçonner cela chez de Palma au vu de la totalité de ses films sortis en France. Comme il est capable du meilleur comme du pire (MISSION TO MARS) on se demande vraiment pourquoi il n’est pas revenu à la comédie. Il est étonnant de voir que jusqu’à BODY DOUBLE, son parcours est parfait alors qu’il va commencer à se déliter avec WISE GUYS puis évoluer constamment sous forme de montagnes russes. Cela fait 12 ans qu’il n’a pas réalisé un bon film et nous attendons beaucoup du BLACK DAHLIA qui sortira l’année prochaine.

GREETINGS, lui, tient toutes ses promesses. De Palma y développe déjà certains thèmes qui vont devenir récurrents dans sa filmographie à venir. Et notamment le voyeurisme, qu’il a largement traité. Les références à Antonioni sont très explicites et le mystère autour de l’assassinat de John Fitzgerald Kennedy l’obsède déjà. Ces deux éléments seront associés et développés dans BLOW OUT. Mais le principal point de satisfaction est toutes les expérimentations stylistiques qu’il ose. Omniprésence de la musique, plans exagérément longs, liberté de ton, improvisation, restriction du champ de l’image, nudité etc. C’est ici qu’il exploite tout son talent à travers notamment une très forte influence de la Nouvelle Vague française. GREETINGS est particulièrement osé et ingénieux. Il semble qu’il y ait un élément que de Palma a perdu au cours des années et particulièrement au milieu des années 80 : le plaisir. Dans GREETINGS, la joie de faire du cinéma est palpable. C’est un émerveillement qui témoigne d’une sympathie exponentielle auprès du public.

Tout n’est que plaisir. Georges Moustaki est toujours un mauvais exemple.

            Les grands sentimentaux que nous sommes devront attendre une année pour se satisfaire d’une nouvelle programmation de « l’Etrange Festival ». La dernière session vient de fermer ses portes. Nous allons pouvoir fêter notre retour à la vie, reprendre nos activités lucratives, recommencer à attendre avec impatience le prochain Renny Harlin, jouer à cache-cache tous nus dans un champ de maïs, prendre des cours de wolof avec un Sénégalais, tenter une recette de cuisine à base de petits pois farcis, pérorer sur le résultat d’un éventuel combat entre un ninja contre 37 pygmées, et plein d’autres activités aussi passionnantes les unes que les autres mais qui n’égaleront jamais l’attrait qu’exerce « l’Etrange Festival » sur nous. Quoique les cours de wolof…

Nous resterons donc sur le dernier film des frères Quay et les dernières notes de YOKAI HYAKU MONOGATARI de Yasuda Kimiyoshi. Etrange film japonais datant de 1968 qui s’adresse à un public adulte mais qui se regarde avec des yeux d’enfant. Il y a là-dedans plein de monstres qui sont censés faire peur mais qui provoquent plus de rires que d’effroi, tant ils sont archaïques et naïfs. L’Eastmancolor de cette époque est toujours sublime à regarder mais les monstres manquent d’imagination de la part de leurs créateurs et l’on se croirait plus dans une chambre d’enfants remplie de peluches plutôt que dans une salle de cinéma. Il faut prendre cela comme un conte, une légende assez terrifiante au demeurant, mais qui a du mal à s’affranchir d’un humour pas vraiment indispensable et pas toujours de bon aloi, ainsi que d’un onirisme singulier. Un univers féerique peuplé d’étranges créatures, qui n’est pas sans rappeler MONSTERS, INC. D’ailleurs, être un grand sentimental n’est-ce pas rester un grand enfant ?

Nous attendions beaucoup de THE PIANO TUNER OF EARTHQUAKES de Stephen et Timothy Quay. Autant le dire tout de suite, ce n’est pas cette attente qui a créé un gouffre de déception par la distanciation de ces opposés. Le film est d’autant plus douloureux que l’on pouvait sortir de l’auditorium du Forum des Images en pensant que nous étions passés à trois fois rien d’un chef-d’œuvre. Il avait tout pour nous plaire, romantiques que nous sommes, puisque les frères ont réalisé un pur film sur la passion. La passion n’étant pas l’amour, c’est un sujet par conséquent plus intéressant à exploiter cinématographiquement. Bien que le film soit raté, presque tout y est réussi.

La lumière !!! Ils l’ont ici exploitée d’une manière divine. Elle est éblouissante, léchée, simple et semblant pénétrer tous les lieux de telle sorte qu’elle devient le décor. Les frères Quay ont repoussé certaines limites à ce niveau-là. C’est innovant et d’une beauté ! Attendrissante beauté du romantisme. D’ailleurs, on peut s’apercevoir de tout cela si l’on s’attache particulièrement à Amira Casar. Elle y est photographiée comme elle ne l’a jamais été et comme elle ne le sera probablement plus jamais. Oubliée l’image terne que son faciès véhiculait au fil de ses films ! Peu de personnes savent encore comment éclairer les acteurs. Pas d’une manière générale, mais en sachant percevoir les différentes mises en valeur d’un visage spécifique.

Le cœur du problème c’est la lente contemplation que cette beauté exerce sur elle-même. L’histoire n’est pas difficilement racontable, au contraire, et à quelques nuances près c’est assez facilement compréhensible. Mais le scénario est ténu. Et les rares moments de relance narrative n’ont pas assez de force pour donner autant de relief que le film aurait nécessité. Nous sombrons donc petit à petit dans une espèce de léthargie devant l’hypnotisme de ces images extraordinaires. Succomber à une image hypnotique comme racine commune au vocabulaire amoureux.

Disons que les frères Quay ont voulu trop bien faire. Tout cela est très appliqué. Devant tant de créativité, ils s’abandonnent à l’admiration de leur propre travail. Tout cela est très condescendant. Beaucoup de plans superflus ne signifient pas pour autant que le film gagnerait à être moins long. Ce n’est pas d’ennui dont il s’agit mais d’imperméabilité. Nous aurions pu voir un film mais nous n’avons vu que du travail.

Leur démarche reste cependant tout ce qu’il y a de plus fascinante. C’est un film difficile avec des moments de beauté intense et de chocs visuels. Ce genre de film raté ne saurait en rien être marqué du sceau de notre mépris. Bien au contraire. Voilà un style et des vues qu’il faut défendre car le cinéma c’est avant tout cela : fabriquer des moments uniques (c'est-à-dire non standardisés) et qui nous ouvrent sur des mondes insoupçonnés. Le distributeur français l’a bien compris, à l’image de ce que je l’entendais dire à la sortie de la projection : « Cela fait trois fois que je vois le film et je n’ai toujours rien compris ». Je vous aime, monsieur. Notons que Georges Moustaki réécoute sans cesse ses chansons et n’y comprend toujours rien non plus.

            Nous reparlerons très vite de « l’Etrange Festival », c’est promis. Les films pouvant faire partie de la programmation ayant toute notre attention. De ce fait, parlons un peu du phénomène SUBCONSCIOUS CRUELTY. Réalisé en 1999 par le primitif Karim Hussain, ce film ne vaut pas tout le tapage médiatique qui l’a entouré. Nous y avons échappé en France car le film n’est jamais sorti chez nous.

Quelle vacuité intellectuelle ! Tout n’est qu’une suite d’images et de scènes provocatrices, même pas de bon goût, mais surtout sans aucune originalité. Enucléation, castration, accouchement face caméra, inceste, cannibalisme et plein d’autres choses déjà vues et revues qui ne sont pas choquantes pour 4 euros 50 car filmées platement avec une pseudo musique new-age. Même les couleurs se la jouent artistiques : la saturation des tons alliée à un noir alentour est d’un abject parti pris. Chez Gregg Araki, la même saturation fait au moins référence à des sentiments ou des situations alentours, prévenant ou soulignant quelque référence. Pourquoi tout cela ? Rien n’est dit. L’idée serait sans doute de flatter votre intelligence si vous y trouviez la moindre signification.

Monsieur Karim Hussain, vous êtes un mystificateur. Vous polluez nos esprits d’inepties immondes et à peine regardables. On voit ou on fait un film pour en tirer une certaine satisfaction. Je me pose des questions sur votre équilibre mental. Je vous en prie, dites-moi que tout cela vous apaise.

            Cet été nous avons beaucoup parlé des morts-vivants et de leurs cortèges funéraires. Wes Craven en rajoute une couche. Nous vous avions déjà annoncé sa mort au mois de juin. Chapitre suivant : il sort de sa tombe les pieds devant et nous livre un RED EYE encore pire que le précédent CURSED. Il confirme donc bien qu’il n’était pas le réalisateur d’un film mais d’un scénario : SCREAM.

Rien de nouveau dans cette histoire qui peine lourdement dans toute sa première partie. Craven a beaucoup de mal à ne pas nous faire ressentir le statisme de toute l’action au sein de l’avion. Une fois dehors, sa caméra s’en trouve délivrée mais il est déjà trop tard. Un air de déjà vu. Même pas une mélodie. Le Luc Besson de la production horrifique n’en finit plus de nous décevoir !

            Autre grande revenante : Mena Suvari. Ah ! Parlons automobile ! Non, il ne s’agit pas d’une voiture mais de la splendide, la divine, la paradisiaque, l’enchanteresse découverte d’AMERICAN BEAUTY. Je dis « revenante » mais elle n’a pourtant pas cessé de tourner. En fait, le dernier rêve qu’elle nous a fait l’honneur de sublimer se nomme LOSER et date déjà de 2000 (je n’ai pas encore vu SPUN, il est vrai). Eh bien, elle a énormément changé la belle Mena. Alors qu’elle trimballait outrageusement son doux visage angélique et enfantin, la voilà devenue une vraie femme. Ses traits se sont affinés et elle expose moins son côté lolita que sa nouvelle féminité. Malheureusement. Son insolente beauté inaccessible en faisait tout son charme et sa particularité. Dès lors qu’elle perd ce délice atypique elle se fond dans une certaine fadeur que son jeu ne permet pas de relever. Elle n’en reste pas moins d’un ravissement tout ce qu’il y a de piquant, mais encore faut-il savoir l’employer la suave Mena... Ce n’est pas le cas de Marc Evans qui ne s’est jamais illustré par la qualité de ses réalisations et qui poursuit son œuvre nonchalante avec TRAUMA. Petit thriller torturé. L’ennui nous envahit souvent par l’entrée de service dans ce film qui s’en tient à une psychologie qu’il n’approfondit jamais. Peine-à-jouir, va ! Etonnant avec Mena Suvari au générique, n'est-il pas ? 

Le cas contraire s’est produit avec Chloë Sevigny. L’égérie underground nous avait tellement touchés depuis sa première apparition dans KIDS du grand Larry Clark, que nous n’arrêtions pas de nous demander quand elle se débarrasserait de cette image de teenager pour mettre enfin ses atouts féminins en avant. Quand ressemblera-t-elle à une vraie femme ? La transformation de l’adolescente en femme a tardée, mais quel bonheur de pouvoir s’en délecter au sein du dernier Jarmusch ! La fleur était indéhiscente et n’attendait qu’un rayon de soleil pour s’épanouir. Outre sa beauté plastique qui se perfectionne au fil des ans, son jeu devient lui-aussi plus subtil et fait moins montre de ses états d’âme de la vie réelle. Dans BROKEN FLOWERS elle cache derrière une apparence stricte, un caractère sexuel détonnant. Le potentiel érotique de cette fille est ahurissant ! Elle arrive parfaitement à diriger ses charmes et faire en sorte de ne jamais manquer sa cible. Toutes ses répliques sont d’une précision redoutable et quoique son personnage ne soit que peu présent, il est plus développé qu’il n’y paraît. Il est bâti à partir d’un animal : l’araignée. Et le romantique se fait toujours prendre au piège de la toile...

            C’est avant tout un film romantique que vient de réaliser Jim Jarmusch. Très attachant. Très sincère. Très cruel aussi.

Débarrassons-nous d’abord de Bill Murray. Acteur génial assez complet, je le trouve ici moins subtil que dans ED WOOD ou RUSHMORE pour ne citer qu’eux. Normal, il n’a pas beaucoup de couleurs à jouer. Il reste bien évidemment assez formidable et généreux, d’autant plus que dans la construction de son personnage nous n’apprendrons quasiment rien sur lui tout au long du film. Ne disons pas qu’il prouve une fois de plus qu’il sait faire autre chose que nous faire rire. Cela ne date pas de LOST IN TRANSLATION. Bill Murray n’est pas né à GROUNDHOG DAY.

Lorsque l’on s’appelle Jim Jarmusch et que l’on a réalisé l’un des plus grands films au monde (DEAD MAN) on est forcément attendu et l’on doit forcément s’apprêter à décevoir. C’est une erreur. Un film ne devrait pas être envisagé d’après la carrière de son réalisateur, mais plutôt considéré comme une œuvre indépendante qui se regarde sans comparaison. Si un film doit sa place en analogie des autres films de son réalisateur, alors vous devez en accepter l’établissement d’un modèle par rapport à tous les films que vous avez vus. L’établissement d’un film référence implique de facto une désillusion constante. Peut-être serait-il à souhaiter que Jim Jarmusch soit mort. Je m’explique. Lorsque nous regardons des chefs-d’œuvre de Joseph L. Mankiewicz tels que ALL ABOUT EVE ou SUDDENLY, LAST SUMMER nous nous émerveillons constamment des plus grandes œuvres de ce cinéaste. Lorsqu’il nous arrive d’en découvrir de moins connues dans un quelconque ciné-club, comme PEOPLE WILL TALK ou 5 FINGERS, nous envisageons cela sous l’adjectif de « curiosités » moins importantes que les grands films de sa filmographie (la déception dont je parlais à l'instant), mais pourtant formidablement intéressantes. C’est pour cela que BROKEN FLOWERS n’est pas une déception.

Je juge la déception critique de BROKEN FLOWERS comme passagère. Le temps parviendra à faire surgir la véritable identité de cette œuvre. De la même manière que fut accueilli EYES WIDE SHUT.

Puisque nous devons comparer les films de Jarmusch, pour moi c’est de STRANGER THAN PARADISE dont se rapproche le plus BROKEN FLOWERS. Vrai film romantique, il s’attache surtout à nous dépeindre des portraits de femmes, qui ne trouvent leur pleine cohésion que par cet homme-lien. Ce n’est pas Bill Murray le sujet du film. Ce n’est pas vrai. D’ailleurs, je le redis encore, à la fin du film nous n’avons pas appris grand-chose sur lui.

Les fleurs, le rose, Don Juan, l’altération de Don Johnston en Don Johnson qui le suit toute sa vie, les lettres etc. tout cela sont des symboles évidents du romantisme que Bill Murray cherche à atteindre toute sa vie en se heurtant constamment à l’échec. Le problème semblerait venir de lui. Les deux seules références dont nous disposons confirment la fuite de deux de ses femmes. Je pense qu’il faut croire Bill Murray au début du film, quand il dit à Julie Delpy qu’il n’a rien d’un Don Juan. Son comportement avec les femmes est très révélateur, tout comme les conseils que lui donne son ami Winston. Pour moi, Bill Murray est un personnage en quête de romantisme comme aboutissement de la sentimentalité. Or, le romantisme n’est qu’un fantasme qui ne trouve de conclusion que dans une forme de sentimentalisme. Il se retrouve donc incapable d’affronter la réalité du quotidien. Le quotidien n’est pas romantique. Et Julie Delpy s’en va.

Pour comprendre le cinéma de Jim Jarmusch il faut saisir le sens de ses silences, des moments d’action sans paroles et l’effet du temps qui passe. Ses personnages sont souvent victimes du temps et le plus souvent semblent enfermés dans un espace où le temps ne se décompte pas à coup de secondes. C’est aussi le cas pour Bill Murray. Son odyssée n’est pas conditionnée par le temps. Elle s’inscrit dans un morceau de vie où il semble s’être arrêté. S’arrêter pour souffler. Prendre du recul. Faire le point. Qui suis-je ? Qu’ai-je fait ? D’où l’importance de Jarmusch à nous décrire l’environnement de ses personnages. « Voilà ce qu’ils ont accumulé. Voilà les conséquences de leurs actes. Voyez la disproportion entre ce qu’ils auraient voulu et ce qu’ils ont finalement obtenu. » C’est beau et triste. Donc diablement romantique.

Je ne m’arrêterai pas là, ce serait minimiser l’humour du film. Véritable constante chez Jarmusch, il est encore une fois savamment distillé et d’une percussion dont seul Jarmusch a le secret. Le passage sur le cannabis est l’un des plus excitants et efficaces. Quant au segment où Bill Murray rencontre Lolita, la fille de Sharon Stone, Jarmusch pousse son génie très loin. Lorsqu’il filme depuis l’extérieur Bill Murray félicitant Lolita pour la tenue qu’elle ne portait pas à un moment X, vous avez là tout simplement le plan le plus intelligent du film. Il n’y avait qu’une manière pour filmer ça.

Voilà pour aujourd’hui. On en reparlera dans dix ans.

            A l’opposé, MUST LOVE DOGS de Gary David Goldberg est un film qui envisage le romantisme sous ses airs les plus mièvres et les plus exaspérants. Si vous aimez les minauderies cinématographiques… Pomme d’amour non fournie.

C’était surtout l’occasion de revoir la belle Diane Lane dans un style de film taillé sur mesure pour elle. C’est dommage, elle n’est pas très convaincante, alors qu’en face d’elle John Cusack déroule. 16 ans après FAT MAN AND LITTLE BOY de Roland Joffé, son jeu d’acteur, déjà d’un haut niveau, a atteint une maturité et une simplicité qu’il est toujours agréable de retrouver. Il était aussi le plus convaincant dans ce film qui s’attache trop aux faits historiques. Tout cela manque d’originalité comme l’ensemble de l’œuvre de Joffé d’ailleurs. THE KILLING FIELDS est un mystère là-dedans.

Paul Newman jouait déjà à Paul Newman et aurait pu se reconvertir comme docker tellement il en fait des caisses. Les rôles de femmes sont passés au second plan et n’intéressent le réalisateur que par les résultantes exercées sur les protagonistes masculins. A peine Laura Dern a-t-elle des choses à extérioriser. Mais elle y est exécrable. Bel exemple de carrière ratée.

Le sujet était difficile à traiter et le style lourd de Joffé empêche tout dynamisme.

            Pas trop difficile à filmer, LOOKING FOR RICHARD était plus difficile à monter. Plus que pour tout autre film, celui de Pacino s’est joué au montage. Car l’alternance de la vie réelle avec les scènes jouées aurait pu faire un patchwork copié-collé, alors que le film reste passionnant de bout en bout. Les passages de l’un à l’autre se font avec une extrême douceur et l’amalgame prend dès lors qu’on ne se rend pas compte que l’on filme deux histoires différentes. Elles se fondent ensemble de manière parfaitement complémentaire, de sorte qu’elles ne sont plus qu’un seul et même tout où chaque partie est indissociable de l’autre. Ils s’y sont mis à quatre quand même : William A. Anderson, Ned Bastille, Pasquale Buba et Andre Ross Betz ! En France, ils auraient préféré faire une belote.

Pacino rend facile l’accès à Shakespeare par le rejet de toute forme de sacralisation. L’adaptation privilégiant le ressenti plus que la compréhension. C’est brillant. Et exécuté par des comédiens inspirés. C’est un document exceptionnel sur la place de Shakespeare dans notre société et la manière dont il est communément perçu. Indispensable donc. Tout comme l’est le film de Paul Greengrass : BLOODY SUNDAY. Les options d’un grain visible, d’une caméra à l’épaule et de ne pas utiliser de lumières (si ce n’est la lumière naturelle) se révèlent particulièrement périlleuses et un peu déstabilisantes au début. Mais le caractère de ce faux documentaire trouve sa justesse à travers ces éléments. Les différents fondus au noir (qui rappellent parfois l’influence Haneke) et la mise en place de la manifestation préparent le terrain d’une vie de quartier qui va se retrouver bouleversée le lendemain. Le procédé est issu de THE DEER HUNTER.

Bien qu’on ait du mal avec le jeu de James Nesbitt (fait de grosses ficelles et de démonstrations appuyées), le film va vite se révéler envoûtant et prenant par les sentiments d’impuissance et d’injustice qui s’emparent de nous. Le « Bloody Sunday » méritait bien un film, certes unilatéral, mais suffisamment documenté pour appeler ces prises de position. C’est un film qui fait naître la rage, qui impose une rancœur indélébile envers les salauds de l’armée britannique qui ont ordonné ce massacre et qui s’en sont félicités. Un film pour ne pas oublier ne sert à rien selon moi. L’argumentation a plus de sens. La manière dont nous l’utiliserons est un choix personnel.

Un film qui ne légitime pas l’I.R.A. mais qui l’explique. Cela s’est passé à Londonderry le 30 janvier 1972. Ce sont les britanniques qui y ont monté un stand de tir comme dans une fête foraine, et ils ont fait coulé du sang. Ils en ont été décorés. Début de la guerre civile en Irlande du Nord. Honte sur l’Angleterre !

Figure authentique de la rébellion, une certaine idée du romantisme…

            Si l’on évoque BMW, le lien avec le cinéma peut paraître ténu. Elle est pourtant à l’origine d’un coup de pub des plus innovants et audacieux, qui a permis à huit réalisateurs de tourner un court métrage mettant en scène un modèle de la marque. Ce sont John Frankenheimer, Tony Scott, Wong Kar-Waï, Guy Ritchie, Ang Lee, John Woo, Alejandro Gonzalez Iñarritu et Joe Carnahan qui s’y collent. Clive Owen est de la partie à chaque coup de volant et on peut apercevoir Gary Oldman, Madonna, James Brown, Marilyn Manson, Don Cheadle et plein d’autres. Evidemment, les univers sont assez inégaux et le format à mi-chemin entre le long métrage et la publicité ne fait pas mouche à chaque fois. Les styles sont aisément reconnaissables et ce qui joue malheureusement en leur défaveur c’est la concentration de leurs éléments en moins de dix minutes. Pour le John Woo, toutes ces accumulations d’extravagances, de pseudos rebondissements et de postures plus iconographiques les unes que les autres en font un véritable pastiche. Comme si John Woo se moquait de John Woo. Tout y est très vite grotesque. Cela fonctionne mieux avec le style très découpé, noyé de plans, qu’adopte Tony Scott. C’est beaucoup plus proche de la publicité, donc plus percutant. C’est d’ailleurs vers cela que semble tendre ce dernier au fur et à mesure de ses films. Ce n’est pas un réalisateur que j’admire énormément mais j’ai l’impression qu’il se trouve enfin par le style. TRUE ROMANCE fonctionne quand même drôlement bien. C’est d’ailleurs le seul film intéressant qu’il ait réalisé. THE FAN ou ENEMY OF THE STATE n’ont pas concrétisé ces jalons, car ils n’ont pas été exploités dans cette veine. En en prenant conscience, en s’accaparant ce style plus tape-à-l’œil et en l’adaptant à son mode d’expression, il avait réussi avec MAN ON FIRE un film regardable, à défaut d’être passionnant. C’est pour cela que nous attendons avec impatience son prochain DOMINO, dont son casting nous plonge déjà dans un bain bouillonnant d’excitations épileptiques. Keira Knightley et Mena Suvari au générique du même film ! Y’a des bouchons de champagne qui sautent tout seuls !!!

Iñarritu, lui, ne fait rien de vraiment nouveau. C’est sale, filmé au vibromasseur, bavard et totalement vain. C’est empreint d’un univers très fort, mais totalement hors sujet. C’est bien le même réalisateur qui ne s’appuie que sur une idéologie de bas étage, sans profondeur et profondément malhonnête puisqu’il cherche à mettre du sens là où il n’y en a pas. C’est abject. Mais rappelez-vous, 21 GRAMS n’évoquait rien non plus.

Je préfère garder en tête les délicieuses images de Wong Kar Wai, qui rend le quotidien extraordinairement beau et luxueux. La vie est une recherche de fantasmes pour lui. C’est agréable de voir quelqu’un qui court après quelque chose.

Pour en revenir à BMW (qui ne sont absolument pas les initiales d’une position sexuelle abracadabrante inventée par une ancienne tribu indienne qui pratiquait le satanisme modéré, mais qui signifient plutôt Bayerische Motoren Werke, tout comme FIAT veut dire Fabbrica Italiana Automobili Torino et que l’on appelle plus communément dans la vie quotidienne de cette façon : « Mais tu vas la pousser ta poubelle à roulettes ou j’en fais un caddie pour cul de jatte ? », ce qui la différencie de BMW, citée précédemment, que l’on aime à surnommer affectueusement : « Excusez-moi, monsieur, vous êtes dans votre bon droit : la priorité était bien à gauche » ; la raison du plus fort étant toujours la meilleure puisqu’il ne faut jamais dire fontaine), donc pour en revenir à BMW et ne plus faire de parenthèses aussi longues et difficiles à comprendre (pour ceux qui n’auraient que deux neurones, Georges Moustaki a écrit des textes, ce me semble), eh bien BMW fait preuve d’une témérité qu’il convient d’applaudir de belle manière. La liberté de ton donnée à chaque réalisateur, la confiance accordée à coup de millions révèle une stratégie marketing osée, coûteuse et par là risquée. Et même si le résultat artistique est à modérer, c’est une vraie réussite que la célébration de ces modèles automobiles par cette firme qui bâtit ici son identité à travers sa culture.

Vous allez voir, il va nous dire qu’ils sont introuvables…

Il existe un DVD qui les regroupe tous, sinon vous pouvez aller faire un tour sur le site http://www.bmwfilms.com où vous pourrez en voir quelques-uns et même acheter ce DVD. Elle est pas belle la vie ? Mais si, y’a un point d’interrogation. 

            Puisque nous parlons DVD, IZNOGOUD vient de sortir. Je ne saurais bien évidemment que trop vous conseiller de l’acheter. Voici un film qu’il faut posséder à double titre. D’abord pour vous apercevoir que vous avez gaspillé bêtement votre pécule si durement gagné (mais ce n’est pas la première fois ! Quand allez-vous vous rendre compte que ce n’est pas raisonnable ?), et puis aussi parce que cela vous évitera d’acheter CONSTANTINE (et c’est déjà un premier pas vers le raisonnable). Et troisièmement, quand je dis quelque chose j’aimerais bien qu’on m’écoute dire des conneries !

            CHI TO HONE de Yoichi Sai vaut avant tout par la nature de son personnage principal, violent et exclusif. La folie de Takeshi Kitano le rend dangereux et fascinant. L’aura de cet homme crée une sorte de plaisir confondant à se retrouver à ses côtés tant sa personnalité est attirante. Alliée à une répulsion physique, c’est ce mélange qui le rend tour à tour charismatique et haïssable. Grâce à cela nous pouvons suivre le cours de sa vie et nous intéresser à ces éléments dérangeants qui ont tissé l’histoire de cet homme ne pouvant s’assouvir que dans la destruction. La fascination des monstres n’est qu’un apprivoisement de notre propre tumulte.

            Dès le 14 septembre prochain attendez-vous à une bonne surprise signée Paul Haggis : CRASH. Petit bijou de mécanique humaine, le film est une réflexion assez lente sur les jugements que nous portons sur autrui et qui conditionnent nos actes. Sujet très difficile à traiter.

Nous portons sans cesse des jugements sur les personnes qui nous entourent et la contradiction se trouve dans leur négation et l’interdiction d’en porter sur nous-mêmes. A travers nos préjugés et certains archétypes que la vie en société a établis, nous agissons non pas dans le rapport d’homme à homme mais plus dans celui imposé par les différents niveaux sociaux ou raciaux. Le film montre que toute personne n’est ni tout à fait bonne ni tout à fait mauvaise. Il existe une complexité graduelle dans la conception humaine, et c’est ce qui fonde ce propre jugement face à nos vérités personnelles. Mais au fond, il est faux de penser que nous ne désirons pas tous les mêmes choses. Pour moi ce sera un Quick n’ toast et une grande frite.

Là où le propos est convaincant réside dans la tension identifiée comme vecteur principal du film. Quant il y a un revolver au début d’un film, vous pouvez être sûr que le coup va partir avant la fin. C’est l’une des choses à laquelle on s’attend en permanence et où l’on se trouve constamment surpris du dénouement que peuvent prendre certaines conjonctures. La complexité précitée. A sa décharge, les deux seuls coups de revolver à partir sont d’un ridicule et d’un cliché téléphonés. On regrette un peu ces facilités.

Il n’en reste pas moins une mise en scène qui joue de la sobriété du quotidien et d’excellents comédiens pas forcément à contre-emploi, mais d’une justesse particulièrement émouvante. Cela provient essentiellement de la liberté de ton apportée par le scénario, qui permet d’aborder des sujets de société souvent tabous et enfin libérateurs. Dans l’élaboration de ces personnages, le procédé conceptuel s’écrit dans un rejet du manichéisme américain. C’est ce qui fait de CRASH un film avant tout technique, dont l’impact sur les futures générations cinématographiques semble indéniable, même s’il nous échappe un peu.

            C’est en 1982 que Wim Wenders réalise DER STAND DER DINGE, un film ambitieux, difficile et parfois très intéressant dans la réflexion du processus de création. Parfois très drôle, Wim Wenders ne peut pourtant s’empêcher de retomber dans des problèmes d’outrecuidance qui sont un frein à beaucoup de ses films, à savoir une redondance cyclique qui empêche toute emphase. Le ton reste le même du début à la fin. C’est souvent très long. Comme disait la jeune mariée.

            Et au cinéma n’y aurait-il pas un film à nous conseiller ?

THE DUKES OF HAZZARD est une comédie médiocre mais assez joliment ratée car elle s’inscrit dans une tradition potache bassement réjouissante. Il y a dans ce film un second degré constant qui fait assez vite oublier le caractère débile, machiste et violent de ce que l’on peut y trouver. Toujours rien de bien réjouissant dans l’adaptation de séries télévisées.

            Bien plus extraordinaire : la composition de Christian Bale dans EL MAQUINISTA de Brad Anderson. Composition physique évidente où l’acteur se retrouve quasiment cadavérique face à de vieux démons qui cherchent à prendre le dessus sur le peu de conscient qu’il lui reste. Il est impressionnant de vivre cette expérience où Christian Bale parvient à nous faire ressentir sa souffrance physique et psychologique. Il irradie l’écran de sa puissante présence, là où une atmosphère et une photographie sans couleurs vives auraient pu définitivement éteindre toute velléité d’attention. Ajouté à Jennifer Jason Leigh, actrice sous-employée plus que fabuleuse, ils forment un duo parfait d’intensité, de justesse et de frénésie.

Le scénario alambiqué permet au film de se voir à plusieurs échelles. Brillamment maîtrisé, il nous tient en haleine sans temps mort.

Exceptionnel, le film aborde le refoulement de la même manière que MEMENTO : sous l’angle du personnage principal et uniquement à travers son histoire du moment présent. En lutte pour retrouver les